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HellSpawn
Pour une expérience de lecture différente et expérimentale - Ce commentaire porte sur l'intégralité de la série Hellspawn, soit les épisodes 1 à 16, parus d'août 2000 à avril 2003. Quelque part dans la ville de New York, Fastbender et Hertz (2 clochards) parlent de Gengis Khan, de la manière dont il a unifié les tribus mongoles, de ses conquêtes à travers la Chine et du prix qu'il a dû payer. Ailleurs Corrie (une jeune femme) écrit de la poésie et se suicide. Dans un cinéma, un homme seul dans la salle contemple un film pornographique. Le Clown (un agent des Enfers) vient s'installer derrière lui et lui donnent des clefs de compréhension sur la vie des actrices qui s'ébattent à l'écran, et sur celle d'un acteur. Spawn arrive trop tard pour sauver cet homme d'une mort atroce, mais assez vite pour se lancer dans un combat physique contre le Clown. Sur internet dans les forums, les rumeurs les plus folles circulent concernant Spawn et sa nature véritable. Au fil des épisodes, Spawn va croiser la route du révérend Gary Danes qui attise les flammes de la haine raciale par ses interventions hypocrites, d'une petite frappe qui a assassiné sa copine, puis de Cy-Gor (un ex-militaire qui a subi des expérimentations qui l'ont transformé en monstre). Dans le dernier tiers du volume, Hellspawn accède au trône des enfers. Cette courte série a frappé l'imagination des lecteurs pour son coté expérimental. Ashley Wood illustre les épisodes 1 à 10 et c'est effectivement une expérience visuelle qui sort de l'ordinaire. Il est plus intéressé par les illustrations que la narration séquentielle. Dès la première page, le lecteur comprend qu'il va lui falloir preuve d'ouverture d'esprit et d'une attention soutenue pour déchiffrer les images. Il s'agit d'une tête représentée de face d'un être cornu. Plusieurs images semblent s'interpénétrer, sans se chevaucher, en étant recouvertes d'une sorte de voile grisâtre qui floute les détails, le tout dessiné sur une feuille avec des motifs de fonds indiscernables. La deuxième page est une composition pleine page d'une sorte de mur avec quelques traits rapidement effectués figurant des briques (à moins que ce ne soient des cartons se chevauchant), sur laquelle se trouvent 4 petites cases avec des formes en ombres chinoises dont le texte permet de s'assurer qu'il s'agit de 2 clochards discutant autour d'un brasero de fortune. Le lecteur est donc invité à plonger dans un monde aux contours flous et mal définis, qui baigne dans une lumière étrange et cafardeuse. Il faut également qu'il investisse le temps nécessaire pour aller chercher les informations visuelles supplémentaires qui lui permettront de comprendre certaines cases, de plonger au-delà des étonnantes ambiances émanant de chaque planche. Ashley Wood foule au pied tous les codes narratifs les plus basiques de la bande dessinée pour mieux déstabiliser le lecteur et le plonger dans un univers différent, dangereux, mystérieux, bizarre. Sous réserve que le lecteur accepte ce parti pris graphique pas toujours facile d'accès, il voyage dans un monde angoissant où les apparences sont fantasmées, déformées, pour mieux révéler la noirceur des individus. Les épisodes 10 à 16 sont illustrés par Ben Templesmith (le co-créateur de avec Steve Niles). Il reprend à l'identique le principe de base d'Ashley Wood : déformer la réalité, laisser de la place à l'imagination du lecteur, flouter les contours, noyers les illustrations dans une lumière changeante, ne pas respecter les formes basiques (qu'l s'agisse de l'anatomie humaine ou des objets), insérer de ci de là des textures en fonds de case ou de page. Templesmith est un peu plus sensible à l'art séquentiel et son utilisation de l'infographie pour insérer des morceaux de photographies retouchées est plus discernable que celle de Wood. Le résultat est tout autant dérangeant et décalé. Il s'amuse de ci de là à insérer une petite référence poil à gratter, comme la réaction d'Adolph Hitler lorsque Spawn prend la tête des Enfers. Il ajoute parfois une inscription dans l'image pour clarifier ce qu'il a représenté, par exemple la mention Hellspawn avec une flèche vers une petite tâche rouge. Les scénarios ont été écrits par Brian Michael Bendis pour les épisodes 1 à 6 ; Steve Niles prend la relève au cours de l'épisode 6 et les écrit jusqu'à la fin, c'est-à-dire l'épisode 16. Le début de l'histoire est aussi expérimental que les illustrations. Le lecteur retrouve les dialogues chers à Bendis, jusqu'à certaines pages constituées de cases photocopiées pour simuler les interlocuteurs intervenant sans changer d'[removed]un raccourci graphique assez vite irritant). Parmi les essais effectués par Bendis, il y a la volonté de donner une autre dimension à Spawn (pas simplement en le rebaptisant Hellspawn), en particulier en le rattachant à la figure historique de Gengis Kahn. Mais cette idée est abandonnée en cours de route, et Niles ne la reprend pas. Bendis adopte une approche narrative dans laquelle Spawn devient une légende urbaine, un être qui est avant tout perçu par les autres. Il y a les 2 clochards qui en discutent comme d'un mythe, les usagers du forum en ligne, les victimes de forces surnaturelles, etc. Là encore ces éléments sont abandonnés en cours, sans être repris par Niles. Et puis, il y a Bendis qui essaye différents registres dans l'horreur. Il est tout de suite beaucoup plus convaincant. Par exemple, le discours du Clown en train de déciller le spectateur dans le cinéma se déploie phrase par phrase pour transformer le plaisir coupable de la pornographie en complicité écoeurante favorisant la misère humaine, avec une montée virtuose. Le thème de l'intolérance est également mis en scène de manière magistrale avec le révérend Gary Danes. Par contre Bendis insiste lourdement pour développer le thème de l'existence de l'Enfer et du Paradis et il ne fait pas mieux que McFarlane dans la série Spawn, en restant à un niveau purement surnaturel, et en tenant soigneusement éloignée toute considération religieuse. Steve Niles reprend une partie des éléments mis en place par Bendis, mais revient à une narration plus classique avec une intrigue linéaire. Toutefois Steve Niles utilise à plein le fait qu'il ne s'agisse pas de la série principale pour installer Spawn sur le trône des Enfers. Le lecteur reprend pied et Niles l'emmène dans des situations également dérangeantes. Il n'y a toujours aucune approche religieuse, mais il joue sur les différents types de damnation et les responsabilités que Spawn doit assumer. Au fur et à mesure des épisodes, la narration de Steve Niles prend un peu d'ampleur puisqu'il doit parfois expliquer en quelques mots ce qui n'est pas lisible dans l'image. Ce tome est à réserver aux lecteurs curieux, prêts à tenter une expérience graphique qui sort des sentiers battus et une expérience narrative qui ne débouche pas toujours sur quelque chose de concret. Il vaut mieux avoir déjà une connaissance de l'univers de Spawn avant de se lancer dans ce tome car Bendis et Niles ne font pas de rappel sur Al Simmons, sa femme, son ancien boss, Billy Kincaid, etc. Sous cette réserve, il s'agit d'une lecture qui s'aventure dans des contrées différentes et déstabilisantes.
Pastorius Grant
Marion Mousse a su apprivoiser le genre western crépusculaire, c'est-à-dire qui met en avant un cowboy vieillissant, avec brio. Le scénario est simple mais concentre efficacement les codes : vengeance, duel (avec soi-même), rédemption... Le protagoniste, un vieil homme aigri et mourant, est rattrapé par son passé, qui se présente tantôt sous la forme d'une enfant accompagnée d'un cochon, tantôt d'un chien errant. Le conte peut-être lu au sens littéral, mais invite les lecteurs un peu plus curieux à s'immiscer entre les lignes pour découvrir une double histoire. Le graphisme, haut en couleur, est réalisé majoritairement sur des tons chauds, et entrecoupé de scènes aux nuances plus froides. De toute beauté ! C'est un coup de cœur pour moi.
Les Six Fonctions du langage
Dis-moi un truc gentil. - Ce tome est un recueil de dix-sept histoires racontées sous la forme de roman-photo. C'est l'œuvre de Clémentine Mélois, qui a repris des romans-photos qu'elle a détournés. La première édition de cet ouvrage date de 2021. La typographie originale Fotonovzela a été réalisée par Thierry Fetiveau. L'autrice avait illustré un ouvrage de vulgarisation sur le roman-photo, écrit par Jan Baetens : le Roman-Photo - La petite Bédéthèque des Savoirs, tome 26 paru en 2018. Les six fonctions du langage, romance : par une belle journée, un jeune homme compte fleurette à une jolie brune en lui demandant si on lui a déjà parlé des fonctions du langage selon le linguiste russo-américain Roman Jakobson. Il entreprend alors de lui énoncer ces six fonctions, puis lui susurre des mots compliqués pour lui montrer l'étendue de son champ lexical, ce qui la met dans tous ses états. Un cœur plein de désespoir, drame : Jean-Louis rend visite à Bien-Aimé en Christ et il lui expose son infortune, que ses jours sont comptés, et qu'il a décidé de faire de son ami, son légataire universel pour un montant de six cent cinquante mille euros. Voilà Dédé, amitié : Dédé, un vieil homme barbu et dégarni arrive chez un couple pour le réveillon de Noël, un autre couple invité étant déjà présent. Il entreprend de leur raconter ce qui est arrivé à sa Citroën qui était en rade la semaine dernière, plus de jus. L'anéantisseur ultime, controverse : le Priol vient trouver son chef à son bureau pour lui dire qu'il faut revenir sur ce qui a été décidé à la réunion de cadrage du 12, car il a un document qui prouve qu'ils se sont trompés sur toute la ligne. Voili voilou, médecine : un médecin s'enquiert auprès de l'infirmière Nadine de la patiente qu'il doit aller visiter ce jour. Elle lui explique que cette femme est en genre mode craquage complet. Il se rend dans la chambre, et un infirmier lui indique que la femme fait une grosse crise de nerf. Il demande à l'infirmier ce qui s'est passé lors de la dernière crise de nerf. La croûte au couteau, création : un couple admire un tableau dans une galerie, monsieur estimant qu'il s'agit d'un moineau géant en train de décéder, madame pensant plus à une sorte de canard. L'artiste s'approche et leur propose de passer à son atelier : ils n'ont rien compris à son œuvre, mais il leur expliquera. le meuble en kit, romance : un couple en maillot de bain, seuls sur la plage et monsieur susurre une litanie poétique amoureuse à l'oreille de sa belle qui lui répond de manière inattendue. El Magnifico, prouesse : à table au restaurant, un beau jeune homme demande à son interlocuteur en tenue de catche mexicain s'il prendre du dessert, car lui n'a pas encore décidé. le pays des bisous, entreprise : un nouvel embauché arrive pour commencer son travail. Il est reçu par celui en charge de l'accueil des nouveaux et qui se présente. Il s'appelle Fifi, le lutin farceur, et il va tout lui expliquer. Ils vont commencer par un petit tour des infrastructures. Etc. Au cas où la couverture ne constitue pas un indice assez clair, la quatrième de couverture en rajoute une couche : des mots, de l'action, de la lascivité, du suspense, tellement réaliste qu'on peut presque toucher les larmes. Avec trois citations pour compléter. Roman Jakobson (1896-1982) : Clémentine Mélois n'a absolument rien compris à mon œuvre. Ludwig Wittgenstein (1889-1951) : un livre inutile qui n'a pas sa place dans nos bibliothèques. Michèle Mélois : moi, j'ai bien aimé. Cet ouvrage est donc placé sous le signe de l'absurde, avec une composante philosophique. le lecteur découvre des histoires courtes de quatre à huit pages, sous la forme de roman-photo. Les tenues vestimentaires évoquent la fin des années 1960, et il constate des retouches de couleurs sur les décors, parfois sur les vêtements, ainsi que des couleurs un peu baveuses et mal reproduites, et parfois des solutions de continuité dans les habits d'un personnage d'une case à l'autre, l'un d'eux en faisant même la remarque. Il s'agit donc d'une réappropriation de romans-photos dont les textes ont été refaits, les séquences peut-être partiellement remontées pour certaines, et racontant une autre histoire que l'originale, un détournement de nature humoristique. L'autrice joue sur le décalage entre ce que racontent les images, oscillant entre relation amoureuse et drame, avec des exceptions comme la présence du catcheur mexicain ou la séquence dans un tribunal, et ce que disent les personnages. le premier sketch évoque les six fonctions du langage correspondant au contexte, à l'émetteur, au récepteur, au canal, au message et au code, et l'autrice joue avec ces six fonctions pour créer ces décalages. L'utilisation de romans-photos datés introduit également un décalage, très perturbant. D'un côté, il est évident que ces photographies correspondent à plusieurs décennies dans le passé : tenues vestimentaires, coiffures. La piètre qualité de la reproduction des couleurs (peut-être même dégradées à dessein) ajoute à l'obsolescence des images. Il n'y a trace nulle part d'un outil informatique ou d'un téléphone portable. Les postures sont posées, mais sans paraître artificielles ou outrées. Il y a une prépondérance de plans taille, plans poitrine et gros plans, permettant de s'économiser sur les décors en arrière-plan. Il y a donc quelques plans non-raccords pour les costumes, et un ou deux pour les décors. L'acteur en costume de catcheur mexicain semble avoir été découpé dans un autre roman-photo et collé par-dessus la silhouette vraisemblablement d'une actrice. C'est une certitude quand il chevauche un fromage de chèvre. de temps à autre, le lecteur éprouve l'impression que l'autrice a peut-être également recolorié quelques fonds pour un arrière-plan plus uniforme. D'un autre côté, le lecteur regarde des photographies, avec de vrais êtres humains, ce qui apporte une sensation irrépressible de réel. Ce sont des personnes qui se trouvent devant lui et il cherche à déchiffrer l'expression de leur visage, à lire dans leur posture, dans la manière dont ils se tiennent face à leur interlocuteur, dans la manière dont ils réagissent. Lui-même réagit par automatisme, sans pouvoir s'en empêcher. Pris entre l'aspect suranné de la narration visuelle et la réalité de ces femmes et de ces hommes qu'il a devant lui, le lecteur les perçoit comme des acteurs interprétant une pièce avec maladresse, tout en y mettant de la conviction : le décalage est déjà présent et produit déjà son effet. Voilà un homme et une femme dans l'intimité, en pleine conversation, certainement romantique, mais aussi pressante du côté du mâle, et pas entièrement convaincu du côté de la femme qui lui demande de l'impressionner. Il se lance alors dans une suite de mots compliqués : hypocoristique, ischio-jambier, irénique, marmoréen, polysyndète, pédiluve, ergastule, adamantin, rhombododécaèdre, zététique, brachydactyle, idéogénie, acheiropoïète. L'autrice fait preuve d'une inventivité. Après avoir cité la théorie de Roman Jakobson, elle fait intervenir Roland Barthes (1915-1980) dans le treizième récit : Pas de gestes brusques, action. Il propose à son interlocuteur de parler du concept dichotomique de Langue/Parole : si la langue est l'instance qui nous constitue comme sujet, la parole n'est-elle pas le relais fatal de tout ordre signifiant ? Là encore, il ne s'agit pas juste de prendre un nom comme référence et de faire semblant, mais bien d'évoquer rapidement ses théories, puisqu'il passe ensuite à la crise du Signe, et mentionne le philosophe germano-américain Rudolf Carnap, l'épistémologue anglais Bertrand Russell, et le philosophe autrico-britannique Ludwig Wittgenstein. Elle n'hésite pas à mettre ses propres récits en abîme avec le dernier, où le personnage principal appelle Iris pour lui demander son aide car il vient de recevoir un coup de fil de l'éditrice qui trouve qu'il n'y a pas assez d'action dans ce livre. L'humour est présent dans chaque récit : il provient du décalage entre acteurs et texte, mais aussi de la logique même du récit, souvent sur la base d'un humour absurde. le premier séducteur échoue dans son entreprise avec sa compagne parce qu'il a le malheur de prononcer le mot Boulgour, un faux pas inexcusable dans la suite de mots compliqués. Dans la seconde histoire, le lecteur constate que l'interlocuteur répond de manière machinale à l'homme qui lui explique qu'il ne lui reste plus longtemps à vivre, que sa femme est décédée d'un accident de travail, et qu'il lui lègue une importante somme d'argent. En fait l'autre n'a rien écouté : zéro empathie. le comique de certaines situations fonctionne sur des personnes qui ne s'écoutent pas, ou qui ne sont pas dans le même registre lexical. D'autres fois, le sujet prend le lecteur par surprise. Il s'attendait à ce que la femme sujette aux crises de nerf ne puisse plus supporter la maltraitance de la langue française. Il n'aurait jamais imaginé qu'un sketch porte sur l'univers partagé Marvel, et deux armes de destruction que sont le gant de l'infini de Thanos, et l'anéantisseur ultime (Ultimate Nullifier) manié par Mister Fantastic. Il n'avait pas prévu que l'autrice puisse réaliser un gag purement visuel, avec El Magnifico chevauchant un Saint Marcelin géant. Il est également pris par surprise, par quelques vrais moments de tendresse, comme cette jeune femme qui demande à son compagnon de lui dire quelque chose de gentil. A priori, un recueil de romans-photos usagés et détournés, même pour des histoires courtes, n'a pas grand-chose pour faire rêver. Le résultat est irrésistible, à la fois par un humour fonctionnant sur le décalage, pour des situations absurdes et intelligentes, pour des thèmes contemporains. Le lecteur ne s'attendait pas à éprouver une forme de tendresse platonique pour ces êtres humains plus intelligents qu'il ne le supposait, attachés à bien faire, à surmonter l'incommunicabilité générée par le langage.
Fight Club 2
Un ami imaginaire - Ce tome fait suite au roman Fight Club de Chuck Palahniuk, publié en 1996 qu'il vaut mieux avoir lu avant, ou au moins avoir vu le film de David Fincher Fight Club (1999). Il comprend les 10 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2015/2016, écrits par Chuck Palahniuk, dessinés et encrés par Cameron Stewart, avec une mise en couleurs de Dave Stewart. Les couvertures sont l'œuvre de David Mack. le tome commence par une introduction de 2 pages rédigée par Gerard Howard, le responsable d'édition qui a poussé pour que son employeur publie le roman initial. Il se termine par une fin alternative au roman, en 10 pages de bandes dessinées réalisées par les mêmes auteurs. Dix ans après les événements racontés dans Fight Club (le roman), le Narrateur a pris le nom de Sebastian. Il est marié avec Marla Singer, et ils ont un fils appelé Junior. Sebastian travaille pur une entreprise de conseil nommé Rize or Die, où il occupe un poste de bureau, sans joie et sans motivation. Il est sous traitement médicamenteux afin d'éviter une rechute et la réapparition de Tyler Durden. Marla souffre d'ennui et a recommencé à fréquenter des groupes d'entraide psychologiques, le dernier étant destiné aux malades souffrant de progéria (maladie également connue sous le nom de syndrome de Hutchinson-Gilford, provoquant des changements physiques ressemblant à une sénescence accélérée). La babysitteur de Junior a un comportement un peu apeuré vis-à-vis de Sebastian quand il rentre plus tôt que d'habitude. En fait, Marla Singer n'en peut plus de cette normalité castratrice dans un pavillon de banlieue avec une pelouse bien entretenue et un mari d'une banalité effroyable et ennuyeuse. Elle a donc décidé de neutraliser le traitement médicamenteux de Sebastian. le résultat ne se fait pas attendre : il se montre beaucoup plus fougueux au lit, même s'il ne s'en souvient pas forcément. Tyler Durden est de retour et il a de grands projets. Les succursales du Club vont pouvoir retrouver un objectif : projet Mayhem. Dans un bar, Sebastian se rend compte que le serveur a le visage tuméfié et une référence à la Genèse tatouée sur le cou. Il va en avoir des choses à raconter au docteur Wrong, son psychanalyste, lors de la prochaine séance. 20 ans après la parution du roman original, Chuck Palahniuk répond enfin à l'attente des lecteurs et des adorateurs du Fight Club : Tyler Durden, l'homme (le vrai) qui refuse la médiocrité de la société moderne, est de retour. Les clubs n'ont jamais cessé d'exister, mais sans leur maître idéologique, ils n'ont pu que perpétrer la mécanique des combats, sans que cette forme de préparation ne débouche sur quoi que ce soit. Au vu du titre, le lecteur s'attend à une suite en bonne et due forme au roman (à la rigueur au film de David Fincher). Dès les premières séquences, l'auteur confirme cet état de fait. le lecteur doit être familier du récit original. Il doit se souvenir des personnages secondaires afin de les reconnaître lors de leur retour et pour comprendre le sens de leurs actions. Lorsque plusieurs membres d'un Club se mettent à psalmodier le nom de Robert Paulson, il faut savoir de qui il s'agit pour comprendre le sens de ce passage. de la même manière, il faut pouvoir se rappeler que la fréquentation de groupes d'entraide avait permis à Sebastian et Marla de se rencontrer initialement. Rasséréné, le lecteur s'installe confortablement et se prête au jeu d'identifier les références à l'œuvre originale et s'en remet à l'auteur pour le secouer dans son fauteuil, le faire sortir de sa zone de confort et le contraindre à regarder la vérité en face. Les thèmes présents dans l'original resurgissent : l'absence de sens de la vie moderne, la sensation d'émasculation de l'homme végétant dans une vie banale sans pouvoir s'accomplir, l'asservissement de l'individu à sa sécurité matérielle, le recours aux médicaments pour supporter un quotidien médiocre et navrant, la pulsion de d'agir sur son environnement pour le maîtriser et le modeler. Tous les doutes sont balayés d'un revers de main : cette suite est légitime dans tous les sens du terme. Pour donner une suite à son roman le plus populaire, l'auteur a choisi une forme tout aussi populaire, celle de la bande dessinée. Les couvertures prennent la forme de peintures magnifiques et ironiques, réalisées par David Mack, l'auteur de la série Kabuki. Cameron Stewart est un dessinateur ayant travaillé à plusieurs reprises avec Grant Morrison, scénariste exigeant et ambitieux, ayant également réalisé le scénario d'une des incarnations de la série Batgirl. En découvrant les premières pages, le lecteur observe des dessins réalisés dans une approche réaliste et descriptive, avec un degré de simplification qui les éloignent du photoréalisme, et qui leur donne une apparence moqueuse, voire ironique, dans certaines séquences. Il retrouve à plusieurs reprises des échos visuels du film de David Fincher, Stewart s'en inspirant pour créer des liens avec le premier Fight Club. Il retrouve ainsi l'ambiance un peu glauque de la salle où se tiennent les réunions du groupe d'entraide (renforcée par la mise en couleurs intelligente et sensible de Dave Stewart), la maison délabrée que Tyler Durden avait choisie comme quartier général (après la destruction de l'appartement du Narrateur), la vivacité et le tonus des rapports sexuels entre Marla et Tyler, et quelques autres éléments. Dès la page 10, le lecteur observe que l'artiste surimpose des éléments dessinés par-dessus les cases proprement dites. C'est ainsi qu'apparaissent des gélules qui viennent masquer des visages ou des parties de phylactères, puis des pétales de fleurs, puis des comprimés qui semblent comme apposés sur les visages pour les masquer intentionnellement. Cameron Stewart dessine ces éléments de manière plus réalistes que ceux dans les cases, en y ajoutant un ombrage, comme s'ils étaient vraiment posés par-dessus la planche dessinée. Il constate également que l'artiste ne recherche pas une ressemblance avec les acteurs du film. Il n'est pas possible de reconnaître Brad Pitt et le visage de Sebastian n'évoque que vaguement celui d'Edward Norton. De séquence en séquence, le lecteur se rend compte que l'approche de Cameron Stewart permet de mettre sur le même plan graphique des éléments qui sinon seraient apparus comme disparates parce qu'appartenant à des environnements trop éloignés (par exemple la pelouse bien tondue et la guérilla urbaine à Mogadiscio en Somalie). Il constate également que l'artiste ne se contente pas d'illustrer le scénario, mais qu'il utilise des techniques spécifiques à ce média. Par exemple, en page 20, le lecteur peut voir la tête de Sebastian ayant explosé (avec un oeil voletant à travers la page) et expulsant les biens matériels qui constituaient sa prison. Il y a également le recours à ces éléments comme apposés sur la page. Il y a aussi possibilité de disposer côte à côte une case au temps présent et une case dans le passé. Dans le chapitre 4, il représente les déplacements d'un personnage par des pointillés sur un fond de plan. La page finale de ce même chapitre montre le sceau du Comics Code Authority (un organise d'autocensure des comics) maculé de sang, image à destination de lecteurs de comics. Le choix de Cameron Stewart se révèle de plus en plus pertinent au fur et à mesure que l'intrigue avance. En effet, son approche graphique lui permet de représenter au premier degré les éléments de plus en plus déconcertants du récit, virant parfois à la parodie. Il faut dire que Chuck Palahniuk ne fait pas dans la demi-mesure : un dessin en pleine page montrant en contre plongée une dizaine d'individus atteints de progéria descendant en parachute sur un château (dont un dans son fauteuil roulant), des spermatozoïdes serpentant sur la page par-dessus les cases, des individus avec de franches expressions d'exaspération sur le visage, et bien d'autres surprises visuelles. le lecteur peut alors trouver que la narration visuelle vire trop vers la farce, malgré une mise en couleurs qui reste discrète et sobre. - - ATTENTION - La suite du commentaire comprend des divulgâcheurs. - - Mais la dérive narrative s'est produite bien avant. Dès la page 89, Chuck Palahniuk fait une apparition dans le récit, participant à un Club (d'écrivains) dont l'une d'entre eux lui fait observer que cela devient trop méta (pour métacommentaire). Il reviendra par la suite se mêler du récit et donner des conseils sur le scénario, voire avouer son incapacité à maîtriser sa direction. Comme le lecteur pouvait s'y attendre, l'auteur réalise bien une suite, mais refuse de radoter. Il y a donc l'apparition d'autres thèmes qui viennent s'ajouter à ceux présents dans l'œuvre originelle : la psychanalyse, l'importance de la Bible, l'effet Werther (nom donné au suicides mimétiques, en référence à Les souffrances du jeune Werther (1774) de Johann Wolfgang von Goethe), le devenir des personnages de fiction. Chuck Palahniuk ne ressasse pas les thèmes qui ont fait le succès du roman et du film, il poursuit sa réflexion en s'appuyant sur la célébrité de ses personnages. Au cours d'une séquence, un protagoniste déclare que les personnages peuvent survivre aux lecteurs. L'auteur indique par cette formule que ses personnages lui ont échappé dès qu'ils ont commencé à exister par le prisme déformant des lecteurs et des spectateurs, qu'ils ont connu autant de représentations et d'interprétations qu'il y a de lecteurs. Il indique également qu'il est légitime à en reprendre possession pour leur donner un avenir. Il commence sur la célébrité de Tyler Durden et du Fight Club (état paradoxal puisque sa première règle est qu'on n'en parle pas) et poursuit sa réflexion sur l'inanité d'être un suiveur, fusse de Tyler Durden. Il tourne en dérision sa propre création, en montrant l'existence d'un Club de courtepointe (sans parler du Club d'écrivains dont il fait partie, dans le cadre de la présente fiction). Palahniuk ne se moque pas de ses personnages, ni du lecteur, il rappelle qu'il s'agit de fictions et que leur célébrité constitue un contresens de l'objectif de leur création. Il appelle à nouveau à penser par soi-même, à ne suivre personne et pas lui plus qu'un autre. Chuck Palahniuk ne se contente pas de se regarder le nombril en parlant de la célébrité de ses créations. Il continue la réflexion sur la propension pour l'être humain à prendre des fictions pour la réalité, en prenant l'exemple de l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Il flanque de grands coups de pied dans le mythe du sauveur avec ces individus déformés par la progéria. Il fait preuve d'humilité avec les paroles finales de Sebastian indiquant que tous ses efforts de manipulation de son lectorat sont partis dans des directions qu'il n'avait pas prévues. Il fait son deuil de l'autorité paternelle. Il évoque l'influence pervasive de la Bible dans la vie des individus. Il chante les louanges des associations d'aide aux enfants gravement malades, avec l'association Baguette Magique. Il donne son opinion sur l'aide psychanalytique. En fin de tome, le lecteur se retrouve en butte au fait que Chuck Palahniuk lui a donné exactement ce qu'il attendait, et que pourtant le résultat constitue quelque chose de bien différent qui défie les attentes. Il a apprécié la simplicité narrative des dessins de Cameron Stewart, tout ayant conscience que les images ont permis de faire passer des associations d'idées mieux que le langage écrit ne l'aurait permis. Il a l'impression que cette histoire se termine en grosse farce, et que la leçon à en tirer n'est pas celle qu'il aurait souhaitée. Comme l'indique la phrase sur la couverture peinte de David Mack : il y a des amis imaginaires qui ne s'en vont jamais. Après lecture, ce constat s'applique bien sûr à Tyler Durden, mais aussi à Robert Paulson, un ami imaginaire dont l'auteur lui-même n'a pas pu se défaire, du fait de la pression de son lectorat, ou plutôt de la popularité acquise par le personnage. Cette suite de Fight Club ne fait pas que dépasser les attentes, elle dépasse les espérances en reprenant le récit et les thématiques là où l'auteur s'en était arrêté il y a 20 ans et en les ouvrant sur d'autres réflexions, tout aussi brutales (à commencer par le mélange entre réalité et fiction de l'auteur, mais aussi du lecteur).
These Savage Shores
Je ne suis pourtant pas fan d’histoires de vampires, mais j’ai adoré cet album, qui comme le soulignent déjà les autres posteurs propose une intrigue riche ancrée dans l’Histoire coloniale indienne, mais aussi dans son folklore et ses légendes. Le ballet diplomatique des vampires se juxtapose à celui des différentes factions combattant pour le contrôle de l’Inde et de ses ressources. L’histoire est prenante et bien narrée, et les personnages sont très humains, ambiguës, et attachants. Bref, j’ai tout aimé dans le scenario de Ram V. Et puis bon sang, le dessin de Sumit Kumar et les couleurs de Vittorio Astone sont sublimes. Les planches sont magnifiques, mais semblent à l’étroit dans le format comics, et mériteraient une édition de luxe. Une histoire riche et intéressante, superbement mise en image… Je n’arrive pas à justifier une note autre que 5/5.
Watchmen
J'ai été complètement absorbé par l'univers de Watchmen. L'histoire est riche et complexe, mêlant habilement enquête policière et science-fiction. Les personnages sont profonds et fascinants, chacun avec son propre passé et ses motivations. Le travail graphique est incroyable. Les dessins sont détaillés et servent parfaitement le récit. Même si les couleurs peuvent sembler datées, elles contribuent à l'ambiance unique de la bande dessinée. La structure narrative est ingénieuse. Les flashbacks et les différentes intrigues s'entremêlent pour créer une expérience de lecture dynamique et immersive. Ce qui m'a le plus marqué, c'est la manière dont Watchmen pousse à réfléchir sur des thèmes comme la justice, le pouvoir et la condition humaine. C'est une œuvre qui invite à la réflexion et qui reste pertinente bien après sa lecture. En résumé, Watchmen est une oeuvre magistrale qui a su me captiver de la première à la dernière page et je la recommande vivement à tous les amateurs de bandes dessinées.
La Loterie
Loterie en juin, abondance de grains - Ce tome contient une histoire compète indépendante de toute autre. Sa première édition date de 2016. Il s'agit de l'adaptation d'une nouvelle du même nom La loterie (1948) écrite par Shirley Jackson (1916-1965), et adaptée par son petit-fils Miles Hyman, pour le scénario, les dessins, les couleurs. La traduction a été réalisée par Juliette Hyman. Il commence avec une courte introduction de l'auteur remerciant les personnes grâce à qui ce projet a pu être mené à bien. Il se termine avec un trombinoscope des douze principaux personnages, un article comprenant sept illustrations pleine page, et un texte de huit pages, rédigé par Hyman, évoquant le seul souvenir qu'il reste à l'auteur de sa grand-mère, quelques éléments biographiques sur l'écrivaine et la description de la réception de sa nouvelle par le public, ainsi que sa postérité dans la culture américaine. Sans oublier la dédicace de Stephen King pour son roman Charlie (1980) : À la mémoire de Shirley Jackson qui n'a jamais eu à hausser la voix. Dans un petit village du cœur des États-Unis, alors que la nuit tombe, une voiture aux phares allumés avance tranquillement dans la rue principale. Elle roule à vitesse réduite, passant devant les maisons aux fenêtres éteintes, et arrive devant le magasin vendant du charbon, dont les lumières sont encore allumées. Harry Graves coupe le moteur et éteint les phares. Il sort de son véhicule et reboutonne sa veste. Il va taper au carreau du magasin. Joe Summers lève la tête, va prendre les clés à côté de la photographie de son épouse, au pied du calendrier qui indique la date du 26 juin. Il ouvre la porte. Les deux hommes se saluent en se serrant la main, Harry ayant retiré son chapeau. Il le pose sur une table et il retire sa veste, puis il emboîte le pas à Joe qui entre dans la réserve et allume la lumière. Ils regardent tous les deux une boîte un peu usagée posée sur l'étagère la plus haute. Joe monte sur une chaise pour l'attraper, et Harry aide à la porter pour déposer cette urne sur la table, avec une ouverture ronde sur le dessus. Joe et Harry vident un sac en papier sur la table : il contient des petits morceaux de papier blanc, tous de la même taille. Avec un air grave, ils les plient soigneusement en deux, avec application pour que chacun présente la même forme. Une fois cette tâche terminée, Joe en prend un qu'il place entre eux. Harry s'en saisit et noircit un cercle au milieu d'une des deux parties, avec un crayon noir. Il montre le résultat à Joe, et replie le papier de sorte que le cercle soit à l'intérieur. Tous les papiers sont remis dans l'urne. Joe met l'urne dans le coffre-fort, sous le regard d'Harry, et il verrouille le coffre-fort. Les deux hommes remettent leur veste et s'apprêtent à partir. Joe jette un coup d'œil à l'horloge : minuit dix. Il se tourne vers l'éphéméride et enlève la page du vingt-six pour faire apparaître celle du vingt-sept juin. le lendemain matin, Tessie Hutchinson passe le balai et jette un coup d'œil par la fenêtre : son époux Bill est en train de couper du bois dehors. Ce matin est clair et ensoleillé. Soit le lecteur connaît déjà la nouvelle et il s'attache à découvrir comment le petit-fils l'a adaptée, soit il découvre l'intrigue. Il commence par observer la très belle couverture avec cette urne qui va être déposée sur la table. Puis il découvre l'entrée du village à la nuit tombante, avec les maisons et la route qui semble encore en terre. Les couleurs sont foncées pour l'ambiance nocturne, de type pastel ou crayons de couleur, apportant une texture soutenue à chaque surface, ainsi que nuances qui transcrivent des surfaces présentant des irrégularités comme dans la réalité. Il prend le temps d'apprécier le paysage. L'artiste donne beaucoup de place aux illustrations : sur 136 pages de bande dessinée, il y a sept dessins en pleine page, huit dessins en double page. le lecteur observe quarante-et-une pages muettes, sans aucun mot, et une dizaine de plus avec seulement un mot ou deux. le lecteur constate que les pages se tournent rapidement : une narration à la fois dense, à la fois aérée, presque décompressée. de grandes cases, souvent de la largeur de la page, un maximum de quatre par page, plus souvent deux ou trois. Le lecteur peut donc jeter un coup d'œil rapide à chaque case et tourner aussitôt la page pour lire à une vitesse soutenue afin de découvrir le fin mot de l'histoire. Il se rend vite compte que paradoxalement les grandes cases et la faible densité en mots l'incitent à prendre son temps, à profiter du paysage, à regarder les personnages. de fait, les couleurs viennent compléter les dessins, évitant que dans certaines cases, un élément ou deux paraissent un peu naïfs ou pas tout à fait assez consistant. Au contraire son regard est attiré par des éléments visuels : la façade d'une maison en planches de bois peintes en blanc, le commodo de la voiture avec le levier de changement de vitesse au volant, le modèle de pompe à essence attestant de l'époque à laquelle se déroule récit (dans les années 1930 ou 1940), les bretelles de Harry et leurs attaches caractéristiques, le bois de l'urne, le modèle de coffre-fort, une batte et un gant de baseball, les plants de maïs, un silo, une montre à gousset, une cafetière, les modèles de pantalon, de robe, etc. Il s'attarde sur le visage des personnages, souvent fermés ou peu expressifs. Il prend le temps de comparer la famille Overdyke et la famille Percy, représentées en vis-à-vis comme dans un portrait de face l'un en page 88 et l'autre en page 89. Il pense à la fois au tableau American Gothic (1930) de Grant Wood (1891-1942), à la fois à la représentation iconique de l'Amérique dans les tableaux de Norman Rockwell (1894-1978) mais sans la joie de vivre associée. L'artiste montre des individus sérieux, impliqués dans ce qu'ils font. Il éprouve à la fois la sensation d'une lecture facile et rapide, à la fois une satiété visuelle peu commune, le sérieux des personnages colorant l'histoire qui en devient elle aussi sérieuse. S'il ne connaît pas le fin mot de l'intrigue, le lecteur se rend compte que cette narration essentiellement picturale a également pour conséquence de l'inciter à prêter attention à tous les détails, car il ne peut pas savoir lesquels seront signifiants pour le récit. L'urne ? Oui bien sûr. Les bretelles ? Peu probable. Tessie Hutchinson entrant dans la salle de bain et prenant un bain pour une séquence de quatre pages ? Sûrement, mais pour dire quoi… Il se produit alors un effet tout aussi étrange que pour la facilité de lecture de dessins : chaque événement, chaque accessoire relève de la banalité de la vie quotidienne, pourtant il est certain qu'ils apportent leur pierre à l'édifice, qu'ils ont un sens au regard de l'histoire. le lecteur sent bien que sa lecture devient plus participative, qu'il s'interroge sur ce à quoi il doit accorder de l'importance, sur ce qui est signifiant, ce qui confère à cet album une dimension ludique pour assembler les pièces du puzzle, car un drame va survenir, c'est sûr. En fait, il assiste à un quasi-reportage en temps réel, sur une tradition collective, appelée la Loterie, à laquelle tous les habitants du village participent. En passant, il est question de villages qui auraient abandonné cette tradition, et de la bêtise que c'est. Le dossier en fin d'ouvrage expose l'impact qu'eut cette nouvelle, l'avalanche de courriers reçus par l'autrice et son éditeur, soit de colère, soit d'incompréhension, soit de lecteurs ayant la conviction que l'histoire était basée sur des faits réels. En découvrant la scène finale, le lecteur prend conscience que Miles Hyman a joué franc jeu avec lui et qu'il a tout montré depuis le début, laissant présager la nature du dénouement. En fonction de son degré d'implication dans sa lecture, le lecteur dispose d'une vue globale sur ce qu'il vient de se dérouler, ou il peut revenir en début, feuilleter rapidement les pages et relever quelques phrases qui rétrospectivement en disent long. Il relève : À quoi bon changer les choses maintenant ? Ça n'aurait aucun sens. C'est le thème de la tradition séculaire, mais en même temps les pages 54 à 62 évoquent quelques évolutions dans cette pratique et se terminent sur la phrase : Mais avec le temps, cela avait aussi changé. L'autrice s'amuse à pointer du doigt que ce respect des traditions perpétue un rituel qui n'est en fait pas immuable. Plus loin, le vieux Warner évoque le fait que c'est sa soixante-dix-septième loterie et que : À écouter les jeunes, rien n'est assez bien pour eux. Bientôt ils voudront vivre dans des grottes, plus personne ne travaillera. Mais ils ne tiendront pas longtemps comme ça. Ou encore : Les gens ne sont plus ce qu'ils étaient. La tradition séculaire semble s'opposer au désir de changement de la jeunesse, mais en fait celle-ci participe de son plein gré à la loterie, sans velléité de la remettre en cause. L'horreur du dénouement, de la raison d'être de la loterie atteint le lecteur de plein fouet, en particulier le comportement de la foule où tout le monde participe, sans état d'âme. Mais en y repensant, il se demande si la préparation par Joe & Harry, en toute connaissance de cause, n'est pas encore plus monstrueuse. Ou le fait qu'il existe des règles très précises pour le tirage au sort : que faire en cas de plusieurs familles habitant sous le même toit ? La loterie est institutionnalisée, codifiée par des règles connues et acceptées par l'ensemble de la communauté. le conformisme des individus composant cette communauté est d'une uniformité terrifiante et sidérante : aussi bien de se soumettre de son plein gré à cette cérémonie, aussi bien d'en accepter l'issue quel que soit l'âge de l'individu tirant le papier avec le point, ou encore son acceptation par les jeunes générations dont l'élan naturel de changement ne va pas jusqu'à la remise en cause de cette pratique qui lie la communauté. le récit se termine sur un dessin en double page : l'entrée de la ville depuis la route en terre, avec le même cadrage que le dessin en double page d'ouverture du récit, mais à midi au lieu d'être en fin de soirée. le cycle est arrivé à son terme, et un autre cycle peut commencer à l'identique, la loterie se perpétuant d'une génération à l'autre, semblant immortelle pendant que les êtres humains vivent et meurent. Cette adaptation d'une nouvelle est remarquable en tout point. La narration visuelle est incroyable, riche et dense, les cases étant rapidement assimilées par le lecteur ce qui l'amène paradoxalement à lire moins vite. L'intrigue est respectée à la lettre, tout en aboutissant à une véritable bande dessinée, et pas à un texte illustré tant bien que mal. La force du récit est intacte, et il reste tout autant dérangeant.
Dent d'ours
J'ai été immédiatement capturé par l'histoire de Max, Werner et Hanna. Leur amitié mise à l'épreuve par la guerre et leurs destins entrelacés offrent une narration riche et profonde. Le talent d'Alain Henriet brille à travers chaque page. Ses illustrations détaillées et ses scènes de batailles aériennes sont un régal pour les yeux. Chaque tome se concentre sur un personnage, permettant une exploration approfondie de leurs personnalités et de leur évolution, ce qui rend l'histoire d'autant plus immersive. L'aspect documenté de l'œuvre de Yann ajoute une couche d'authenticité qui enrichit l'expérience de lecture. En somme, "Dent d'ours" est une série BD qui mérite amplement une note de 5/5. Elle combine avec brio drame, aventure et histoire, le tout magnifié par un dessin spectaculaire. Une œuvre à ne pas manquer pour les amateurs du genre.
Ulysse Nobody
Être quelqu'un - Ce tome contient une histoire complète indépendante de toute autre. Sa première publication date de 2022. Il a été réalisé par Gérard Mordillat pour le scénario, Sébastien Gnaedig pour les dessins, Francesca & Christian Durieux pour les couleurs. Il s'agit d'une bande dessinée en couleurs, comportant 140 pages. Ulysse ne s'appelait pas Nobody. Ni Ulysse d'ailleurs. C'était son nom d'acteur. le nom du personnage qu'il avait créé pour son one-man-show. Son pseudo. Sa marque. Nobody comme un slogan. En cette veille de Noël, Nobody avait droit à une heure d'antenne, de 23 heures à minuit, sur Radio Plus. C'est la nuit de Noël au Havre, Ulysse Nobody se rend à la station de radio pour animer son émission. Il entre le bâtiment salue Mustapha, le vigile à la réception. Il lui souhaite un joyeux Noël. Il entre dans le studio d'enregistrement et s'installe : il enlève son manteau, pose la bouteille de vin qu'il a acheté sur la table, avec un verre. Au signal de l'animateur précédent, il salue ses auditeurs et commence à raconter son premier conte de Noël. C'est la nuit de Noël. Un pauvre petit garçon atteint de la tuberculose se désespère de n'avoir pu applaudir le clown Boum Boum avant de mourir. Mais à minuit moins une, le clown entre dans la chambre de l'enfant… Et l'enfant meurt dans ses bras, le visage rayonnant de bonheur. Noël triste. Il enchaîne avec deux autres contes tout aussi tristes, et il se fait virer par le vigile sur les ordres de Solange Chausson-Bernstein, la présidente de la station. Ulysse Nobody se rend alors à son troquet favori, où il est accueilli par ses potes comédiens qui le félicitent pour ses Noël tristes et le plaignent d'avoir perdu son emploi. Ils boivent des coups et papotent. Ulysse leur propose que chacun écrive sa bonne résolution pour l'année à venir sur un papier à cigarette, puis l'enflamme et de verser les cendres dans un verre avant de le boire. Sur le sien, il écrit : être quelqu'un. le lendemain, il se présente à l'accueil de la station de Radio Plus. Il est décidé à présenter ses excuses à madame Chausson-Bernstein, à s'aplatir devant elle, à battre sa coulpe, à promettre que plus jamais, non plus jamais, il le jure, il ne ferait une telle émission comme Noël triste, qu'il avait bu, que les fêtes le poussaient à la neurasthénie. Il salue Mustapha et demande à voir la directrice, mais celui-ci lui répond qu'il n'est plus accepté, qu'il ne peut pas l'autoriser à monter. Il rentre chez lui et il écrit une longue lettre d'excuse à la directrice. Il termine en lui souhaitant une bonne année. Il sort dehors et se rend dans un théâtre pour proposer à son propriétaire de d'y créer la saison deux de son one-man-show. L'autre lui répond qu'il ferme son établissement le soir-même et qu'il sera remplacé par un magasin bio dans dix jours. Ulysse Nobody ressort un peu abattu et il va rendre visite à son père. C'est sa nouvelle compagne qui lui ouvre, juste vêtue d'une serviette de bain. La discussion s'engage entre lui et son père qui lui reproche de continuer à gâcher son talent avec des bêtises. Par la force des choses, le seul nom de Gérard Mordillat confère un caractère d'événement à cette bande dessinée, car c'est un romancier, un poète et un réalisateur de grande renommée. Il est fort probable qu'avant même d'entamer cette bande dessinée, le lecteur sache de quoi il retourne : un acteur sans emploi qui est recruté pour être le candidat du Parti Fasciste Français aux élections législatives dans l'Aisne. Cet a priori fixe son horizon d'attente. Dès la première séquence, il découvre une narration visuelle très facile à lire : des contours détourés par un trait fin pour les personnages, une simplification des silhouettes et des visages, les doigts représentés sans phalanges. Ce n'est pas une simplification pour rendre le dessin accessible à des lecteurs enfants, mais elle confère une douceur à chaque personnage, une forme d'accessibilité qui ne porte pas de jugement de valeur sur l'individu, pas de distinction de traitement entre Ulysse, ses copains, les autres membres du Parti Fasciste Français (PFF), pas de bons contre des méchants, juste des êtres humains dans leur banalité, mais aussi leur particularité. Ulysse est un bonhomme un peu rondouillard, au regard souvent triste, la tête un peu baissée en avant comme une forme de résignation face au destin, aux épreuves de la vie qui lui sont rarement favorables. Fabio semble être un trentenaire ou un jeune quadragénaire, gentil et prévenant, sans agressivité particulière, sans volonté de nuire, avec une sollicitude réelle pour Ulysse et ses problèmes. Monsieur Maréchal, le président du PFF, est plus âgé, avec un visage un peu plus fermé, mais tout autant honnête. Marilyn semble être un peu plus dure dans ses positions, sans être non plus agressive. L'apparence simple des personnages n'empêche pas qu'ils disposent chacun d'une garde-robe adaptée à leur personnalité, à leur position sociale. le lecteur peut observer la différence en le costume bon marché de Nobody au début avec son foulard dans l'ouverture de sa chemise, et le costume trois pièces beaucoup plus chic avec une cravate lorsqu'il monte à la tribune lors de la campagne. Il sourit en détaillant la tenue de Marilyn en accord avec son caractère. le lecteur remarque que l'artiste gère la représentation des décors et des arrière-plans de manière un peu différente. le dessinateur leur donne plus de consistance qu'aux personnages, avec un niveau de détail supérieur : la grande roue en page 3, les façades d'immeuble dans les scènes en extérieur urbain, l'intérieur du studio de radio, les tableaux accrochés aux murs du troquet, l'intérieur de la petite salle de théâtre, la vue depuis la terrasse de la maison du père d'Ulysse, les différents sites remarquables du Havre, la façade de la gare de Lille Europe, la magnifique vue extérieure d'un château propriété d'un sympathisant du PFF, le pavillon de Marilyn, un plateau télé plus vrai que nature avec son pupitre de régie, une halle au marché sous la pluie, etc. Sans oublier la sculpture monumentale UP#3 des artistes Sabona Lang & Daniel Baumann, installée sur la plage du Havre à l'occasion des cinq cents de la cité en 2017. Grâce à la douceur des dessins, le lecteur s'immerge tranquillement dans le récit, à la suite de ce monsieur vraisemblablement quadragénaire, pas très bien dans sa peau, au point de mettre en l'air sa carrière, ou tout du moins de perdre son seul travail, dans un contexte professionnel peu favorable. Il le regarde exprimer une forme d'amertume qui ne dit pas son nom, essuyer les refus polis les uns après les autres, le suivant un peu plus humiliant que le précédent. La direction d'acteur se situe dans un registre naturaliste, correspondant à des adultes déjà installés dans la vie, de manière un peu précaire pour certains. Puis il se présente une opportunité de mettre à profit ses compétences d'acteur pour incarner un candidat d'un parti politique sulfureux. Ulysse Nobody semble faire siennes ces valeurs discutables. L'auteur développe des argumentaires par la bouche de ses personnages pour rendre cette éventualité quasiment plausible. le lecteur assiste à une performance d'acteur posé quand Nobody réalise un discours devant une assemblée de plusieurs centaines de personnes, se déroulant sur cinq pages. Il voit Fabio, celui qui a recruté Nobody, expliquer la stratégie de campagne, en des termes simples, dénotant un vrai savoir-faire en la matière. le récit se poursuit jusqu'aux résultats de l'élection législative, et les conséquences pour Ulysse Nobody. Il y a quelques piques bien senties : la manière de rendre le fascisme acceptable aux yeux d'une partie du public, l'attrait du salaire mensuel d'un député, les candidats qui doivent acheter et payer le kit de campagne (17.000€), un meeting qui dégénère en campagne, Ulysse gêné par les convictions antisémites et racistes d'un sympathisant, la nécessité de se prêter à l'exercice d'enregistrer des pastilles vidéo pour internet sans grand rapport avec le programme électoral, etc. Bien sûr, il y a le principe même de créer un candidat de toutes pièces, à partir d'un acteur. Mais finalement la charge contre un parti d'extrême droite bien connu se cantonne à donner le nom de Maréchal à son président (comme Marion) et au cynisme des professionnels de la politique. Il en va différemment pour le portrait dressé du personnage principal. Là encore, le lecteur présuppose qu'il va y a voir une forme de dénonciation d'un système économique qui contraint l'individu à tout accepter pour pouvoir disposer d'un travail et d'une rémunération. Mais non, le cœur de l'histoire n'est pas là non plus. Une fois l'ouvrage terminé, le lecteur le refeuillète rapidement depuis le début et il constate que les auteurs ont joué cartes sur table depuis le début. le vœu d'Ulysse Nobody pour la nouvelle année est d'être quelqu'un. Lorsque Fabio lui expose ce qu'il aura à faire pendant la campagne, l'acteur lui demande s'il montera sur scène. Lorsqu'il doit réaliser des pastilles vidéo, il peut raconter ce qu'il souhaite. Lorsqu'il est approché par Fabio, il est immédiatement sous le charme de son discours qui flatte son ego. En bon acteur, il se prépare en se regardant dans le miroir, et lorsqu'il se retrouve opérateur d'une plateforme téléphonique de vente par correspondance, il regarde le miroir intégré au cubicule de travail. En fait, le protagoniste ne semble jamais souffrir du syndrome de l'imposteur : il est dans son élément en se donnant en spectacle, en interprétant. Il se nourrit du regard des autres, de capter leur attention, d'être le centre de leur attention. le lecteur comprend alors qu'il s'agit du portrait sans concession d'un individu narcissique. Il voit comment un tel individu peut raconter des drames atroces le soir de Noël, ne pensant qu'à sa propre souffrance, sans penser un instant aux autres, aux conséquences d'un tel acte, comment son incapacité à trouver un emploi ne peut pas être entièrement imputable aux autres et au système économique. Il apparaît qu'il n'est pas un bon acteur, car il finit toujours par sortir de son rôle pour satisfaire son ego. le lecteur voit un individu incapable d'aucune forme d'empathie, uniquement préoccupé de satisfaire son plaisir en mettant en scène son ego devant un public. Il ne connaît qu'un bref moment de lucidité quand son agent Mona lui demande s'il connaît l'effet Dunning-Kruger, un effet de sur-confiance quand les moins qualifiés dans un domaine surestiment leurs compétences. Les personnes incompétentes ne parviennent pas à se rendre compte de leur degré d'incompétence et tendent à se surestimer. Et surtout ils ne reconnaissent jamais la compétence de ceux qui la possèdent véritablement. Il se demande si elle parle de lui, et il abandonne cette hypothèse, convaincu qu'elle parle de tous les autres qui se trouvent meilleur acteur que lui. Cette bande dessinée a été mise en avant comme une critique cinglante de l'imposture de certains candidats politiques, et de la manière dont l'extrême droite procède pour se rendre médiatiquement acceptable. Cette charge est bien présente, mais pas si implacable que ça. Cela conduit le lecteur à considérer autrement l'histoire, si facile d'accès, si simple à lire grâce à une narration visuelle douce et d'une lisibilité épatante. Il se retrouve alors partagé entre son empathie pour un être humain au chômage, sans perspective d'emploi, et son aversion pour ce même individu qui se révèle uniquement préoccupé par la possibilité de disposer d'un public dans une salle qui n'a d'autre choix que de l'écouter. Un portrait impitoyable de l'égocentrisme présent en chacun de nous.
Thanos - La Quête de Thanos
Thanos le stratège - Ce tome comprend les deux épisodes de la minisérie Thanos quest , initialement parus en 1990, écrits par Jim Starlin, dessinés par Ron Lim, encrés par John Beatty, et mis en couleurs par Tom Vincent. Thanos a plongé son regard dans le puits de l'Infinité et il y a vu que le meilleur moyen pour accomplir la volonté de la Mort est de rassembler les six gemmes de l'Infinité. Thanos va affronter à tour de rôle chacun des Anciens (Elders) qui détiennent chacun l'une des six gemmes. Ce récit révèle l'origine des gemmes et leur pouvoir. Février 1990, Jim Starlin revient chez Marvel et il revient à ses premières amours : un superhéros cosmique. En 1973, il s'était fait connaître en opposant Captain Marvel à Thanos (un personnage qu'il a créé) déjà à la recherche de la déification par le biais d'un Cosmic Cube. Puis Il avait opposé Thanos à Adam Warlock dans une histoire où Thanos professe son amour pour l'incarnation de la Mort. Avec la présente histoire, Starlin revient à son personnage emblématique et à la cosmogonie qu'il avait créée pour structurer l'univers Marvel. Il est évident que Starlin est revenu pour Thanos, sa création (même s'il continuera d'écrire quelques épisodes du Silver Surfer, en alternance avec Ron Marz). Thanos n'est pas le premier supercriminel venu ; il s'agit d'un stratège qui prépare ses batailles longtemps à l'avance. Il a donc identifié les six détenteurs des gemmes (In-Betweener, Champion, Gardener, Runner, Collector et Grand Master) et il s'est renseigné sur eux avant de les confronter. Thanos se livre à un jeu de massacre très malin dans lequel Starlin balade son lecteur avec une aisance décontractée. Chaque combat ramène un personnage que Starlin a déjà écrit ou qui a croisé Warlock et son univers de près ou de loin. Chaque gemme donne lieu à un combat sans pitié où l'intelligence joue un rôle plus grand que la force des coups. C'est un jeu de massacre futé et prenant qui repose sur autre chose que la violence extrême ou la cruauté. Ron Lim est toujours dans un registre juste assez détaillé et encore un peu enfantin. Il n'a pas l'envergure et la maturité de Starlin, mais il n'est pas encore passé dans le registre croquis répétitifs et laids qu'il adoptera à partir de Infinity Crusade. Pour les amateurs de Starlin, il est un peu horripilant de constater qu'il a cédé à la facilité en ramenant Thanos et Drax à la vie, invalidant ainsi la fin définitive des aventures d'Adam Warlock. Passé ce moment d'agacement, j'ai retrouvé avec plaisir ce scénariste qui sait où il va et qui tisse des intrigues qui reposent souvent sur l'intelligence des personnages, plus que sur leur force brute. Les dessins ne sont pas très sophistiqués, mais ils portent honnêtement l'histoire. Armé des six gemmes de l'Infinité, Thanos menace la survie de la réalité telle que la connaissent les superhéros de l'univers Marvel dans Infinity gauntlet.