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Cette aventure épique, dans la grande tradition du roman picaresque, nous narre les tribulations de don Pablos de Ségovie, mendiant magnifique mais peu recommandable, bien décidé, malgré les innombrables dangers, à se faire une place au soleil, celui d’Amérique du sud – qu’à cette époque on croyait être les Indes -, grâce à un lieu mythique et plein de promesses : l’Eldorado. Handicapé par des origines misérables, il ne reculera devant rien pour arriver à ses fins, accumulant les coups sans broncher et endossant mille personnages afin de traverser toutes les couches de la société et ainsi mieux tromper son monde… Le dessinateur de Blacksad et le scénariste de De Cape et de Crocs ont uni leur talent pour produire une œuvre remarquable à tous points de vue. Tout comme leur héros Pablos, le lecteur embarque pour le Nouveau monde avec délectation. Certes, les rebondissements seront nombreux et les conséquences plus âpres pour le premier, dur à la douleur, qui parviendra néanmoins à retomber sur ses pieds à chaque coup du sort, en ressortant comme renforcé, comme dopé… Alain Ayroles nous a concocté ici un scénario aux petits oignons, qui est en fait la continuation du roman picaresque « El Buscón (Vie de l’aventurier Don Pablos de Ségovie) », signé d’un certain Francisco de Quevedo, figure majeure des lettres ibériques au XVIIe siècle. A la fin du livre, qui se situait en Espagne, l’écrivain annonça une suite qui ne vit jamais le jour. Le créateur de Blacksad, Juanjo Guarnido, avait toujours été fasciné par ce classique de la littérature espagnole. Quant à Alain "DCEDC" Ayroles, il envisageait de raconter les aventures de Don Quichotte dans le Nouveau monde. C’est donc tout naturellement que les deux auteurs ont conçu ce projet haut en couleurs. Dans un style littéraire soigné, Ayroles fait s’exprimer le narrateur principal, qui n’est autre que Pablos, en s’inspirant du langage de l’époque. L’histoire est extrêmement bien construite, respectant la linéarité du roman picaresque, avec plusieurs récits enchâssés au sein du récit central. C’est sans relâche que nous suivons les péripéties de Pablos, personnage ambigu qui suscite autant la pitié que la répulsion, même si cette fripouille pour le moins rusée a des raisons de vouloir s’extirper de sa condition sociale calamiteuse. Le twist final est juste ahurissant, mais l’auteur parvient à le rendre crédible de façon subtile, avec une ironie totalement subversive contre tous les puissants de ce monde. Du reste, le propos de cette saga au souffle épique reste tout à fait transposable à nos sociétés contemporaines, où la misère la plus noire côtoie plus que jamais la richesse la plus obscène. Juanjo Guarnido de son côté ne fait que, preuve s’il en fallait, confirmer son talent, quand bien même les animaux ont repris ici leur rôle de figurants silencieux… De Blacksad, les humains ont conservé le sourire carnassier ou les yeux de chien battu selon les cas. Pour le reste, le dessinateur espagnol nous emmène littéralement au cinéma, tant la représentation des paysages de l’Altiplano et de l’Amazonie est époustouflante. Le passage décrivant la découverte de l’Eldorado par Don Diego et ses hommes est à couper le souffle. Confessant s’être rendu au Pérou pour parvenir à un rendu le plus réaliste possible, Guarnido n’a utilisé que des couleurs directes, à l’aquarelle, et le résultat est somptueux. A n’en pas douter, « Les Indes fourbes » s’impose d’emblée comme une réussite et rencontrera le succès, plus que mérité. Cela apparaît presque comme une évidence quand on sait que ces deux auteurs talentueux avaient l’envie de travailler ensemble. Cette brillante épopée, qui prouve que l’alchimie entre les deux hommes a parfaitement fonctionné, figurera non seulement parmi les meilleurs albums de 2019 mais également au panthéon du neuvième art. À noter en outre que l’objet est publié en grand format et dans un superbe tirage.

07/09/2019 (modifier)

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Les fumeurs préfèrent généralement hausser les épaules face aux arguments, ressassés à l’envi, contre leur sale petite habitude tenace. Et pourtant ils les connaissent tous, plus ou moins. Ils savent que les chances d’attraper un cancer en sont multipliées et que la cigarette comprend en outre quantité d’additifs dangereux. Mais allez comprendre pourquoi, pour les accros à la cibiche, l’acte de fumer semble demeurer, depuis plusieurs décennies, un des plus forts symboles de liberté individuelle pour tous et d’émancipation quand il s’agit de la gent féminine. Et malgré les messages faisant ressembler les paquets de clopes à des faire-part de décès, certains pensent toujours que le fait de remplir ses poumons de fumée et de goudron constitue le summum de la transgression, procurant peut-être ce grand frisson que l’on ressent quand on danse avec la mort… De vrais rebelles, les fumeurs, c’est sûr ! Cette BD-docu pourrait pourtant bien provoquer chez eux un vrai déclic… Pierre Boisserie nous livre ici une enquête captivante sur une industrie née avec la conquête de l’Amérique et qui a réellement pris son essor lors des deux guerres mondiales. S’appuyant sur un découpage narratif rigoureux et une documentation fournie, l’auteur analyse et démonte méticuleusement les mécanismes de propagande à l’œuvre dans l’expansion hors-norme de cette pratique mortifère. Il en profite pour démasquer « Big Tobacco », mafia de nababs sans scrupules qui ont fait main basse sur cet « eldorado » à caractère agricole, détourné de son usage originel, principalement thérapeutique. Car les premiers à le consommer furent évidemment les Indiens qui ne l’absorbaient que lors de cérémonies chamaniques… avec modération, contrairement à nos fumeurs modernes ! Mais c’est lorsque la cigarette fut inventée que le marché explosa véritablement, avec la catastrophe sanitaire qui s'ensuivit… La présence de « Mr Nico », maître de cérémonie peu amène, évoque avec un humour particulièrement cynique l’industrie sous tous ses aspects, historique, économique, sociologique, scientifique, sanitaire et culturel. Et tout cynique soit-il, ce personnage, sous sa caricature à l’image des fat cats de l’US Tobacco, rend l’exposé très vivant tout en médusant le lecteur, à la fois incrédule et terrifié devant ce « Joker » sinistre, rendu seulement sympathique par le fait qu’il « balance » son propre camp… On appréciera aussi le trait assuré, agile et expressif de Stéphane Brangier, qui dynamise la narration de façon très pertinente, avec moult trouvailles faisant que jamais l’ennui ne s’installe. Alors si les lecteurs non-fumeurs ne pourront que souscrire, les accros à la clope resteront-ils insensibles à cette diatribe implacable contre la petite tige tellement stylée dans les soirées, si ce n’est qu’elle fait le désespoir de nos bronches ? Le seul léger bémol peut-être à cet excellent documentaire est que l’enquête est centrée uniquement sur l’industrie américaine. Le seul léger bémol peut-être à cet excellent documentaire est que l’enquête est centrée uniquement sur l’industrie américaine. Même si elle n’existe plus aujourd’hui, on aurait aimé connaître l’histoire de la SEITA française, avalée par le géant Imperial Tobacco... De même, un chapitre aurait pu être consacré à la cigarette électronique, dont on sait encore peu de choses, notamment si elle sert véritablement à arrêter de fumer ou si elle n’est pas juste une addiction destinée à en remplacer une autre… Quoi qu’il en soit, « Cigarettes, le dossier sans filtre » constitue une lecture providentielle pour les plus motivés à se désintoxiquer (oui, la nicotine est bien une drogue, et pas la moins addictive…), et pourra même provoquer un déclic chez les autres… « Cramer » son argent pour en faire don à cette richissime mafia qui ne dit pas son nom n’est pas l’acte le plus rebelle, tant s’en faut… Et si dans un an, j’ai moi-même définitivement arrêté la cigarette, je mettrai la note maximale, promis !

05/09/2019 (modifier)

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Ce one shot est un prequel de Popeye, alias Mathurin, qui permet d’en apprendre davantage sur le personnage grâce aux libertés prises par les auteurs. Pourquoi est-il surnommé Popeye ? Pourquoi, mange-t-il des épinards ? Comment a-t-il rencontré Olive ? Comment est-il devenu père ? Autant de questions qui trouvent (enfin) une réponse. L’atmosphère qui se dégage de l'album suinte le vrai et le labeur, renforcé en cela par des dialogues argotés. Il n’y a pas vraiment d’action, juste le quotidien d’un marin " Solitaire " et renfermé qui lutte pour sa survie et contre les injustices. Mais grâce à l'amour, il va s'ouvrir petit à petit. Visuellement c’est aussi réussi grâce à ce trait atypique, fin et faussement tremblotant, et à la colorisation aux tons pastels qui donnent un effet vieilli. Une belle découverte !

02/09/2019 (modifier)

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Ouaouh ! Avec ce gros pavé de près de 300 pages, Ludovic Debeurme confirme tout son talent, mais aussi son côté hors norme. On est parfois proche de ce que fait Charles Burns, avec là aussi un intérêt pour l’étrange, la métamorphose, le mélange des espèces, mais aussi pour les questionnements de l’enfance, de sa sortie, la recherche de l’amour, etc. On retrouve aussi parfois le trait de Burns (dans certains visages en particulier), même si le Noir et Blanc de Debeurme est bien plus fin, et ne joue pas sur les ombres : il est bien plus aéré et aérien, ce que renforce d’ailleurs l’absence du gaufrier traditionnel. Raconter ou résumer cet album est difficile, et n’est même pas forcément souhaitable. On a là une sorte de poème surréaliste, d’une très grande richesse visuelle et imaginative, quand bien même certains passages sont d’une noirceur, voire sont glauques. En tout cas j’ai trouvé l’ensemble très frais, très beau (que ce soit l’aspect graphique, mais aussi la narration poétique et décalée). Cela sort du commun, c’est sûr, et beaucoup seront déroutés en le feuilletant. Mais cet album contentera sans doute les plus curieux, les lecteurs d’une poésie lyrique et noire. Onirique, plein de liberté(s), que Debeurme habille parfois de laideur et d’horreur, « Le Grand Autre » se révèle souvent bouleversant.

02/09/2019 (modifier)

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« Anita Bomba ». Avec un titre pareil, on s’attend à avoir quelque chose de rythmé. Et on n’est pas déçu par le scénario d’Eric Gratien. En effet, du rythme il y a. D’abord parce que notre héroïne, voleuse dynamiteuse, sorte de pétroleuse steampunk ne s’embarrasse pas de détails, de détours et autres temps morts (il n’y a d’ailleurs pas que le temps qui meurt à son contact, car dès qu’elle semble être « coincée », elle justifie son nom en balançant la poudre !). Du rythme aussi car tout est découpé en très courts chapitres, et une voix off omniprésente (peut-être un peu trop parfois ?) commente, de façon cynique, ironique et parfois décalée, les aventures de la donzelle et de ceux qui l’accompagnent ou la subissent. Dans la première catégorie (mais ils pourraient tout aussi bien intégrer la seconde, tant côtoyer Anita prédispose à quelques ennuis) on retrouve un trafiquant, le Mentor, un robot schizophrène souffrant de troubles de personnalité – et assez violent (il dynamite d’ailleurs les plans d’Anita et plus généralement l’intrigue !). Dans la seconde catégorie, une très longue liste de victimes, mais surtout Michael Bottle, un flic qui cherche à se venger, avec sa horde de robots piranhas. J’ai été happé par les aventures d’Anita donc. Mais c’est aussi que le dessin de Cromwell est franchement excellent. Et je ne parle pas forcément de technique (quoi que). C’est aussi et surtout l’univers graphique qui est aux petits oignons. Avec une colorisation jouant sur les gris, les marrons, et surtout des tons de rouille qui donnent un habillage original à la série, Cromwell, avec un trait faussement crade, a su créer quelque chose qui convient parfaitement au ton employé par Gratien. Et la récente intégrale publiée par Akiléos est un bien bel écrin pour ces aventures détonantes !

02/09/2019 (modifier)

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Frédérik Peeters est un auteur original, très éclectique – et qui réussit à surprendre dans à peu près tous les genres auxquels il touche. Pour ce qui est de la Science-Fiction (puisque c’est le cas avec cette série), il avait déjà à son actif le très beau Lupus, assez planant. Avec « aâma », on est dans une veine SF peut-être plus classique, mais là aussi c’est vraiment très bon – et très beau ! Avec quelques détours vers la chronique sentimentale (pas gnangnan, et qui vers la fin en plus se rattache à l’intrigue quasi thriller qui va envahir le côté purement SF), Peeters bâtit ici une histoire à la fois dense et aérée, voire aérienne. On est accroché petit à petit, puis vissé à cette intrigue (qui va nous questionner sur la relation entre homme et robot, sur la naissance de la vie, etc.), mais aussi et surtout à son traitement. En effet, j’ai trouvé superbe le travail graphique de Peeters, que ce soit le dessin ou la colorisation. On y retrouve des tons (dégradés de violets par exemple) déjà dominants dans Pachyderme, mais aussi très présents dans son dernier album, Saccage. Ces couleurs habillent un dessin parfois psychédélique, avec quelques planches qui m’ont fait penser à certains tableaux de Salvador Dali, voire aux paysages minéraux d’Yves Tanguy, dans une veine très surréaliste donc. Un dessin souvent épuré, mais qui fait la part belle à l’imagination, créant un bestiaire proche de celui imaginé par Léo dans ces séries SF, mais en plus poétique. Un monde beau et dangereux, une planète mêlant rêves et cauchemars. Les 4 albums, pourtant relativement épais (près de 90 pages chacun !) se laissent lire rapidement, et très agréablement. C’est une série pleine de poésie, d’une richesse graphique et scénaristique telle qu’il serait vraiment dommage de passer à côté.

02/09/2019 (modifier)

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Tout amateur de bandes dessinées se doit évidemment de lever tout au moins un sourcil intrigué lorsqu'il entend dire qu'Alain Ayroles va scénariser une histoire dessinée par Juanjo Guarnido. Savoir en outre qu'Ayroles s'inspire d'un célèbre roman picaresque pour lui donner la suite qu'il aurait dû avoir mais n'a jamais eue satisfera également l'amateur de belle littérature. On en concluera donc ainsi logiquement que toute personne de goût ne peut que se précipiter en librairie dès ce 28 août 2019 pour se procurer - à un prix certes quelque peu ironique par rapport au sujet de l'oeuvre - ce qui s'annonçait d'ores et déjà comme une pépite. Et dès que l'on ouvre l'ouvrage, on constate avec plaisir que l'on ne s'est pas trompé. Le sens aigu de la mise en scène parcourant toute l'oeuvre d'Ayroles a été convoqué une nouvelle fois ici, son talent incroyable pour les dialogues et pour le pastiche également, tandis que le génie visuel de Juanjo Guarnido n'a rien perdu de sa superbe. Tout amateur du monument De Cape et de Crocs ne pourra se sentir perdu face à ces dialogues d'une élégance toute ayrolienne - tout sauf du vent ! -, d'une langue parfaite qu'il fait bon lire en ces temps où le commun des mortels lui enlève toute sa substance. Oui, à nouveau, Alain Ayroles nous propose plus qu'une bande dessinée : il nous offre un bijou de rhétorique et de langue française. Rien que pour cela, Les Indes fourbes est déjà un monument. Mais il faut avancer davantage sans ombre ni trouble au visage dans l'opulente jungle verbale où nous fait pénétrer l'intrépide Ayroles pour découvrir plus en détail ce temple d'or qu'il a bâti pour nous. Si l'on s'en réfère à la structure de l'oeuvre, ce n'est plus du Francisco de Quevedo, c'est du Quentin Tarantino. Divisé en trois chapitres, le récit nous prend et nous surprend plus d'une fois, jouant avec sa propre mécanique narrative et dramaturgique pour mieux la mettre en valeur. Cela commence comme un simple récit d'exploration, récit à deux étages comme Ayroles sait si bien les écrire, afin de mieux mettre en abyme une histoire somme toute très classique. Un vulgaire escroc s'enfuit d'Espagne pour chercher la fortune dans les colonies du royaume, et découvre à la fois les noblesses et les turpitudes de ce monde qui, Nouveau, a déjà toutes les caractéristiques de l'Ancien. Il s'agit du chapitre le plus long. Sans doute le moins passionnant des trois, pourtant déjà captivant et, on le découvrira à la fin, essentiel pour installer lentement mais sûrement les rouages de l'implacable mécanique dans laquelle nous sommes plongés. Dans cette partie, l'on appréciera l'aisance avec laquelle l'auteur prend le ton des plus grands récits de voyage et nous immisce dans une atmosphère magnifiée par le trait d'une incomparable beauté issu de la main de Guarnido. Le souffle épique, la vérité cachée y établissent déjà leurs premiers bourgeons, qui écloront dans les deux parties suivantes. Après l'apothéose du premier chapitre, on croit déjà avoir tout vu. C'est précisément parce qu'en réalité, on n'a encore rien vu. Il faut s'arrêter là et ne rien dire du contenu des deux chapitres suivants pour conserver la surprise à l'aimable lecteur qui n'aura pas encore déserté cette humble critique, poussé par un ennui naturel. Que l'on dise simplement qu'Alain Ayroles, fidèle à son habituel style narratif, ne met en place cette mécanique en trois actes que pour mieux berner son lecteur. Si le premier chapitre de l'oeuvre passait - et c'est normal, pastiche oblige - par toutes les étapes attendues du récit picaresque comme du récit d'exploration, les chapitres II et III s'ingénient à briser tout ce que ces attendus avaient mis en place dans notre cerveau habilement endormi. On admirera également l'art avec lequel Ayroles domine son oeuvre tout en laissant une place égale à son dessinateur Guarnido, qui trouve là un exceptionnel terrain de jeu, la chance d'une vie, peut-être même l'apogée d'une grande carrière de dessinateur, afin de déployer tous les ors de son dessin merveilleux, baroque et titanesque. Derrière la sobriété d'une couverture où se dit pourtant l'essentiel (et à laquelle a participé le génial Alex Alice, notons-le au passage) se cachent les splendeurs d'un foisonnement graphique plein de vie et d'exubérance. L'auteur s'efface même parfois complètement derrière le dessinateur dans des planches colossales, muettes et pourtant éloquentes, telles ces douze pages sans un seul mot (!) narrant l'épopée d'un groupe de colons rencontrant les innombrables péripéties de la route vers l'El Dorado, qui redonne toutes ses lettres de noblesse au genre si souvent dénigré de la bande dessinée. Il sera toutefois permis au lecteur d'émettre quelques réserves sur l'esprit d'une bande dessinée dont la richesse ne peut masquer un (léger) manque. Si l'épopée possède un souffle incroyable et que le récit d'exploration semble passer par toutes les étapes essentielles, on pourra regretter que l'émotion ne vienne jamais percer la surface de la caricature. Certes, celle-ci est très intelligente et parfaitement justifiée par l'emploi du pastiche. Toutefois, il arrive que l'on se lasse quelque peu de cette dépiction du monde dans ce qu'il a de plus sale et de plus ignoble (au sens littéral comme au figuré). Bien sûr, la satire l'exige, mais cette saleté ambiante, certes réelle ou au moins réaliste, pouvait cohabiter - et ce, au sein du Nouveau Monde plus que partout ailleurs - avec une véritable noblesse et une authentique grandeur d'âme qu'Ayroles, sans doute à la suite de Quevedo, tend parfois à oublier, même s'il nous la fait par moments toucher du bout des doigts. Quand on songe à l'émotion puissante qui se dégageait de certaines pages de De Cape et de Crocs et de Garulfo, on peut trouver légèrement décevant qu'Ayroles ne nous propose aucun pic émotionnel dans cette bande dessinée. Mais il est vrai qu'il n'en a pas fait son sujet, et que ce manque est donc assumé. Qu'il ne soit toutefois pas accordé à ce petit reproche plus d'importance qu'il ne le lui faille, car en-dehors de cet élément soulevé par un historien et lecteur quelque peu tâtillon, Les Indes fourbes reste un véritable monument. Il est de ces bandes dessinées qui n'outragent le réel que pour mieux le faire parler, qui n'épuisent leur lecteur que pour mieux l'élever, et ne l'égarent que pour mieux le faire aboutir à cette conclusion qui s'impose d'elle-même : oui, dans le monde de la bande dessinée, l'El Dorado existe.

28/08/2019 (modifier)

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« Le Loup » aborde une thématique qui suscite le débat en Suisse comme en France depuis des années. Le loup a-t-il encore sa place dans nos contrées ? En résumé, d’un côté, les bergers et éleveurs y sont farouchement opposés en raison des dégâts que le loup inflige aux troupeaux. De l’autre, des écologistes et associations de protection de la nature, entre autres, soutiennent sa réintroduction et sa protection. Le débat est vif et émotionnel. À titre purement personnel, je suis dans le camp des protecteurs du loup. Ce magnifique animal était là bien avant nous, mais surtout avant que nos activités humaines et notre développement galopant ne limitent son habitat et ses sources de nourriture et le force à disparaître ou presque. Comme bien souvent, l’homme s’oppose à une situation problématique, ici les attaques sur les troupeaux, qu’il a lui-même engendrée, ce que Baptiste Morizot explique très bien dans la postface de l’album. Les autres exemples sont légions à travers le monde, comme le « problème » des attaques de requins à la Réunion ou d’ours polaires dans le Grand Nord. Bref, revenons à nos moutons si j’ose dire. Avec ce one shot, Jean-Marc Rochette livre un récit âpre, rude, brut et intense, comme la montagne qu’il aime tant. Le scénario est relativement simple mais puissant. Gaspard, berger solitaire écorché par la vie, va affronter un loup blanc venu s’installer dans sa vallée et qui décime son troupeau. Le combat gagne en intensité, page après page, jusqu’à un paroxysme presque absurde mais finalement assez poétique. L’homme contre la bête ? Pas tout à fait. Le manichéisme que je craignais n’est finalement pas de la partie. Le dénouement m’a également beaucoup plu et offre, selon moi, une fin satisfaisante bien qu’utopique, quand on la met en perspective avec l’actualité. Quant au dessin, là encore, Jean-Marc Rochette fait dans l’authenticité et l’intensité. Le trait est gras, épais et puissant, comme tracé par la roche et les éléments. Les personnages ont des gueules et sont teintés de mélancolie, sans doute due à la dureté de la vie en montagne. Le loup dégage une vraie force et une grande noblesse. Le milieu montagnard est représenté dans toute sa majesté, son immensité et sa rudesse. « Le Loup » nous raconte une bien belle histoire et devrait combler tant les amateurs de montagne que les adeptes de la plaine. Le coup de cœur est mérité.

27/08/2019 (modifier)

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« In Waves » est un voyage dans le monde du surf et dans l’intimité, l’amour puis le deuil d’AJ Dungo pour Kristen, fauchée par le cancer. Une véritable émotion se dégage de ce roman graphique, page après page. Malgré le caractère éminemment personnel du scénario, l’auteur parvient à garder une grande pudeur tout en faisant preuve d’une honnêteté qui force le respect. Pour écrire « In Waves », AJ Dungo se livre et a forcément dû mettre ses tripes sur la table. Parvenir à le faire avec tant de classe et une telle douceur, malgré la violence du sujet traité, a dû lui demander un immense travail d’introspection et du recul. Tout cela n’est pas sans me rappeler le fameux Pilules bleues de Frederik Peeters, la poésie en plus. La trame narrative mêle habilement l’histoire personnelle de Kristen et AJ et l’histoire du surf, notamment par les biographies de Duke Kahanamoku et Tom Blake, légendes de ce sport. Si ce mélange peut sembler étonnant, voire superficiel, au début de l’album, les liens entre l’autobiographie et le surf se resserrent peu à peu jusqu’à devenir une évidence. À ce propos, la citation qui suit, directement tirée de l’album, résume parfaitement le parallèle qu’AJ Dungo tire entre le deuil et l’océan : « Cela vient par vague. C’est une réponse un peu lapidaire, mais juste. Le vide est constant. Mais le chagrin du deuil n’a pas de forme propre. Il va et il vient. Il demeure imprévisible. Il naît d’une tempête au loin, au plus profond de l’océan, à l’abri des regards, en faisant gronder les flots. Il surgit, canalisé, concentré, se forme, se précipite, chargeant toute sa force avant d’atteindre le point de rupture. Il croît jusqu’à ne plus pouvoir tenir sa forme. Il devient instable et s’effondre. Il finit par se répandre en une surface uniforme et calme. Et puis l’eau se retire, avant que la vague ne se reforme à nouveau. (…) Il faut surfer. » Cet album n’est pas seulement une réussite scénaristique. Il est également un succès graphique. Quel talent, quelle souplesse et quelle force malgré la simplicité et la douceur du trait, presque liquide. Les planches s’enchaînent avec une homogénéité et une fluidité qui rappellent l’eau. Cela commence déjà avec la fort jolie couverture et se confirme tout au long de l’album. Quant à la mise en couleur, là encore c’est une réussite, avec le sépia pour l’histoire du surf et le bleu pour la partie autobiographique. « In Waves » est un coup de cœur et sans doute l’un des albums les plus marquants de l’année 2019. Plusieurs heures après sa lecture, j’en suis encore imprégné…

26/08/2019 (modifier)

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Cela fait bien un petit moment que je n'avais pas autant aimé une série composée de gags en une planche. Habituellement, je trouve qu'au mieux les gags font sourire alors qu'ici j'ai rigolé plusieurs fois et même lorsque je ne rigolais pas, cela ne me dérangeais pas parce que j'aime vraiment l'ambiance qui se dégage de l'album. Les auteurs ont créé des personnages attachants et les relations entre eux sont bien exploitées. On retrouve l'humour de Trondheim qui fait mouche et il y a même des moments qui m'ont touché. Je trouve que le scénariste est vraiment à son meilleur lorsque les personnages (surtout la petite fille) font des réflexions. Le dessin est très bon. C'est dans un style à gros nez dynamique et un peu personnel comme je l'aime. Les couleurs sont très bien choisies aussi. Bref, un très bon divertissement en ce qui me concerne et j'espère qu'il y aura d'autres tomes !

23/08/2019 (modifier)

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