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Dis-moi un truc gentil. - Ce tome est un recueil de dix-sept histoires racontées sous la forme de roman-photo. C'est l'œuvre de Clémentine Mélois, qui a repris des romans-photos qu'elle a détournés. La première édition de cet ouvrage date de 2021. La typographie originale Fotonovzela a été réalisée par Thierry Fetiveau. L'autrice avait illustré un ouvrage de vulgarisation sur le roman-photo, écrit par Jan Baetens : le Roman-Photo - La petite Bédéthèque des Savoirs, tome 26 paru en 2018. Les six fonctions du langage, romance : par une belle journée, un jeune homme compte fleurette à une jolie brune en lui demandant si on lui a déjà parlé des fonctions du langage selon le linguiste russo-américain Roman Jakobson. Il entreprend alors de lui énoncer ces six fonctions, puis lui susurre des mots compliqués pour lui montrer l'étendue de son champ lexical, ce qui la met dans tous ses états. Un cœur plein de désespoir, drame : Jean-Louis rend visite à Bien-Aimé en Christ et il lui expose son infortune, que ses jours sont comptés, et qu'il a décidé de faire de son ami, son légataire universel pour un montant de six cent cinquante mille euros. Voilà Dédé, amitié : Dédé, un vieil homme barbu et dégarni arrive chez un couple pour le réveillon de Noël, un autre couple invité étant déjà présent. Il entreprend de leur raconter ce qui est arrivé à sa Citroën qui était en rade la semaine dernière, plus de jus. L'anéantisseur ultime, controverse : le Priol vient trouver son chef à son bureau pour lui dire qu'il faut revenir sur ce qui a été décidé à la réunion de cadrage du 12, car il a un document qui prouve qu'ils se sont trompés sur toute la ligne. Voili voilou, médecine : un médecin s'enquiert auprès de l'infirmière Nadine de la patiente qu'il doit aller visiter ce jour. Elle lui explique que cette femme est en genre mode craquage complet. Il se rend dans la chambre, et un infirmier lui indique que la femme fait une grosse crise de nerf. Il demande à l'infirmier ce qui s'est passé lors de la dernière crise de nerf. La croûte au couteau, création : un couple admire un tableau dans une galerie, monsieur estimant qu'il s'agit d'un moineau géant en train de décéder, madame pensant plus à une sorte de canard. L'artiste s'approche et leur propose de passer à son atelier : ils n'ont rien compris à son œuvre, mais il leur expliquera. le meuble en kit, romance : un couple en maillot de bain, seuls sur la plage et monsieur susurre une litanie poétique amoureuse à l'oreille de sa belle qui lui répond de manière inattendue. El Magnifico, prouesse : à table au restaurant, un beau jeune homme demande à son interlocuteur en tenue de catche mexicain s'il prendre du dessert, car lui n'a pas encore décidé. le pays des bisous, entreprise : un nouvel embauché arrive pour commencer son travail. Il est reçu par celui en charge de l'accueil des nouveaux et qui se présente. Il s'appelle Fifi, le lutin farceur, et il va tout lui expliquer. Ils vont commencer par un petit tour des infrastructures. Etc. Au cas où la couverture ne constitue pas un indice assez clair, la quatrième de couverture en rajoute une couche : des mots, de l'action, de la lascivité, du suspense, tellement réaliste qu'on peut presque toucher les larmes. Avec trois citations pour compléter. Roman Jakobson (1896-1982) : Clémentine Mélois n'a absolument rien compris à mon œuvre. Ludwig Wittgenstein (1889-1951) : un livre inutile qui n'a pas sa place dans nos bibliothèques. Michèle Mélois : moi, j'ai bien aimé. Cet ouvrage est donc placé sous le signe de l'absurde, avec une composante philosophique. le lecteur découvre des histoires courtes de quatre à huit pages, sous la forme de roman-photo. Les tenues vestimentaires évoquent la fin des années 1960, et il constate des retouches de couleurs sur les décors, parfois sur les vêtements, ainsi que des couleurs un peu baveuses et mal reproduites, et parfois des solutions de continuité dans les habits d'un personnage d'une case à l'autre, l'un d'eux en faisant même la remarque. Il s'agit donc d'une réappropriation de romans-photos dont les textes ont été refaits, les séquences peut-être partiellement remontées pour certaines, et racontant une autre histoire que l'originale, un détournement de nature humoristique. L'autrice joue sur le décalage entre ce que racontent les images, oscillant entre relation amoureuse et drame, avec des exceptions comme la présence du catcheur mexicain ou la séquence dans un tribunal, et ce que disent les personnages. le premier sketch évoque les six fonctions du langage correspondant au contexte, à l'émetteur, au récepteur, au canal, au message et au code, et l'autrice joue avec ces six fonctions pour créer ces décalages. L'utilisation de romans-photos datés introduit également un décalage, très perturbant. D'un côté, il est évident que ces photographies correspondent à plusieurs décennies dans le passé : tenues vestimentaires, coiffures. La piètre qualité de la reproduction des couleurs (peut-être même dégradées à dessein) ajoute à l'obsolescence des images. Il n'y a trace nulle part d'un outil informatique ou d'un téléphone portable. Les postures sont posées, mais sans paraître artificielles ou outrées. Il y a une prépondérance de plans taille, plans poitrine et gros plans, permettant de s'économiser sur les décors en arrière-plan. Il y a donc quelques plans non-raccords pour les costumes, et un ou deux pour les décors. L'acteur en costume de catcheur mexicain semble avoir été découpé dans un autre roman-photo et collé par-dessus la silhouette vraisemblablement d'une actrice. C'est une certitude quand il chevauche un fromage de chèvre. de temps à autre, le lecteur éprouve l'impression que l'autrice a peut-être également recolorié quelques fonds pour un arrière-plan plus uniforme. D'un autre côté, le lecteur regarde des photographies, avec de vrais êtres humains, ce qui apporte une sensation irrépressible de réel. Ce sont des personnes qui se trouvent devant lui et il cherche à déchiffrer l'expression de leur visage, à lire dans leur posture, dans la manière dont ils se tiennent face à leur interlocuteur, dans la manière dont ils réagissent. Lui-même réagit par automatisme, sans pouvoir s'en empêcher. Pris entre l'aspect suranné de la narration visuelle et la réalité de ces femmes et de ces hommes qu'il a devant lui, le lecteur les perçoit comme des acteurs interprétant une pièce avec maladresse, tout en y mettant de la conviction : le décalage est déjà présent et produit déjà son effet. Voilà un homme et une femme dans l'intimité, en pleine conversation, certainement romantique, mais aussi pressante du côté du mâle, et pas entièrement convaincu du côté de la femme qui lui demande de l'impressionner. Il se lance alors dans une suite de mots compliqués : hypocoristique, ischio-jambier, irénique, marmoréen, polysyndète, pédiluve, ergastule, adamantin, rhombododécaèdre, zététique, brachydactyle, idéogénie, acheiropoïète. L'autrice fait preuve d'une inventivité. Après avoir cité la théorie de Roman Jakobson, elle fait intervenir Roland Barthes (1915-1980) dans le treizième récit : Pas de gestes brusques, action. Il propose à son interlocuteur de parler du concept dichotomique de Langue/Parole : si la langue est l'instance qui nous constitue comme sujet, la parole n'est-elle pas le relais fatal de tout ordre signifiant ? Là encore, il ne s'agit pas juste de prendre un nom comme référence et de faire semblant, mais bien d'évoquer rapidement ses théories, puisqu'il passe ensuite à la crise du Signe, et mentionne le philosophe germano-américain Rudolf Carnap, l'épistémologue anglais Bertrand Russell, et le philosophe autrico-britannique Ludwig Wittgenstein. Elle n'hésite pas à mettre ses propres récits en abîme avec le dernier, où le personnage principal appelle Iris pour lui demander son aide car il vient de recevoir un coup de fil de l'éditrice qui trouve qu'il n'y a pas assez d'action dans ce livre. L'humour est présent dans chaque récit : il provient du décalage entre acteurs et texte, mais aussi de la logique même du récit, souvent sur la base d'un humour absurde. le premier séducteur échoue dans son entreprise avec sa compagne parce qu'il a le malheur de prononcer le mot Boulgour, un faux pas inexcusable dans la suite de mots compliqués. Dans la seconde histoire, le lecteur constate que l'interlocuteur répond de manière machinale à l'homme qui lui explique qu'il ne lui reste plus longtemps à vivre, que sa femme est décédée d'un accident de travail, et qu'il lui lègue une importante somme d'argent. En fait l'autre n'a rien écouté : zéro empathie. le comique de certaines situations fonctionne sur des personnes qui ne s'écoutent pas, ou qui ne sont pas dans le même registre lexical. D'autres fois, le sujet prend le lecteur par surprise. Il s'attendait à ce que la femme sujette aux crises de nerf ne puisse plus supporter la maltraitance de la langue française. Il n'aurait jamais imaginé qu'un sketch porte sur l'univers partagé Marvel, et deux armes de destruction que sont le gant de l'infini de Thanos, et l'anéantisseur ultime (Ultimate Nullifier) manié par Mister Fantastic. Il n'avait pas prévu que l'autrice puisse réaliser un gag purement visuel, avec El Magnifico chevauchant un Saint Marcelin géant. Il est également pris par surprise, par quelques vrais moments de tendresse, comme cette jeune femme qui demande à son compagnon de lui dire quelque chose de gentil. A priori, un recueil de romans-photos usagés et détournés, même pour des histoires courtes, n'a pas grand-chose pour faire rêver. Le résultat est irrésistible, à la fois par un humour fonctionnant sur le décalage, pour des situations absurdes et intelligentes, pour des thèmes contemporains. Le lecteur ne s'attendait pas à éprouver une forme de tendresse platonique pour ces êtres humains plus intelligents qu'il ne le supposait, attachés à bien faire, à surmonter l'incommunicabilité générée par le langage.

23/06/2024 (modifier)

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Ayroles semble rendre ici hommage au cinéma muet. Le titre bien sûr y fait penser. Mais aussi le personnage principal, impassible, totalement muet, ne souriant jamais, se sortant de toutes les situations presque par miracle : exactement les caractéristiques des personnages incarnés par Buster Keaton – dont le personnage principal est le portrait craché ! Notre héros artiste peintre ambulant, tentant en vain de vendre ses dessins, est ballotté par les événements, mais il est insubmersible, totalement imperméable aux fléaux qui le menacent. Le principal étant un autoproclamé artiste poète, pique-assiettes et parasite vivant au crochet des autres, et bien sûr sur le dos de notre pauvre et naïf peintre (le contraste entre ce tchatcheur bravache et insupportable et notre héros mutique ajoute un côté savoureux, amusant à ce duo dépareillé). Un humour dérisoire parsème les péripéties, de la poésie aussi. C’est en tout cas une lecture que j’ai bien aimée. Note réelle 3,5/5.

23/06/2024 (modifier)

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Un ami imaginaire - Ce tome fait suite au roman Fight Club de Chuck Palahniuk, publié en 1996 qu'il vaut mieux avoir lu avant, ou au moins avoir vu le film de David Fincher Fight Club (1999). Il comprend les 10 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2015/2016, écrits par Chuck Palahniuk, dessinés et encrés par Cameron Stewart, avec une mise en couleurs de Dave Stewart. Les couvertures sont l'œuvre de David Mack. le tome commence par une introduction de 2 pages rédigée par Gerard Howard, le responsable d'édition qui a poussé pour que son employeur publie le roman initial. Il se termine par une fin alternative au roman, en 10 pages de bandes dessinées réalisées par les mêmes auteurs. Dix ans après les événements racontés dans Fight Club (le roman), le Narrateur a pris le nom de Sebastian. Il est marié avec Marla Singer, et ils ont un fils appelé Junior. Sebastian travaille pur une entreprise de conseil nommé Rize or Die, où il occupe un poste de bureau, sans joie et sans motivation. Il est sous traitement médicamenteux afin d'éviter une rechute et la réapparition de Tyler Durden. Marla souffre d'ennui et a recommencé à fréquenter des groupes d'entraide psychologiques, le dernier étant destiné aux malades souffrant de progéria (maladie également connue sous le nom de syndrome de Hutchinson-Gilford, provoquant des changements physiques ressemblant à une sénescence accélérée). La babysitteur de Junior a un comportement un peu apeuré vis-à-vis de Sebastian quand il rentre plus tôt que d'habitude. En fait, Marla Singer n'en peut plus de cette normalité castratrice dans un pavillon de banlieue avec une pelouse bien entretenue et un mari d'une banalité effroyable et ennuyeuse. Elle a donc décidé de neutraliser le traitement médicamenteux de Sebastian. le résultat ne se fait pas attendre : il se montre beaucoup plus fougueux au lit, même s'il ne s'en souvient pas forcément. Tyler Durden est de retour et il a de grands projets. Les succursales du Club vont pouvoir retrouver un objectif : projet Mayhem. Dans un bar, Sebastian se rend compte que le serveur a le visage tuméfié et une référence à la Genèse tatouée sur le cou. Il va en avoir des choses à raconter au docteur Wrong, son psychanalyste, lors de la prochaine séance. 20 ans après la parution du roman original, Chuck Palahniuk répond enfin à l'attente des lecteurs et des adorateurs du Fight Club : Tyler Durden, l'homme (le vrai) qui refuse la médiocrité de la société moderne, est de retour. Les clubs n'ont jamais cessé d'exister, mais sans leur maître idéologique, ils n'ont pu que perpétrer la mécanique des combats, sans que cette forme de préparation ne débouche sur quoi que ce soit. Au vu du titre, le lecteur s'attend à une suite en bonne et due forme au roman (à la rigueur au film de David Fincher). Dès les premières séquences, l'auteur confirme cet état de fait. le lecteur doit être familier du récit original. Il doit se souvenir des personnages secondaires afin de les reconnaître lors de leur retour et pour comprendre le sens de leurs actions. Lorsque plusieurs membres d'un Club se mettent à psalmodier le nom de Robert Paulson, il faut savoir de qui il s'agit pour comprendre le sens de ce passage. de la même manière, il faut pouvoir se rappeler que la fréquentation de groupes d'entraide avait permis à Sebastian et Marla de se rencontrer initialement. Rasséréné, le lecteur s'installe confortablement et se prête au jeu d'identifier les références à l'œuvre originale et s'en remet à l'auteur pour le secouer dans son fauteuil, le faire sortir de sa zone de confort et le contraindre à regarder la vérité en face. Les thèmes présents dans l'original resurgissent : l'absence de sens de la vie moderne, la sensation d'émasculation de l'homme végétant dans une vie banale sans pouvoir s'accomplir, l'asservissement de l'individu à sa sécurité matérielle, le recours aux médicaments pour supporter un quotidien médiocre et navrant, la pulsion de d'agir sur son environnement pour le maîtriser et le modeler. Tous les doutes sont balayés d'un revers de main : cette suite est légitime dans tous les sens du terme. Pour donner une suite à son roman le plus populaire, l'auteur a choisi une forme tout aussi populaire, celle de la bande dessinée. Les couvertures prennent la forme de peintures magnifiques et ironiques, réalisées par David Mack, l'auteur de la série Kabuki. Cameron Stewart est un dessinateur ayant travaillé à plusieurs reprises avec Grant Morrison, scénariste exigeant et ambitieux, ayant également réalisé le scénario d'une des incarnations de la série Batgirl. En découvrant les premières pages, le lecteur observe des dessins réalisés dans une approche réaliste et descriptive, avec un degré de simplification qui les éloignent du photoréalisme, et qui leur donne une apparence moqueuse, voire ironique, dans certaines séquences. Il retrouve à plusieurs reprises des échos visuels du film de David Fincher, Stewart s'en inspirant pour créer des liens avec le premier Fight Club. Il retrouve ainsi l'ambiance un peu glauque de la salle où se tiennent les réunions du groupe d'entraide (renforcée par la mise en couleurs intelligente et sensible de Dave Stewart), la maison délabrée que Tyler Durden avait choisie comme quartier général (après la destruction de l'appartement du Narrateur), la vivacité et le tonus des rapports sexuels entre Marla et Tyler, et quelques autres éléments. Dès la page 10, le lecteur observe que l'artiste surimpose des éléments dessinés par-dessus les cases proprement dites. C'est ainsi qu'apparaissent des gélules qui viennent masquer des visages ou des parties de phylactères, puis des pétales de fleurs, puis des comprimés qui semblent comme apposés sur les visages pour les masquer intentionnellement. Cameron Stewart dessine ces éléments de manière plus réalistes que ceux dans les cases, en y ajoutant un ombrage, comme s'ils étaient vraiment posés par-dessus la planche dessinée. Il constate également que l'artiste ne recherche pas une ressemblance avec les acteurs du film. Il n'est pas possible de reconnaître Brad Pitt et le visage de Sebastian n'évoque que vaguement celui d'Edward Norton. De séquence en séquence, le lecteur se rend compte que l'approche de Cameron Stewart permet de mettre sur le même plan graphique des éléments qui sinon seraient apparus comme disparates parce qu'appartenant à des environnements trop éloignés (par exemple la pelouse bien tondue et la guérilla urbaine à Mogadiscio en Somalie). Il constate également que l'artiste ne se contente pas d'illustrer le scénario, mais qu'il utilise des techniques spécifiques à ce média. Par exemple, en page 20, le lecteur peut voir la tête de Sebastian ayant explosé (avec un oeil voletant à travers la page) et expulsant les biens matériels qui constituaient sa prison. Il y a également le recours à ces éléments comme apposés sur la page. Il y a aussi possibilité de disposer côte à côte une case au temps présent et une case dans le passé. Dans le chapitre 4, il représente les déplacements d'un personnage par des pointillés sur un fond de plan. La page finale de ce même chapitre montre le sceau du Comics Code Authority (un organise d'autocensure des comics) maculé de sang, image à destination de lecteurs de comics. Le choix de Cameron Stewart se révèle de plus en plus pertinent au fur et à mesure que l'intrigue avance. En effet, son approche graphique lui permet de représenter au premier degré les éléments de plus en plus déconcertants du récit, virant parfois à la parodie. Il faut dire que Chuck Palahniuk ne fait pas dans la demi-mesure : un dessin en pleine page montrant en contre plongée une dizaine d'individus atteints de progéria descendant en parachute sur un château (dont un dans son fauteuil roulant), des spermatozoïdes serpentant sur la page par-dessus les cases, des individus avec de franches expressions d'exaspération sur le visage, et bien d'autres surprises visuelles. le lecteur peut alors trouver que la narration visuelle vire trop vers la farce, malgré une mise en couleurs qui reste discrète et sobre. - - ATTENTION - La suite du commentaire comprend des divulgâcheurs. - - Mais la dérive narrative s'est produite bien avant. Dès la page 89, Chuck Palahniuk fait une apparition dans le récit, participant à un Club (d'écrivains) dont l'une d'entre eux lui fait observer que cela devient trop méta (pour métacommentaire). Il reviendra par la suite se mêler du récit et donner des conseils sur le scénario, voire avouer son incapacité à maîtriser sa direction. Comme le lecteur pouvait s'y attendre, l'auteur réalise bien une suite, mais refuse de radoter. Il y a donc l'apparition d'autres thèmes qui viennent s'ajouter à ceux présents dans l'œuvre originelle : la psychanalyse, l'importance de la Bible, l'effet Werther (nom donné au suicides mimétiques, en référence à Les souffrances du jeune Werther (1774) de Johann Wolfgang von Goethe), le devenir des personnages de fiction. Chuck Palahniuk ne ressasse pas les thèmes qui ont fait le succès du roman et du film, il poursuit sa réflexion en s'appuyant sur la célébrité de ses personnages. Au cours d'une séquence, un protagoniste déclare que les personnages peuvent survivre aux lecteurs. L'auteur indique par cette formule que ses personnages lui ont échappé dès qu'ils ont commencé à exister par le prisme déformant des lecteurs et des spectateurs, qu'ils ont connu autant de représentations et d'interprétations qu'il y a de lecteurs. Il indique également qu'il est légitime à en reprendre possession pour leur donner un avenir. Il commence sur la célébrité de Tyler Durden et du Fight Club (état paradoxal puisque sa première règle est qu'on n'en parle pas) et poursuit sa réflexion sur l'inanité d'être un suiveur, fusse de Tyler Durden. Il tourne en dérision sa propre création, en montrant l'existence d'un Club de courtepointe (sans parler du Club d'écrivains dont il fait partie, dans le cadre de la présente fiction). Palahniuk ne se moque pas de ses personnages, ni du lecteur, il rappelle qu'il s'agit de fictions et que leur célébrité constitue un contresens de l'objectif de leur création. Il appelle à nouveau à penser par soi-même, à ne suivre personne et pas lui plus qu'un autre. Chuck Palahniuk ne se contente pas de se regarder le nombril en parlant de la célébrité de ses créations. Il continue la réflexion sur la propension pour l'être humain à prendre des fictions pour la réalité, en prenant l'exemple de l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Il flanque de grands coups de pied dans le mythe du sauveur avec ces individus déformés par la progéria. Il fait preuve d'humilité avec les paroles finales de Sebastian indiquant que tous ses efforts de manipulation de son lectorat sont partis dans des directions qu'il n'avait pas prévues. Il fait son deuil de l'autorité paternelle. Il évoque l'influence pervasive de la Bible dans la vie des individus. Il chante les louanges des associations d'aide aux enfants gravement malades, avec l'association Baguette Magique. Il donne son opinion sur l'aide psychanalytique. En fin de tome, le lecteur se retrouve en butte au fait que Chuck Palahniuk lui a donné exactement ce qu'il attendait, et que pourtant le résultat constitue quelque chose de bien différent qui défie les attentes. Il a apprécié la simplicité narrative des dessins de Cameron Stewart, tout ayant conscience que les images ont permis de faire passer des associations d'idées mieux que le langage écrit ne l'aurait permis. Il a l'impression que cette histoire se termine en grosse farce, et que la leçon à en tirer n'est pas celle qu'il aurait souhaitée. Comme l'indique la phrase sur la couverture peinte de David Mack : il y a des amis imaginaires qui ne s'en vont jamais. Après lecture, ce constat s'applique bien sûr à Tyler Durden, mais aussi à Robert Paulson, un ami imaginaire dont l'auteur lui-même n'a pas pu se défaire, du fait de la pression de son lectorat, ou plutôt de la popularité acquise par le personnage. Cette suite de Fight Club ne fait pas que dépasser les attentes, elle dépasse les espérances en reprenant le récit et les thématiques là où l'auteur s'en était arrêté il y a 20 ans et en les ouvrant sur d'autres réflexions, tout aussi brutales (à commencer par le mélange entre réalité et fiction de l'auteur, mais aussi du lecteur).

22/06/2024 (modifier)

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Les albums traitant de diverses maladies/handicaps sont nombreux. Mais j’ai trouvé celui-ci à la fois sincère et bien fichu. Ne jouant jamais sur le pathos ou des effets maladroits, tout en prenant le plus souvent le lecteur à témoin. J’ai bien aimé les différents styles graphiques utilisés, et en particulier les dessins « gribouillis » réalisés à chaud par l’auteure et placé dans l’album comme des témoignages, des « bouts de pensées » qui aèrent et noircissent le récit. Même si on sait dès le départ que cela se « finit » bien, puisque c’est l’auteure qui sert de narrateur en interpellent parents, amis, famille à propos du rôle qu’ils ont joué pour la soutenir durant les longues années où elle a subi des crises d’épilepsie et combattu une tumeur au cerveau, on est souvent inquiet à son propos. Elle déclenche l’empathie. Le récit montre douleurs et désarrois, mais on s’attache à Elodie Durand, qui se met à nu devant nous sans jamais tomber dans l’exhibitionnisme. Une lecture très recommandable.

22/06/2024 (modifier)

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C’est vraiment un très beau western. Dans tous les sens du terme d’ailleurs. A commencer par le dessin, franchement bon, que ce soit pour les personnages ou les décors (et le grand format lui sied très bien). Et j’ai aussi beaucoup apprécié la colorisation, très très lumineuse, rendant très bien l’omniprésence du soleil dans les régions arides où se déroule cette histoire. Rossi prend vraiment le temps de planter le décor (personnages et arrière-plans), avec un one-shot aussi imposant qu’un triptyque. Les passages contemplatifs alternent avec d’autres plus dynamiques, action et dérives s’enchainent, dans une histoire traversée par Geronimo, mais qui n’est pas centrée sur lui. C’est autant une déclaration d’amour de Rossi aux Amérindiens que le chant du cygne des Apaches qui nous sont ici donnés à voir. Un personnage fictif, Woan, sert de fil rouge, et plus généralement, Rossi a pris le temps de brosser de beaux portraits de plusieurs personnages secondaires. Mon seul bémol concerne le final, car les 6 dernières pages, en plus de la coupure temporelle qui les séparent de ce qui a précédé, adoptent un ton légèrement différent. Mais ça reste un western réussi et une lecture très prenante et agréable.

22/06/2024 (modifier)

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Je ne suis pourtant pas fan d’histoires de vampires, mais j’ai adoré cet album, qui comme le soulignent déjà les autres posteurs propose une intrigue riche ancrée dans l’Histoire coloniale indienne, mais aussi dans son folklore et ses légendes. Le ballet diplomatique des vampires se juxtapose à celui des différentes factions combattant pour le contrôle de l’Inde et de ses ressources. L’histoire est prenante et bien narrée, et les personnages sont très humains, ambiguës, et attachants. Bref, j’ai tout aimé dans le scenario de Ram V. Et puis bon sang, le dessin de Sumit Kumar et les couleurs de Vittorio Astone sont sublimes. Les planches sont magnifiques, mais semblent à l’étroit dans le format comics, et mériteraient une édition de luxe. Une histoire riche et intéressante, superbement mise en image… Je n’arrive pas à justifier une note autre que 5/5.

22/06/2024 (modifier)

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C'est en lisant cette BD que j'ai repensé à Les Petites Victoires et que je ne peux que constater l'écart énorme entre les deux BD. "Oui, mais l'une parle d'un parent d'enfant autiste, et l'autre d'une autiste. Évidemment que c'est pas pareil !" pourrait-on me répliquer, et j'ai envie de répondre que l'une parle de comprendre et l'autre d'imposer. Je voulais faire cette parenthèse en ouverture, parce que c'est ce qui m'a frappé d'entrée de jeu quant à la façon dont la BD se construit. C'est une plongée dans l'enfer que vivent ces personnes non diagnostiquées et qui doivent essayer de vivre avec toute la difficulté que cela représente. Et c'est très bien mené : le dessin retranscrit les difficultés sensorielles, le malaise social, la bulle de confort que représente la maison, etc ... A travers la BD, c'est une plongée dans sa vie, ses émotions, ses sensations. Lorsque le diagnostic arrive, il est assez évident pour un lecteur moyen qui a noté que quelque chose ne tournait pas rond. Mais c'est ça qui est brillant, montrer que lorsqu'on vit cette différence, elle est juste normale. Quotidienne, banale. Ordinaire. Et là se trouve le bon choix que les autrices ont fait dans la BD : choisir de représenter cette normalité qui est la sienne, ne pas juger, ne pas imposer de fatalité. L'autisme n'est pas une maladie, comme elle le rappellera aux gens avec qui elle parle, ce n'est pas une souffrance ni une malédiction. C'est une façon d'être, différent, tout simplement. A ce niveau, la fin montre clairement que parfois, après diagnostique, il faut aussi savoir trier dans ses fréquentations pour son propre bien. Je ne pense pas que la BD soit une merveille, mais elle fait du bien lorsqu'on compare à ce qui peut se dire sur l'autisme et le neuroatypique de manière globale. Les petites phrases à la fin sonnent trop réaliste pour que ce ne soit pas ce qu'elle a entendu dans la vraie vie. La BD se veut un éclairage, une compréhension sur ces gens normaux, mais différemment. A lire pour comprendre et informer !

22/06/2024 (modifier)

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Thriller prenant avec quelques maladresses - Ce tome comprend les épisodes 871 à 881 de la série mensuelle, parus en 2011. Ils forment un récit complet, relativement indépendant de la continuité, et complètement indépendant du tome précédent. Bruce Wayne se porte bien et il a même choisi de transformer Batman en une franchise pour gagner en efficacité (dans Batman incorporated). Il a laissé Gotham sous la responsabilité de Dick Grayson (le premier Robin, ex-Nightwing) qui porte également le costume de Batman. Dans des vestiaires, un adolescent se fait bousculer par un balèze. Il réagit violemment et se transforme en une créature reptilienne évoquant Killer Croc. L'enquête de Batman met à jour des enchères d'un type très particulier au cours desquelles un extrait du sérum de Killer Croc a été vendu. Dans le même temps, les habitants de Gotham s'étonnent de voir passer des oiseaux exotiques dans le ciel, jusqu'à 2 vautours se perchant sur le rebord d'une fenêtre de l'immeuble occupé par Dick Grayson et Alfred Pennyworth. Un petit malin a libéré les oiseaux de la volière du zoo. L'analyse des caméras de surveillance laisse supposer que cet acte de malveillance pourrait être le fait de James Gordon junior, le fils de James Gordon (le commissaire de police principal de Gotham) et de Barbara Eileen Gordon. Ceci préoccupe énormément son père et Barbara Gordon, sa cousine (Oracle, ex-Batgirl). La première partie consacrée à ces ventes aux enchères permet d'établir la relation entre Batman et James Gordon. Par le biais de l'imagination de Snyder, ce Batman est un homme d'action intelligent disposant de quelques gadgets aussi utiles que providentiels. le lecteur découvre également que Dick Grayson entretient une relation spécifique avec Gotham et ses réflexions intérieures montrent en quoi il n'est pas Bruce Wayne. Cette partie est illustrée par Jock (il s'est fait connaître avec The Losers). Il utilise un style anguleux à fort encrage. Cela confère une certaine noirceur au récit et une forme de sériosité bien adaptée. Mais il apparaît que Jock a diminué la densité d'informations qu'il insère dans ses cases, à commencer par les décors. Snyder et Jock aiment bien les pleines pages et les scènes d'action spectaculaires. Cependant, elles ne sont pas toutes convaincantes, avec des illustrations qui mettent plus en évidence l'impossibilité de ce qui est décrit qu'un véritable exploit. La partie suivante introduit James Gordon junior en bonne et due forme. Et le récit accorde une grande place à son père et sa cousine, parfois même plus qu'à Batman. Jock cède la place à Francesco Francavilla (déjà vu dans Zorro ou Black Panther, the man without fear), avant de revenir. Ils alternent ainsi suivant les épisodes, puis suivant les séquences pour les 2 derniers épisodes. le récit glisse franchement vers le thriller psychologique, entrecoupé de passages plus superhéros impliquant Batman avec une apparition de Red Robin (Tim Drake). En lisant ces deux derniers tiers du tome, il est difficile de ne pas penser à Batman Year One de Frank Miller et David Mazzucchelli. Pour commencer, James Gordon junior constitue une présence déterminante dans Year one, comme ici, et Snyder fait référence à l'enlèvement du nourrisson et sa possible conséquence sur son développement psychique et physiologique. En tant que fan, il est difficile de résister à de tels sous-entendus ; en tant que profane, il vaut mieux lire Year one avant. Il est visible également que Snyder établit un contrepoint (assez lâche) entre les pages consacrées à Gordon, et celles consacrées à Batman (comme Miller dans Year one). En outre le style de Francavilla se situe à mi-chemin entre celui de Mazzucchelli et celui de Matt Wagner dans Batman and the monster men. La filiation avec Year one s'étend à toutes les pages aussi bien pour la forme du scénario, que les évocations événements, ou le style graphique. le thriller est vraiment prenant, mais il relègue Batman au second plan (et ses péripéties restent capilotractées). Scott Snyder aidé par ses deux illustrateurs raconte un thriller angoissant impliquant directement James Gordon et Barbara Gordon, et plus ou moins directement (en fonction des séquences) Batman. Il a l'art et la manière d'incorporer et de développer intelligemment et avec pertinence des références aux récits essentiel à la mythologie de Batman (vous pouvez aussi réviser The killing joke et Un deuil dans la famille). Mais il a une fâcheuse propension à privilégier le spectaculaire sur la solidité du récit, ce qui créée 2 ou 3 passages un peu gauches. Enfin, même en acceptant que le criminel sadique a le cerveau très dérangé, sa logorrhée finale pour tout expliquer et justifier apparaît comme un artifice maladroit pour tout exposer. Dans le cadre de la relance totale de leur ligne en septembre 2011 (opération baptisée New 52), DC Comics a confié la série Batman à Scott Snyder ; le début est réédité dans La cours des hiboux (épisodes 1 à 6) avec des dessins de Greg Capullo.

22/06/2024 (modifier)

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Traumatisme - Il s'agit d'une histoire complète et indépendante de toute autre. Elle est initialement parue en 2016, sans prépublication. le scénariste en est Paul Dini. Eduard Risso a réalisé les dessins, l'encrage et la mise en couleurs. le lettrage a été confié à Todd Klein. Paul Dini est connu pour avoir été, entre autres, le producteur et le scénariste de la série Batman, la série animée. Eduardo Risso est connu pour avoir été le dessinateur de la série 100 bullets (écrite par Brian Azzarello). L'histoire s'ouvre avec un dessin pleine page montrant la tête de Paul Dini couverte de bandage, alors qu'il est allongé sur un lit d'hôpital, une perfusion dans le bras. Dans la page suivante, il se tient debout devant un grand tableau, avec un petit morceau de papier dans une main, indiquant qu'il va expliquer comment il a été agressé il y a quelques années, et quel rapport cet acte entretient avec Batman. Pour cette présentation (filmée par une petite caméra vidéo), il dispose des petits carrés de papiers avec un dessin esquissé dessus, sur le tableau, en les alignant rangée par rangée. Paul Dini commence par évoquer son enfance de garçon un peu en retrait, ni premier de la classe, ni remarquable, sa découverte des oeuvres de fiction, de Lewis Carroll à Edgar Rice Burroughs, jusqu'à son premier comics de Batman et la série télévisée Batman la série TV avec Adam West et Burt Ward. Quelques années plus tard, Paul Dini a commencé sa carrière dans l'animation sous la houlette d'Alan Burnett. Il exerce le métier de ses rêves. Il voit Vivian une starlette de temps à autre, et sa psychothérapeute régulièrement. Voilà un récit bien étrange ! La couverture semble promettre une histoire de Batman assez noire, avec la présence du Joker, et la victime d'une agression, c'est-à-dire la promesse d'une aventure avec une réflexion sur de statut de victime, ou sur la violence de rue, la brutalité arbitraire d'une banale agression. La quatrième de couverture évoque un fait réel, une agression de rue, banale et horrible. La page d'ouverture installe immédiatement un malaise quant à la gravité des blessures subies lors de cette agression. La page suivante installe un mode narratif assez particulier, puisque Paul Dini raconte lui-même sa propre histoire, comme s'il s'adressait à une assistance invisible, ce qui est à la fois une métaphore de la lecture, mais aussi une évidence qu'il s'adresse au lecteur, à tous les lecteurs invisibles pour lui lorsqu'il écrit ce récit. De fait, le lecteur est invité à découvrir la vie personnelle de Paul Dini, l'agression en elle-même n'intervenant que vers le tiers du récit, alors qu'elle a été clairement annoncée par la première page, et par l'argument en quatrième de couverture. Il découvre un jeune garçon devant faire avec le fait qu'il ne serait jamais un premier de la classe ou un beau gosse dans les yeux des filles. Il découvre également un récit très autocentré, sans beaucoup de prise de recul sur soi-même, avec un soupçon d'auto apitoiement. Paul Dini n'est pas un individu à proprement parler désagréable, juste un être humain imparfait, pas très doué pour la vie en société, mais qui accapare le premier rôle dans son propre récit, se mettant en scène comme centre d'intérêt, ce qui semble d'autant plus futile qu'il dispose déjà d'une forme de célébrité et d'une véritable reconnaissance du public pour le dessin animé Batman. Il semble quémander encore plus d'attention, en montrant les aspects ratés de sa vie. Si le lecteur a déjà lu la série 100 Bullets, il associe à jamais les dessins d'Eduardo Risso à ce récit tentaculaire très noir, c'est-à-dire un polar urbain, violent et brutal. Ici les dessins sont agréables, mais ils ne jouent pas vraiment sur les forces de l'artiste. le scénario contient de nombreuses scènes de dialogue, dans lesquelles Risso alterne régulièrement champ et contrechamp, sans concevoir de mise en scène plus élaborée. Il représente des individus ordinaires, aisément reconnaissables, aux morphologies diverses et réalistes. Les environnements sont plus ou moins détaillés en fonction de ce que leur description peut apporter à la séquence. Il a abandonné ses aplats de noir massifs et élégants, au profit d'une mise en couleur parfois pastel, parfois très claire, avec quelques lavis discrets par endroit. Enfin, il faut attendre la page 65 pour avoir droit à une véritable séquence de Batman, et elle ne dure que 4 pages (mais elle est graphiquement magnifique). Pendant cette première moitié de récit, Paul Dini se sert des personnages de fiction (essentiellement Batman et ses ennemis) comme d'une métaphore directe de ses états d'esprit. Par exemple, Batman est un homme dur et analytique qui vient se moquer des faiblesses de Paul Dini, Joker est un individu qui se sert de son empathie pour appuyer là où ça fait mal, pour montrer à quel point Dini se berce d'illusions. Cet emploi des personnages est amusant, mais finalement très basique et il n'ajoute pas grand à chose à la narration, si ce n'est d'insister sur une forme d'infantilisme de la part de Paul Dini en tant que créateur. Le lecteur est donc pris par surprise par la séquence dont il connaît déjà l'existence : l'agression de Paul Dini. Si elle est bien mise en avant comme étant le point central du récit, en fait le lecteur n'a aucune idée de la manière dont elle se produit, juste une idée des conséquences. Pour ces pages éprouvantes, Eduardo Risso passe en mode 100 Bullets. Cela ne veut pas dire qu'il exagère la violence pour la rendre attractive. Cela veut dire qu'il abandonne les couleurs plus sophistiquées, pour revenir à des aplats unis, et qu'il utilise des aplats de noir massifs. Bizarrement, l'effet qui en découle n'est pas de transformer cette séquence en spectacle, mais plutôt de montrer la brutalité des coups, et de laisser les détails à l'imagination du lecteur. Ce parti pris s'avère diablement efficace, terrifiant. Étrangement passée cette séquence, le lecteur acquiert un regard très différent sur Paul Dini. Il ne voit plus dans le personnage mis en scène, un avatar d'un scénariste un peu narcissique, il voit la victime d'une agression de rue. Dini et Risso montrent à quel point cette agression physique est arbitraire, à quel point le personnage en est affecté. Cet acte ayant eu lieu dans les années 1990, le lecteur n'a pas de doute sur le fait que Paul Dini va mieux depuis, mais le récit est au présent. Or les réactions dudit personnage n'ont pas grand-chose de prévisible. En outre, finalement, le scénariste a bien fait son travail puisque le lecteur a fini par s'attacher au personnage, comme à une connaissance avec il a assez papoté pour apprendre à découvrir son caractère, ses envies, ses difficultés, ses névroses. du coup, les séquences suivantes montrent un individu très réel qui doit gérer la situation. Paul Dini poursuit sa narration du même ton que le début du récit, avec une approche très terre à terre. Que se passe-t-il juste après avoir été roué de coups ? Eh bien non, la police n'arrive pas comme par magie. Il n'y a pas d'âme charitable qui surgit inopinément pour l'aider à se relever ou pour appeler une ambulance. Vivian (avec qui il venait de dîner dans un restaurant) ne revient pas sur ses pas comme par magie. Si le lecteur a une vague notion du système de soins aux États-Unis, il sait également que ça peut être compliqué. Paul Dini (en tant que scénariste) n'enjolive pas la suite, ne se donne pas le beau rôle, ne part pas dans une quête vengeresse pour apprendre à vivre aux coupables. le lecteur s'aperçoit également que le rôle des personnages de fiction (toujours Batman et ses ennemis) a changé. Bien sûr cette agression a changé le rapport que Paul Dini entretient avec ses amis imaginaires, et cela se ressent dans la nouvelle fonction qu'ils remplissent. Eduardo Risso reprend son mode de dessin précédent, avec des lavis ténus, des dessins à la densité variable en fonction de la séquence, et des personnages rendus avec une approche aménagée également. Paul Dini apparaît comme un être humain normal, toujours pourvu d'un embonpoint et d'une silhouette qui atteste d'une aversion marquée pour la pratique du sport. À l'opposé sa psychothérapeute dispose d'une silhouette parfaite, avec un chemisier échancré, une jupe courte et des escarpins à haut talon. Les autres protagonistes si situent visuellement plutôt vers l'aspect ordinaire de Dini. L'artiste continue à penser ses prises de vue de manière à éviter un effet d'accumulation de têtes en train de parler sur fond vide, car le script repose essentiellement sur des dialogues, avec peu d'action (mais des changements de scène). Risso s'acquitte donc de sa mission de montrer où se déroule chaque séquence, ce que font les personnages, à quoi ils ressemblent, portant ainsi tout le poids de la description pour soulager les dialogues de cette partie. Dans la mesure où cette histoire correspond à une comédie dramatique, il s'astreint à se montrer naturaliste, ce qui diminue l'intensité dramatique de ses pages par rapport à son travail sur 100 Bullets. La deuxième partie du récit est tout aussi autocentrée sur l'avatar de Paul Dini, pourtant elle ne produit pas du tout le même effet que la première. le scénariste ne raconte pas sa propre histoire comme s'il avait soudain eu une révélation suite à son agression. Il montre ses réactions, ses différents états d'esprit, ses relations avec ses porches. Le lecteur prend conscience que la première partie assez narcissique était indispensable pour que l'avatar de Paul Dini existe en tant que personne dans cette deuxième partie. Il assiste aux conséquences sur un individu pleinement développé, avec son caractère et son histoire personnelle. Cela évite au récit d'être une enfilade de généralités. En même temps, il éprouve une réelle empathie vis-à-vis de Paul Dini, car les sentiments qu'il évoque parlent à tout être humain. En outre, ce récit ne se limite pas à un fait divers horrible mais banal. Au travers de l'ensemble du récit, le lecteur voit émerger les valeurs morales de Paul Dini, une partie de ses mécanismes psychologiques (sa motivation, sa façon de supporter le milieu environnant, sa façon de faire son deuil de certaines illusions, la manière dont il accepte le traumatisme qu'il a subi). Même si les quelques séquences chez la psychothérapeute évoquent une partie de ces mécanismes, l'auteur se tient à l'écart du vocabulaire propre à la psychanalyse, préférant montrer plutôt que d'expliquer, ce qui rend la projection du lecteur d'autant plus facile et émotionnelle. La lecture de ce récit débute sur un double malentendu : celui de la promesse de la couverture sur le rôle de Batman, et celui relatif à l'objet du récit. En outre, un lecteur de 100 Bullets peut avoir un certain a priori sur la tonalité de la narration visuelle. Sous réserve de réussir à dépasser ces attentes et de lire le récit pour ce qu'il est, le lecteur se retrouve à côtoyer un individu aussi normal qu'unique, exerçant un métier qui fait rêver. Au travers de l'épreuve qu'il traverse, l'auteur évoque la condition humaine de manière très concrète, avec des émotions et des choix vécus par tout être humain, à un degré ou un autre.

22/06/2024 (modifier)

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J'ai été complètement absorbé par l'univers de Watchmen. L'histoire est riche et complexe, mêlant habilement enquête policière et science-fiction. Les personnages sont profonds et fascinants, chacun avec son propre passé et ses motivations. Le travail graphique est incroyable. Les dessins sont détaillés et servent parfaitement le récit. Même si les couleurs peuvent sembler datées, elles contribuent à l'ambiance unique de la bande dessinée. La structure narrative est ingénieuse. Les flashbacks et les différentes intrigues s'entremêlent pour créer une expérience de lecture dynamique et immersive. Ce qui m'a le plus marqué, c'est la manière dont Watchmen pousse à réfléchir sur des thèmes comme la justice, le pouvoir et la condition humaine. C'est une œuvre qui invite à la réflexion et qui reste pertinente bien après sa lecture. En résumé, Watchmen est une oeuvre magistrale qui a su me captiver de la première à la dernière page et je la recommande vivement à tous les amateurs de bandes dessinées.

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