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Solide polar - Ce tome comprend une histoire complète et indépendante de toute autre. Il contient les 5 épisodes, initialement parus en 2016/2017, écrits par John Arcudi, dessinés et encrés par Tony Fejzula, et mis en couleurs par André May. Les couvertures ont été réalisées par Dave Johnson. À la fin le lecteur trouve 10 pages de dessins préparatoires, ainsi que 31 illustrations en pleine page réalisés par d'autres artistes. Dans la prison du comté de Mariposa en Californie, Donald Gaffney est en train de poignarder sauvagement Arthur McCoyne, l'éventrant délibérément. Les cellules de texte évoquent le fait que l'amour est un sentiment puissant, mais que la haine aussi et qu'elle est moins coûteuse. le lendemain, la lieutenant Ellie Payton appelle l'inspectrice Linda Caruso de la Section des Crimes de Prison (Jail Crimes Division) pour qu'elle se rende sur place et prenne l'enquête en main. Sur place, elle y retrouve le gardien Paris Taylor, et ils discutent de la fête de départ en retraite de Sten qui s'est tenue dans un club de striptease. Il lui indique que la caméra en circuit fermé de la cellule ne fonctionne plus, mais qu'ils ont aisément retrouvé le coupable filmé en train de se suicider, un autre détenu dénommé Donald Gaffney. L'affaire semble claire comme de l'eau de roche. Toutefois, l'inspectrice Caruso souhaite que le corps soit autopsié pour s'ôter un doute de l'esprit. Elle se rend compte que le corps de Donald Gaffney a déjà été évacué vers la morgue et que ni le directeur de prison, ni sa supérieure ne souhaitent donner suite à sa demande, l'affaire étant tellement évidente. Dans le couloir elle a croisé un autre détenu et un autre gardien, TZ Gerena et Leo Aaron, qui souhaitaient lui parler, mais elle était pressée par le temps. En sortant de la prison, elle échange quelques mots avec Warren Diaz, un autre gardien, et lui indique qu'il devrait passer le concours d'inspecteur. Mais dans le même temps, elle regrette elle-même de l'avoir fait, ce qui l'a conduite sur une voie de garage. Elle rentre chez elle et reçoit la visite de Kyle Romero (son ex-mari) qui lui annonce qu'il va se remarier prochainement. Elle sort prendre un verre dans son jardin où elle est rejointe par sa voisine Julia Taylor. La couverture annonce clairement l'intrigue : un meurtre en prison, et une enquête menée par une inspectrice désabusée. de son côté, le lecteur a peut-être encore en tête les pages très personnelles de Toni Fejzula pour Veil avec Greg Rucka. Il est estomaqué par les deux premières pages qui montrent Donald Gaffney en train de s'acharner méthodiquement sur le corps d'Arthur McCoyne, avec des gestes réfléchis, comme sous le coup d'une folie froide et furieuse. Cette fois-ci, Fejzula n'a pas réalisé la mise en couleurs lui-même, mais visiblement André May a travaillé de près avec lui. le rouge du sang répandu avec largesse tranche sur le reste plus sombre. Les éclats de sang ne correspondent pas aux giclées dues à la pression artérielle, mais elles dessinent des petites courbes expressionnistes, comme si le cadavre s'était écroulé dans son sang. le résultat visuel dépeint le tableau d'une sauvagerie écœurante. Tout au long des cinq épisodes, André May réalise un travail très impressionnant de mise en couleurs, avec des teintes un peu sombres et ternes, comme du pastel foncé. Cette mise en couleurs participe à faire comprendre qu'il s'agit d'un environnement assez sombre sur le plan psychologique, et à apporter discrètement un peu de substance aux dessins, par le biais de variations de nuance ténues, indiquant à la fois l'effet de l'éclairage, et la texture de chaque surface. Même sans consulter le cahier de recherches graphiques en fin de tome, le lecteur constate par lui-même le temps passé pour donner une identité graphique à chaque personnage, contribuant ainsi à leur identité personnelle. C'est par les petits détails que le lecteur se fait une idée de la personnalité de Linda Caruso, ses choix vestimentaires, ses postures, ses expressions du visage, ses petits gestes du quotidien. le lecteur constate également que les auteurs ont pris le parti de conserver une apparence normale aux personnages qui mènent une vie sociale normale, et de donner des signes distinctifs plus prononcés aux prisonniers, soumis à l'uniforme. Ainsi TZ Gerena est un individu très sec avec des postures un peu incurvées, Mack est une immense armoire à glace avec une morphologie de culturiste tatoué sur tout le corps. Très rapidement le lecteur ressent un fort degré d'immersion dans les lieux où se déroule chaque séquence. Il y a bien sûr la prison, les logements des uns et des autres, et les bureaux de travail soit dans la prison, soit au commissariat, ou encore à l'institut médico-légal. L'artiste intègre de nombreux détails et soigne ses décors, en personnalisant chaque endroit. Sur la troisième page, le lecteur peut détailler les différents dossiers dans le bureau du lieutenant Ellie Payton, et sa méthode de rangement, et dans la case du dessous le bazar dans la chambre de Linda Caruso. Dans l'épisode 3, le lecteur peut voir l'intérieur de l'appartement de Sten, ainsi que celui de madame Gaffney (la mère de Donald). Il observe des aménagements intérieurs très différents, à la fois en termes d'ameublement, mais aussi en termes de ménage. Il constate que Toni Fejzula exagère parfois la perspective des visages, ainsi que leur forme, pour accentuer une émotion, flirtant avec un registre expressionniste très parlant. L'artiste maîtrise également sa mise en scène pour conserver une lisibilité excellente lors des scènes de foule, en particulier quand l'inspectrice Linda Caruso se retrouve au milieu des prisonniers dans le réfectoire. Il sait faire ressentir la tension générée par l'agressivité des détenus en présence de cette femme, mais aussi la tension entre 2 interlocuteurs d'avis différent. Lorsque la violence se déchaîne, le lecteur ressent sa soudaineté et sa force. Le lecteur éprouve la sensation d'être aux côtés de Linda Caruso tout du long du récit, de pouvoir se projeter dans chacun des endroits où elle se trouve, de ressentir les états d'esprit projetés par ses interlocuteurs. Il se sent donc impliqué dans son enquête, et comprend bien sa frustration à voir que le corps de Donald Gaffney lui échappe, alors qu'elle est sûre de son intuition. Il se prend au jeu de repérer le jeu de pouvoirs entre les différents suspects, de suivre l'inspectrice en train de tâtonner pour savoir à qui profite le crime. Il suit sa progression faite d'entretiens biaisés, et de fausses pistes, avec des a priori pas toujours vérifiés. Les auteurs chargent un peu le comportement des détenus, par contre ils mettent en scène des gardiens, des responsables et des policiers humains et faillibles, ce qui donne une enquête plausible, intéressante, avec un bon niveau de suspense. Le lecteur est tenu en haleine par l'intrigue qui repose sur des conventions classiques du polar en milieu carcéral, maîtrisées par les auteurs et utilisées avec intelligence. Il remarque aussi qu'il s'agit bel et bien d'un polar car le milieu dans lequel il se déroule est partie intégrante du récit, et pas un simple décor en carton-pâte. John Arcudi a bien fait ses devoirs et respecte les procédures en place, ainsi que le partage des domaines de responsabilité entre les différentes administrations. Il sait mettre en œuvre des moments de suspense intense, que ce soit une autre tentative de suicide, une émeute dans la prison, ou une trachéotomie improvisée au stylo à bille. Il sait aussi réaliser une étude de caractère en toile de fond. le lecteur peut très bien se satisfaire de l'enquête pour trouver le véritable meurtrier et profiter du suspense entretenu par les scènes d'action. Il se rend aussi compte qu'il s'est rapidement attaché au personnage principal. Du fait de sa compétence, Linda Caruso a été encouragée et soutenue par sa supérieure pour passer le concours d'inspecteur et ainsi accéder au grade supérieur. Mais dans sa vie de tous les jours, elle a du mal à se satisfaire d'un boulot pas très intéressant, avec de la paperasse, et finalement pas de résultats concrets comme elle en avait quand elle maintenait l'ordre dans la rue et aidait les citoyens. Son constat amer est renforcé et corroboré par ses échanges avec ses anciens collègues et par le fait qu'elle ait subi une mutation dans la section des crimes de prison, du fait de son comportement pas assez diplomate. Sans en avoir l'air, John Arcudi dresse le portrait d'une femme dont la progression professionnelle méritée l'a éloignée de ses valeurs, et du métier qu'elle aimait exercer. À l'opposé d'une amélioration, elle vit son évolution comme étant imposée, et contraire à ses aspirations et ce qu'elle est. L'enquête criminelle n'est pas seulement la description d'un environnement social, mais aussi le révélateur du malaise psychologique de la principale protagoniste. Sous réserve d'être sensible à cette dimension, ce récit devient un polar accomplissant tout son potentiel. Sous les couvertures, toujours impeccables de Dave Johnson, le lecteur découvre une enquête bien tordue dans un milieu carcéral bien tordu. Il apprécie la qualité des dessins et leur capacité à donner corps aux différents lieux, et à donner vie aux différents personnages. Il se prend rapidement d'affection pour Linda Caruso, une femme complexe, professionnelle, complexée par sa situation professionnelle et sociale, et combative dans le bon sens du terme.

27/08/2024 (modifier)

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Le temps détruit tout. Pour une fois l'expression n'est pas galvaudée et disons le de suite : l'Orfèvre va vous retourner la tête au sens propre comme au figuré puisqu'on y raconte deux histoires se rejoignant quelque soit le choix initial du lecteur pour entamer sa lecture. Partant d'un concept assez fou, ce travail sur 10 ans réalisé entièrement par un artiste inconnu dont c'est la première œuvre risque de marquer durablement votre rétine aussi bien sur le fond que la forme. Sur le fond : il s'agit d'une enquête policière se déroulant dans une ville de Paris au XXième siècle sans plus de précisions au bord de tensions entre le peuple et les autorités. C'est dans ce contexte tendu que l'inspecteur Cisife va rechercher la vérité autour du meurtre sordide d'une femme inconnue dans une sombre ruelle écartée. Privilégiant la manière forte, les divers indices vont l'emmener un peu plus loin vers des personnages peu recommandables... En parallèle, un autre flic va mettre sa vie en danger à l'autre bout de la ville pour sauver une autre femme traquée pour des souvenirs dont elle n'a plus connaissance.... Sur la forme : les deux histoires se rejoignent puisque les histoires se répondent par un jeu de miroirs : il faut en effet lire le livre uniquement sur les pages supérieures jusqu'à la fin de l'ouvrage puis le retourner et recommencer le même principe. Ce qui semble être un gadget narratif se révèle bien plus malin que cela et je n'ai eu de cesse d'aller au bout de l'aventure en écarquillant les yeux constamment, amusé par le procédé et entrainé par le rythme effréné de cette histoire policière à tiroirs. Aurélien Lozes utilise un dessin écrit au bic noir dans un trait très précis et utilise des animaux anthropomorphes pour illustrer sa galerie de personnages ambigus de la même façon que Blacksad. C'est à la fois malin, audacieux et bourré de références cachées dont il ne convient pas ici de dévoiler pour laisser place à la surprise. Le récit est assez violent et entrecoupé de scènes d'action réussies. Ce polar noir à la mise en scène audacieuse flirte fréquemment avec la raison mais également l'intelligence de son lecteur. Il serait cruel d'en dévoiler davantage tout comme le fin mot de l'histoire s'il existe puisqu'on dénombre au minimum deux façons de lire cet ouvrage à moins qu'il s'agisse d'une boucle à l'infini ? Il y subsiste tellement de non dits et de mystères que l'envie de vite y retourner et s'y perdre littéralement me fait furieusement envie.

26/08/2024 (modifier)

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Lutter, c'est vivre ; risquer, c'est vivre. Écarter d'avance le moindre obstacle, c'est la mort. - Ce tome contient une histoire complète, une forme de biographie consacrée au couple formé par Jean Cocteau (1889-1963) & Jean Marais (1913-1998). Sa première édition date de 2023. le scénario a été écrit par Isabelle Bauthian, les dessins et les couleurs par Maurane Mazars. Il comporte cent-dix-neuf pages de bande dessinée. Il se termine avec un trombinoscope de trois pages présentant trente-quatre personnages apparaissant dans l'ouvrage, avec une petite vignette dessinée en gros plan, le nom de la personne, ses dates de naissance et de mort, et une brève présentation en une ou deux phrases. Après une page de remerciements des autrices, vient une liste des principales œuvres de Jean Cocteau. Eugénie Cocteau, la mère de Jean, s'interroge. Elle ne sait pas comment elle a fait pour mettre au monde un poète. C'est très, très difficile. Il a toujours été sensible, cruel, parfois avec elle. Si, si, se souvient-il de ce gros mensonge, dans le train, qui manqué de la faire arrêter ? Avec ses amis, par contre… Ah, ils ne l'ont pas toujours remercié de sa générosité. Elle espère qu'il ne revoit plus cet odieux Maurice Sachs. Bien. En tout cas, elle est contente qu'il prenne enfin soin de sa santé. Et qu'en est-il de son mariage avec mademoiselle Chanel ? Mais pourquoi ne pas lui avouer ? Puisque c'est dans les journaux ! Paris en 1937, les journaux évoquent le fait que par crainte des milliers de tracts distribués par le Front populaire allemand, on ne fait plus l'obscurité dans les rues de Berlin. Jean Cocteau écrit un article sur le génie du boxeur Panama al Brown. Dans le journal Action française, un article tourne en dérision le soutien de Cocteau à Brown. Un soir, Jean Marais reçoit un appel téléphonique de Jean Cocteau qui lui demande de venir immédiatement. Jean Marais se rend en courant à l'hôtel Castille et va frapper à la porte de la chambre de Jean Cocteau. Celui-ci lui indique d'entrer, et il déclare au jeune acteur que c'est une catastrophe, il est amoureux de lui. D'abord pris de court, Marais se ressaisit et répond rapidement que c'est réciproque. le lendemain, l'acteur dîne avec une actrice de la troupe de théâtre et elle le met en garde : s'il devient le nouvel enfant de Cocteau, les gens ne le verront plus jamais autrement. Quelques jours plus tard, le poète le présente à ses amis et ses amants : Christian Bérard, Boris Kochno, Marcel Khill, puis Marie-Laure de Noailles, Panama al Brown, etc. L'actrice continue : tout le monde saura que Jean Marais n'est que le dernier en date de ces médiocres qu'il a parés de tous les talents, tellement il voulait le retrouver en eux. Marais ne comprend pas à quoi renvoie ce Le. Elle explicite le terme : Raymond Radiguet, le plus grand poète de leur génération, l'enfant auprès de qui Cocteau a créé ses plus grandes œuvres. Cocteau n'est plus que l'ombre de lui-même depuis sa mort. Suicidaire terrorisé par la mort, opiomane, médiocre. C'est à cette période qu'il crée sa pièce : les chevaliers de la table ronde. Les éditions Steinkis ont débuté une collection appelé Dryade en 2022, avec Derrière le rideau - Simone Signoret et Yves Montand de Xavier Bétaucourt et Aleksi Cavaillez. La quatrième de couverture rappelle la définition de Dryade : réunion de deux principes qui se complètent réciproquement. Cette collection est consacrée aux couples qui ont marqué les esprits par leur engagement politique, leur créativité, leurs succès et leurs échecs, leurs forces et leurs faiblesses. le présent ouvrage est donc consacré à l'idylle entre l'acteur et le dramaturge qui a duré de 1937 à 1948. Il s'arrête un peu avant. D'un côté, un poète, peintre, dessinateur, dramaturge et cinéaste français, âgé de quarante-huit ans en 1937, de l'autre un jeune acteur qui deviendra également metteur en scène, écrivain, peintre, sculpteur et potier, âgé de vingt-quatre ans. Cette idylle nait alors que le gouvernement d'Adolf Hitler a déjà viré au totalitarisme et que la seconde guerre mondiale approche, avec l'invasion et l'occupation d'une partie de la France. L'histoire personnelle de ces deux créateurs et de leur couple est indissolublement liée à celle de la France. Les autrices ont fait des choix structurels et esthétiques marqués pour rendre compte de cette réalité. S'il commence par feuilleter l'ouvrage pour s'en faire une idée, le lecteur remarque qu'une partie significative de la narration repose sur des dialogues entre les personnages, souvent en plan poitrine ou plus rapproché, parfois en plan taille, avec un décor qui peut être minimaliste ou inexistant en fond de case, une mise en couleurs à base de camaïeu, à l'aquarelle, avec souvent une teinte prédominante pour une scène, du vert ou du rouge, un peu délavés. Il relève également une grande variété de lieux, et une discrète influence manga de type shojo dans certaines expressions de visage mais sans systématisme, souvent pour une émotion particulière plus appuyée. Dans les caractéristiques graphiques, il remarque également l'intégration de brèves coupures de presse qui semblent être des copies conformes d'articles de l'époque avec une reprographie reprenant l'épaississement des caractères et les imperfections d'imprimerie. Majoritairement l'artiste a recours à des traits de contour pour chaque forme, chaque personnage, parfois interrompus le temps d'une courbe ou d'un segment droit, et quelques cases sont réalisées en couleur directe, une certaine liberté d'exécution en phase avec la liberté d'écriture et de création de Cocteau. Dans un premier temps, le lecteur ne sait pas trop comment s'adapter au mode narratif. Les deux pages d'introduction avec la mère de Jean Cocteau atteste de cette liberté visuelle : un dessin en pleine page, faisant penser à collage de différents éléments : la mère représentée en pied à la croisée de ce qui semble être deux faisceaux lumineux, l'un rouge, l'autre bleu, des bombes à ses pieds, une sorte de manteau ou de robe à motifs géométriques sur un mannequin à droite et un acteur ou deux déguisés en âne à gauche, la tête de son fils étant surimposée en lignes blanches. Dans la page suivante, elle est représentée en plan poitrine, jeune dans la première case, puis âgée dans la deuxième, puis en trait de contour délié de profil, puis sous forme d'une poupée gonflable avec un gros plan sur la tête, puis à nouveau comme dans la première page avec un perroquet sur l'épaule en plus. le lecteur ne sait trop quoi en penser. La page suivante comprend trois coupures de presse, un individu sur échelle en train de réaliser une fresque murale, et enfin deux cases, un téléphone qui sonne, un homme en très gros plan sur sa bouche qui répond. Les sept pages suivantes prennent une forme de bande dessinée classique, avec des cases alignées en bande, et ces camaïeux à l'aquarelle qui apportent de la substance, sans pour autant être figuratifs ou représentatifs de la couleur de chaque élément. En page treize, le lecteur découvre trois autres coupures de presse intégrées chacune à la place d'une case dans une bande. Puis en page seize, un autre article et cette fois-ci en surimpression de la case où les deux Jean regardent une danseuse sur scène. Les pages dix-huit et dix-neuf sont construites sur la base de juxtaposition d'images, sans bordure de case, avec un texte qui courent librement. En page trente-neuf, c'est une illustration en pleine page dépourvue de tout mot. En page quarante-quatre, trois bandes de deux cases, sans aucun mot. En page quatre-vingt-cinq, Jean Marais passe à tabac un critique insultant, et le rouge prend la place du noir pour les traits de contour et les aplats. La page quatre-vingt-treize contient uniquement le texte écrit par Jean Cocteau comme salut à Arno Breker, à l'occasion d'une exposition. Les autrices montrent ainsi la relation qui unit les deux créateurs, la manière dont ils se soutiennent, dont Cocteau apprend à Marais à se cultiver, comment ce dernier réconforte le premier pendant les périodes de doute ou de manque. Les coupures de presse apportent un contexte partiel de la montée du nazisme, du déroulement de la guerre, des repères ponctuels et très épars, et aussi des informations sur les représentations, les parutions des œuvres de l'un, les rôles de l'autre. Il semble que l'ouvrage s'adresse d'abord à un lecteur ayant une idée préalable de la carrière de l'un et l'autre de ces deux créateurs, car la narration ne revêt pas une nature pédagogique ou vulgarisatrice. Par exemple, il vaut mieux pouvoir identifier les titres des pièces de théâtre, des films pour avoir l'assurance de ne pas les rater dans une page ou une autre. Sous cette réserve, ou après avoir lu une fiche encyclopédique sur la vie de l'un et l'autre à cette période, le lecteur ressent alors ce qui se joue pour les deux Jean, sur le plan de la création, sur le plan émotionnel, ainsi que l'intrication avec leur relation de couple. Il comprend la difficulté pour l'un comme pour l'autre de choisir s'il doit s'engager contre l'envahisseur et ses idées et comment, sur le dilemme cornélien d'accomplir leur métier de créateur dans une période d'incertitude totale sur la possibilité de faire jouer une pièce, de réaliser un film, de subir la censure, d'aider des amis ou d'autres créateurs qui portent l'étoile jaune. Ces questionnements et les décisions afférentes apparaissent sans manichéisme ni leçon de morale, découlant de la personnalité et l'histoire de l'un et de l'autre. Une collection ambitieuse avec pour objectif de donner à voir l'engagement d'un couple dans son époque. Cette bande dessinée peut sembler un peu difficile d'accès pour un lecteur totalement ignorant de la vie des deux Jean, ce à quoi la simple lecture d'une fiche encyclopédique peut rapidement remédier. Il plonge alors dans une narration visuelle très personnelle, adaptée à la diversité des formes de création de ces deux auteurs. Il ressent la pression de l'Histoire, les événements arbitraires qui influent sur leur vie, en même temps qu'il côtoie deux êtres à la personnalité et à l'histoire différente, et qu'il devient le témoin privilégié de leur relation amoureuse et de la manière dont elle les enrichit l'un l'autre.

26/08/2024 (modifier)

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Les avis sont tous d'accord pour définir cette BD comme une BD jeunesse, à destination des jeunes filles. Alors pourquoi noter cette lecture avec votre regard d'adulte ? J'ai lu celle-ci enfant, et j'en garde un très bon souvenir, c'est pour cela que je la note à travers mon regard de jeune fille de 11-13ans.

25/08/2024 (modifier)

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Voilà une lecture essentielle pour entretenir le devoir de mémoire et le respect de la parole des victimes. Je dois remercier Smart Move pour son bel avis (justement primé) qui a mis en lumière un ouvrage qui était passé de façon incompréhensible sous le radar du site lors de sa première diffusion (Delcourt). Futuropolis a repris le flambeau pour rééditer ce pavé de 500 pages et on ne peut lui souhaiter que beaucoup de succès. Reconnaissance que l'autrice Gendry-Kim a déjà goûtée hors nos frontières quand on lit la liste interminable de prestigieux prix obtenus dans le monde. La thématique des " femmes de réconfort" n'est pas nouvelle en Corée. Depuis les années 90 date des premiers témoignages entendus et acceptés par une société jusqu'alors sourde à la parole des victimes, cette thématique empoisonne les rapports diplomatiques entre le Japon et la Corée (voire d'autres pays conquis et 37-45). Comme le reconnait elle-même l'autrice le sujet a déjà beaucoup été exploité en 20 ans par différentes formes d'art. Peu connu en France ce sujet a pourtant percé en Europe à la suite du témoignage de victimes hollandaises qui étaient devenues les esclaves sexuelles de l'armée impériale japonaise après la conquête de l'Indonésie. C'est très bien expliqué dans l'ouvrage de madame Jung Kyung-a Femmes de réconfort (esclaves sexuelles de l'armée japonaise). Les deux ouvrages se complètent à merveille. Jung Kyung-a avait choisi une vision assez large qui mêlait témoignages de plusieurs victimes mais surtout qui s'appuyait sur les rapports d'expertises du médecin-capitaine Aso Tetsuo qui travaillait à mettre des procédures pour empêcher la diffusion des MST au sein de l'armée. Gendry-kim choisit un récit bien plus intimiste centrée sur le destin de madame Oksun Lee jeune coréenne vivant dans la misère quotidienne avec sa famille. Gendry-Kim remonte ainsi dans le passé colonial du Japon vis à vis de la Corée. L'exploitation à outrance des richesses naturelles et de la main d'œuvre coréenne explique pourquoi une misère endémique régnait dans ces années-là. Le procès du colonialisme n'est plus à faire mais l'ouvrage y apporte sa pierre. Cette colonisation brutale explique à la fois le grand nombre de jeunes filles coréennes abusées par les soldats japonais et le grand nombre d'hommes envoyés en travaux forcés au Japon. Ces 500 pages se lisent très facilement grâce à une construction astucieuse. Le récit historique très lourd ne prend qu'une partie de la narration, c'est toujours traité avec délicatesse mais avec une extrême précision. Le discours est de femme à femme et certains passages ne cache pas grand-chose de l'intimité que ces pauvres jeunes filles essayaient de préserver malgré le manque de tout. Gendry_Kim travaille constamment dans la finesse et la délicatesse, aucune image explicite morbide ou voyeuriste ne vient troubler la douceur du récit. Cette douceur contraste avec force avec la dureté et la sauvagerie du contexte. Une sauvagerie qui va durer bien après la fin de la guerre. L'autrice se met en scène dans des scènes d'interviews avec Oksun qui a alors presque 90 ans. Cela permet à l'autrice de s'interroger sur la légitimité de sa démarche. Elle nous fait part de ses doutes et de ses interrogations quant à introduire tel ou tel sujet sensible (comme le premier viol, l'hygiène féminine, les enfants). L'autrice ne se met jamais en avant et laisse la parole se libérer d'elle-même. On n’interviewe pas une personne de cet âge avec de tels traumatismes comme un joueur de foot multimillionnaire égocentrique. Il faut une grande qualité d'écoute tout particulièrement pour des personnes qui n'ont pas été écoutées pendant des décennies. La parole est donc souvent rare toujours riche malheureusement cruelle. Gendry-Kim se heurte à la problématique de l'image de l'indicible. C'est vrai pour tous les auteurs qui racontent l'ignoble de masse : Rwanda, Cambodge, Shoah, Congo... Gendry-Kim choisit l'implicite qui souvent à bien plus de puissance que l'image crue. En choisissant de peindre des paysages d'arbres parfois en fleurs parfois tourmentés, l'autrice nous renvoie à l'insignifiance de la folie humaine pour une nature qui va son chemin de résilience malgré les bombes et les atrocités. Le trait au pinceau est très fluide et souple. Cela permet à l'autrice de travailler sur les épaisseurs de tracés. Les noirs sont très présents surtout dans la partie historique. A eux seuls ils produisent cette ambiance d'enfermement insupportable vécue par Oksun et ses amies. J'ai trouvé beaucoup d'originalité et de caractère à cette narration graphique si importante dans l'équilibre de la série. Un must injustement ignoré par les festivals en France.

25/08/2024 (modifier)

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Un homme qui prend de la place - Ce tome contient une histoire complète et indépendante de toute autre, initialement parue en 2009, écrite, dessinée et mise en couleurs par Matt Kindt. Cette histoire est racontée en trois parties distinctes et chronologiques. Dans la première partie, Marge Pressgang se souvient de son époux, mort sous les drapeaux pendant la seconde guerre mondiale. Elle déplore le peu dont elle arrive à se souvenir de lui. Elle était enceinte de Graig qu'elle a dû élever seule. Assez rapidement, il est apparu que la croissance de son fils était anormale : il grandissait plus vite que les autres, sans que son développement ne semble atteindre une limite, 2 mètres, 3 mètres et plus. Il était un élève effacé et studieux avec de bons résultats scolaires. le lecteur prend connaissance du point de vue de Marge, sans accès aux pensées ou émotions de Craig. La deuxième partie continue l'histoire de Craig depuis son entrée à l'université. Elle est narrée du point de vue de Jo, sa copine qui deviendra sa femme. Cette partie comprend une dizaine de pages pendant lesquelles Jo écoute le journal intime de Craig qu'il a enregistré sur des bandes magnétiques. La troisième et dernière partie est racontée du point de vue d'Iris, la fille de Jo et Craig, qui recherche les traces de son père disparu pour écrire un livre sur lui. Une histoire de géant au vingtième siècle racontée pour des adultes : Matt Kindt utilise un élément fantastique classique qu'il met en scène à sa manière. Il raconte de manière plutôt réaliste la vie d'un homme qui n'a pas arrêté de grandir (il y a une explication rapide à cet état de fait exceptionnel) dépassant les 3 mètres, et comment il trouve sa place dans la société, comment la société l'intègre. Kindt ne se sert pas d'un dispositif narratif fantastique pour se lancer dans un récit d'action. À partir de point de départ (l'existence d'un vrai géant), il envisage de façon littérale sa vie. Quelles sont ses relations avec son entourage ? Comment trouve-t-il des vêtements à sa taille ? Qui lui fabrique des lunettes ? Quelles sont les conséquences physiologiques de cette taille démesurée ? Comment a-t-il aménagé ses toilettes ? Comment fait-il pour se faire couper les cheveux ? Cette approche prosaïque et terre-à-terre permet au lecteur de plus facilement consentir la suspension d'incrédulité nécessaire pour accepter cet élément fantastique. L'utilisation de 3 narratrices pour raconter l'histoire facilite également l'empathie du lecteur qui perçoit l'existence de ce géant à travers elles qui l'ont côtoyé au quotidien, comme un être humain et pas comme un phénomène de foire ou comme un monstre. La propre acceptation de ces femmes entérine l'existence de Craig, avec sa taille impossible. le style graphique utilisé par Kindt renforce encore cette approche en douceur de cet individu hors norme. Il réalise des dessins délicats, légèrement encrés, donnant parfois l'impression que certaines formes ont simplement été détourées au crayon, sans avoir été repassée à l'encre, évoquant parfois une esquisse prise sur le vif. Kindt a réalisé lui-même la mise en couleurs, à base d'aquarelles dans des teintes pastel. Cela confère à la fois un côté rétro (l'histoire se déroule dans les années 1960), et accentue aussi la sensibilité du regard porté sur Craig. Pour autant, il n'y a aucune forme de niaiserie ou d'ingénuité dans les dessins, simplement un regard un peu nostalgique. Loin de présenter une apparence fade ou uniforme, les pages présentent de nombreuses surprises, dans la forme comme dans le fond. Pour commencer, Matt Kindt n'hésite pas à jouer avec la forme en insérant un plan masse d'une maison sur papier à fond bleu, ou des publicités pour une entreprise de construction dans un style années 1950, des extraits de journaux découpés et collés dans un cahier (scrapbook), un compte-rendu d'exposition artistique, ou encore la couverture d'un livre de propagande à la gloire de l'homme géant. Sur 190 pages de BD, ces facsimilés représentent un faible pourcentage de la pagination, mais ils introduisent une variété et une volonté de sortir du cadre, rendant la narration plus vivante, plus inattendue. À plusieurs reprises, le lecteur tombe sur une case représentant un élément totalement inattendu qui n'a rien de choquant dans la mesure où il est représenté de la même manière que le reste, mais qui surprend pris en dehors de son contexte. Par exemple, le dessin relatif aux toilettes du géant présente une apparence totalement inoffensive, mais son sens relève bien des besoins naturels de l'homme. Il y a également cette image évoquant la possible intervention du géant au Vietnam pendant la guerre qui évoque immédiatement l'avancée inexorable de Jon Osterman dans une jungle analogue dans Watchmen. Sur le fond, la délicatesse des graphismes transcrit bien l'affection des femmes regardant ce monsieur. Sans aller jusqu'à parler d'approche graphique à sensibilité féminine (un peu réducteur comme définition), Matt Kindt sait donner une personnalité à chacune de ces trois femmes, ainsi qu'un point de vue plus ou moins mélancolique qui vient apporter une touche poétique à l'existence de ce géant. Au-delà de ce drame humain raconté sans pathos exagéré, le lecteur peut parfois entrevoir une métaphore dans son existence. Matt Kindt joue donc sur les mots avec son titre "3 story" qui évoque aussi bien 3 histoires (celle de la mère, de l'épouse et de la fille) que la taille de Craig Pressgang (3 story = 3 étages). Dans la première partie, la mère de Craig évoque la mort de son père à la guerre, et le fait qu'il ait grandi sans présence masculine. le lecteur peut voir dans le gigantisme de Craig, le fait qu'il n'y a pas eu de père pour cadrer son évolution et lui imposer des limites. Dans la partie narrée par Jo (sa femme), il est possible de voir dans le gigantisme de Craig le fait qu'il prend toute la place, qu'il occupe tout l'espace vital de sa femme. Par opposition, Iris (sa fille) marche sur les traces de son père, ce qui l'amène à découvrir le monde, toute la surface qu'il a parcourue. Pour cette histoire, on peut parler de bande dessinée d'auteur, dans laquelle Matt Kindt utilise un dispositif narratif artificiel (l'existence d'un géant dans la deuxième moitié du vingtième siècle) pour montrer la vie quotidienne autrement et parler des relations entre mère / fils, femme / époux et fille / père sous un angle original.

23/08/2024 (modifier)

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Kyle Baker : un créateur hors norme - Ce graphic novel est parue initialement en 1992 au début de la carrière de Kyle Baker, deux ans après La légende de Cowboy Wally et des épisodes délirants de The Shadow (avec Andy Helfer, chez DC Comics). À l'époque DC Comics disposait d'une branche d'édition (Piranha Press) pour les projets de comics qui ne ressemblait à rien de connu. Effectivement, Why I hate Saturn sort de tous les schémas traditionnels des comics et même de la bande dessinée. Kyle Baker nous invite à suivre les mésaventures d'Anne, une jeune journaliste newyorkaise, peu sérieuse, très en retard, malchanceuse en amour, déjà cynique, travaillant pour un magazine de tendances et dotée d'une sœur peu commune. Sa sœur est une végétarienne, elle est persuadé qu'elle vient de la planète Saturne et il s'avère qu'elle est poursuivie par un amoureux transi peu commode. Les deux tiers de l'action se déroulent à New York entre des bars, le bureau de l'éditeur du magazine et l'appartement d'Anne. le dernier tiers se déroule en Californie, entre les fauteuils des gares routières, la rue (Anne devient même SDF pendant quelques jours) et une escapade dans le désert de l'Arizona, passage qui évoque Thelma & Louise en plus drôle. Cette histoire appartient en premier lieu au registre de l'humour, version dialogues piquants basés sur les petites et grandes absurdités de notre société. La trame de l'intrigue permet à Kyle Baker de dessiner autre chose que des têtes en train de parler. Premier constat : Kyle Baker dispose d'un humour drôle qui fait mouche à chaque fois et je me suis surpris à pouffer à haute voix à plusieurs reprises (sous les regards navrés de mon entourage). Deuxième constat : les différents personnages sont tous dotés d'une personnalité très crédible et réaliste. Ils sont attachants et il est impossible de ne pas se reconnaître dans certaines de leurs manies ou de leurs jugements de valeur. Ensuite, cette histoire n'a pas vieillie, l'humour est toujours aussi pertinent : peut être même encore plus cruel en ce qui concerne l'ultramoderne solitude et l'invisibilité des SDF. Les illustrations de Kyle Baker sont très particulières : des visages en très gros plans, avec des traits simplifiés (on est à l'opposé du photoréalisme) et des expressions faciales exagérées qui sont irrésistibles. La suite de la carrière de Kyle Baker est tout aussi imprévisible et éclectique : de l'humour de superhéros avec Plastic Man (On The Lam), des commentaires sociaux avec Nat Turner, des récits bibliques avec King David ou de la dénonciation de l'oppression des noirs avec une histoire de Captain America (Truth) et même des classiques de l'autre côté du miroir de Lewis Carroll.

23/08/2024 (modifier)

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J'ai adoré comme beaucoup les 3 premiers tomes. Cependant au vu du peu d'album durant ses décennies, j'ai comme l'impression que Franck Pé aime moins son personnage que nous. D'ailleurs je n'arrive pas à comprendre pourquoi il y en a si peu.

23/08/2024 (modifier)

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Je ne peux pas vivre dans un univers dépourvu de sens. - Ce tome correspond à une biographie s'étalant de 1831 à 1881, de Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski (1821-1881). Elle a été réalisée par Chantal van den Heuvel pour le récit, et par Henrik Rehr pour les dessins et les couleurs. Sa première publication date de 2023. Elle comprend cent-vingt-cinq pages de bande dessinée. Elle se termine avec sept pages de recherches graphiques, une liste des œuvres de l'écrivain publiées aux éditions Gallimard, et de la collection Bibliothèque de la Pléiade. La dernière page liste les œuvres des mêmes auteurs. 22 décembre 1849, Saint-Pétersbourg, forteresse Pierre et Paul. Les soldats emmènent un groupe de prisonniers dans lequel se trouve Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski. Ils les font sortir de prison et les emmènent en fourgons tirés par des chevaux. Après huit mois de cachot, ils sont ravis de pouvoir revoir le soleil, tout en étant un peu inquiets de savoir ce qui les attend. Lorsque les fourgons s'arrêtent, ils doivent en descendre sans ménagement, et ils découvrent des poteaux auxquels ils vont être ligotés pour être fusillés. Nikolaï Spechnev et Dostoïevski sont parmi les trois premiers à être dirigés vers les poteaux d'exécution. L'écrivain se souvient de sa jeunesse. En 1831, à l'âge de dix ans, il se trouvait avec son frère Mikhaïl dans les couloirs d'attente de l'hôpital Marinsky à Moscou, où travaillait son père. Ils observaient les pauvres en train d'attendre pour leur consultation, en constatant leur laideur. Leur père sort de son cabinet, constate qu'ils sont là à ne rien faire. Il les prend par le col et les ramène dans le salon et les force à s'assoir à table pour reprendre leurs devoirs. La mère préfèrerait qu'il se montre moins dur. Fiodor refuse de baisser les yeux, le dévisageant avec insistance. Pour la santé de la mère, la famille déménage dans une petite propriété à cent-cinquante verstes de Moscou, Daravoié, que le père a pu acheter, ainsi que le village attenant Tchermachnia. Là, la mère retrouve sa santé, et le jeune Fiodor, encore un petit garçon, peut jouer avec les fils de paysans. Il prend conscience que ces derniers sont au service de son père qui peut les faire battre en guise de justice. Il est la victime d'une plaisanterie de Pavel, un de ses amis, lui faisant croire qu'il y a des loups dans la région. Il est rassuré par un vieux moujik qui lui assure que le Christ est avec lui. Puis Fiodor repense au décès de sa mère, à son père qui noie son chagrin et cherche du réconfort dans l'alcool. Puis viennent les années d'études passées à l'école centrale du génie militaire de Saint-Pétersbourg, son père payant des études à ses fils. D'un côté, Fiodor peut lire des auteurs comme Honoré de Balzac et Victor Hugo ; de l'autre côté, il ne parvient pas à s'intégrer au milieu des autres élèves qui n'hésitent pas à maltraiter les serviteurs pour leur amusement. Il ne comprend pas qu'on ne puisse pas éprouver de la pitié pour des malheureux sans défense. Voilà une entreprise quelque peu intimidante : relater la vie d'un écrivain, un des plus grands romanciers russes, pas moins que l'auteur de Crime et châtiment (1866), et mettre en regard la production ou l'écriture de ses œuvres. Pour autant, le média qu'est la bande dessinée se prête bien à cet exercice, donnant à voir cette reconstitution qui sinon pourrait être encore plus intimidante ou parfois paradoxalement quelque peu désincarnée ou trop romanesque. La scénariste a donc choisi de commencer son ouvrage en bousculant quelque peu la chronologie pour agripper le lecteur d'entrée de jeu, avec l'exécution par fusillade de l'écrivain. Puis retour en 1831. Ce n'est qu'à partir de la page quatre-vingt-huit qu'elle abandonne ce dispositif de retour en arrière pour reprendre une chronologie linéaire. Cette façon de faire permet au lecteur de découvrir les commentaires de Fiodor Dostoïevski sur telle ou telle partie de sa vie. Par exemple, il explique à sa nouvelle secrétaire qui doit prendre la dictée de ses romans en sténographie, les séquelles qu'il a gardées de ses quatre années de bagne, ainsi que les observations qu'il a pu faire sur ses compagnons de bagne, des prisonniers de droit commun, des Russes du peuple. le lecteur remarque assez aisément qu'à d'autres moments, la scénariste place dans la bouche du personnage, des citations extraites de la bibliographie du romancier, souvent de ses romans. Il s'agit d'un dispositif qu'elle utilise avec parcimonie et à-propos. La vie même de Fiodor Dostoïevski constitue un véritablement roman : ses débuts d'écrivain, son comportement ingrat vis-à-vis de son père qui finance tant bien que mal son train de vie, ses convictions et ses activités politiques, son premier mariage, son évolution en tant qu'auteur, son passage au bagne puis dans l'armée, son second mariage, ses problèmes d'argent, ses soucis de santé, son addiction au jeu, ses pérégrinations en Europe, les exigences déraisonnables des membres de sa famille qu'il entretient, etc. le lecteur découvre ou retrouve la mise en scène des différentes phases de la vie du romancier, au travers de moment choisis, avec cette proximité qu'offre la bande dessinée, le lecteur pouvant voir les personnages, leurs activités, leur condition de vie. Le dessinateur a donc fort à faire pour montrer la vie de Fiodor Dostoïevski : une reconstitution historique pour les lieux, les tenues vestimentaires, les accessoires de la vie courante de tout ordre, mais aussi insuffler de la vie aux personnages, les rendre identifiables, se montrer conforme aux photographies de l'écrivain et de son entourage, concevoir des mises en scène visuelles quand Dostoïevski se met à déclamer. le lecteur constate que les lieux ne bénéficient pas d'une description qui serait d'un niveau photographique, et pour autant chaque endroit s'appuie sur des recherches, avec un niveau de détail déjà exigeant. Rien que dans les deux premières pages, Henrik Rehr doit représenter une vue du ciel de la forteresse Pierre et Paul conforme à la disposition des bâtiments qui la composent, représenter le bon modèle de fourgon à cheval utilisé à l'époque, reproduire avec exactitude les uniformes de la police et leurs armes. Par la suite, la biographie de Dostoïevski lui mène la vie dure, à commencer par ses années d'errance. L'artiste représente des lieux aussi variés que la campagne russe l'été avec de belles zones herbeuses et un ravin angoissant (très beau jeu de couleurs s'assombrissant), la grande bibliothèque de la demeure bourgeoise des Dostoïevski, la scène d'un théâtre où se tient un ballet d'opéra, une vue du ciel d'un quartier de Saint-Pétersbourg, le quartier des prostituées de la même ville, un grande salle réception mondaine, d'autres vues du ciel de différents quartiers de Saint-Pétersbourg, les baraques du bagne d'Omsk en Sibérie sous la neige, le bureau assez simple de Dostoïevski dans un appartement modeste, la façade du Crystal Palace à Londres, les toits de Paris, la campagne italienne, Naples, Moscou, Dresde, Genève, Florence, Optina, etc. La représentation des personnages est gérée avec la même approche : un bon niveau de détails pour leur visage pour les rendre plus facilement reconnaissables, pour leur tenue vestimentaire, avec parfois une augmentation du niveau de détails quand la séquence le requiert. La scénariste pense sa narration en termes visuelles et le dessinateur conçoit des plans de prises de vue qui ouvre le champ de vision du lecteur, ne se limitant pas à des cadrage plan taille avec un fond vide. À l'opposé d'une enfilade de dialogues, la narration visuelle réserve moult surprises : la découverte des poteaux d'exécution, la présence d'un hamac dans une chambre pour se reposer, la circulation de voitures à cheval et de traineaux sur la Neva gelée, la longue file des bagnards avec leur chaîne à la cheville progressant dans un champ de neige, l'envol d'un corbeau vers la liberté, le recours à des chameaux comme bête de somme, la foule des miséreux s'avançant vers le Crystal Palace pour une métaphore visuelle terrifiante, des pourceaux habités par l'esprit de démons se précipitant de la montagne dans un lac pour une autre métaphore, etc. Voici donc le lecteur à même de découvrir la vie de cet immense auteur russe, et il vaut mieux avoir une petite idée de la saveur de son écriture pour apprécier ces différents moments, en particulier son sentiment de culpabilité, sa relation douloureuse à la morale chrétienne, sa sensation de fatalité, sinon certains passages sembleront alourdis par un pathos exacerbé. La scénariste relie donc l’œuvre du romancier avec sa vie que ce soit les quatre ans de bagne, ou l'exposé de projets de roman. Elle met en scène la dimension économique et financière de sa vie, ses engagements politiques, sa tendance à fuir quand la pression de la famille ou des créanciers devient trop forte, des anecdotes incroyables (l'éditeur escroc Stallovski), la reproduction de certains schémas comme les enfants ou la famille proche qui vit aux crochets du père. Les auteurs savent montrer les conditions dans lesquelles naissent l’œuvre de Fiodor Dostoïevski. Ils ont fait le choix de s'attacher à cette dimension de sa vie, plutôt qu'à la teneur de son œuvre, rien ne remplaçant la lecture de ses romans. La dernière page tournée, le lecteur peut éventuellement rester avec un questionnement sur le sens à donner au soleil noir évoqué dans le titre : l'écrivain lui-même, la réalité historique de la société dans laquelle il a vécu ? Au vu de l'immensité imposante de l’œuvre de Fiodor Dostoïevski et de sa notoriété intimidante, les auteurs doivent faire des choix quant à ce qu'ils souhaitent évoquer, développer, représenter. le lecteur peut entretenir un petit a priori sur la consistance des dessins en feuilletant l'album. À la lecture, il découvre une densité d'informations visuelles apportant une consistance remarquable aux nombreux endroits et aux personnages, pour une reconstitution historique de qualité. La vie de l'écrivain russe lui apparaît à la fois dans sa matérialité, sa relation avec ses proches, avec sa compagne, le bagne, l'exil, les voyages en Europe, à la fois dans ses idées et ses principes, sa conviction sociale, la dimension spirituelle de ses réflexions, sa discipline de travail, ses failles comme son recours au jeu avec l'espoir d'améliorer sa situation financière. Le lecteur en ressort avec la sensation d'avoir côtoyé Fiodor Dostoïevski pendant toutes ces années, à la fois impressionné, à la fois un peu étourdi après tant d'événements, à la fois habité par une commisération pour ses souffrances morales.

23/08/2024 (modifier)

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La vie est faite de musique, et dans une bonne musique les notes s'accordent et se confrontent. - Ce tome contient un récit complet, indépendant de toute autre. Sa première publication date de 2022. Il a été réalisé par Edmond Baudoin pour le scénario et les dessins, sans oublier l'expérience de vie. Il comprend soixante-treize pages de bandes dessinées en noir & blanc. Grenoble : une ville. Avec son agglomération, 510.000 humains vivent ici. C'est la plus grande métropole des Alpes, devant Innsbruck et Bolzano. Deux mille ans d'histoire. Stendhal est né dans cette ville. Il disait d'elle : Au bout de chaque rue, une montagne. Grenoble est un radeau sur une mer démontée. Les vagues qui l'environnent ont des noms : le Vercors, la Chartreuse, Taillefer et Belledonne. Si l'on va sur la crête d'une des vagues, il y a certains jours où la ville est invisible. Sous la mer. Une mer de nuages. Grenoble se cache le visage, souvent. Edmond veut pourtant essayer de faire son portrait. Qu'elle fasse son autoportrait. Elles disent beaucoup les rues de Grenoble, souvent austères à ses yeux de niçois. Hors le centre, pas de cohérence. Grenoble, c'est Marseille en montagne. Son visage est celui d'une vieille dame qui rajeunit, non pas qui se maquille, non pas qui mute. C'est une sensation, il n'a pas connu Grenoble avant aujourd'hui. Et aujourd'hui, il veut faire son portrait. Celui d'un instant puisque, très vite, elle sera autre. La vie pulse à Grenoble. Et la vie c'est l'humanité. Alors, faire son portrait, c'est faire celui de ses habitants. de ceux qui sont nés ici, de ceux qui y vivent, de ceux qui y passent. Dessiner le visage des habitants de la ville, ceux qu'il va rencontrer. Échanger ce dessin contre une réponse à la question : Dis-moi toi et Grenoble ? En ce début de 2021, je rêve. En mars 2020, nous étions sept milliards huit cent millions sur la planète Terre. La plupart du temps, nous nous croisons sans nous arrêter. Et nous sommes aujourd'hui si nombreux à marcher sur les chemins qu'on ne se dit plus bonjour. Faire le portrait de quelqu'un, c'est s'arrêter avec ce quelqu'un un moment qui fait en sorte qu'un nom, un prénom se met à exister sur le visage. Jean répond à la question de Baudoin en indiquant qu'il voudrait un monde plus apaisé et, pour la ville de Grenoble, une plus grande préoccupation dans son patrimoine. Mohamed répond à la question de Baudoin : Grenoble pour lui, c'est la soeur jumelle de la Kabylie. C'est pour cette raison qu'il l'a choisie il y a plus de quinze ans. Ici, il y a les Alpes ; là-bas la chaîne de Djurjura qui revêt son blanc manteau en hiver. Les montagnes et la nature le rassurent, l'émerveillent en permanence. Elles sont, à son sens, une porte directe qui donne sur la poésie qui permet de vivre dans la poésie véritable. Cette poésie qui permet de vivre dans la sérénité malgré la violence du monde. Grenoble, c'est aussi une terre vivante culturellement et maintenant des amitiés multiples. C'est le quatrième album de l'artiste fonctionnant sur le principe de la question posée à des habitants, avec un portrait d'eux pour les remercier de leur réponse : Viva la vida (2011) avec Troubs, Le goût de la terre (2013) avec Troubs, Gens de Clamecy (2017), Humains : La Roya est un fleuve (2018) avec Troubs. À chaque fois, Edmond Baudoin s'éloigne encore plus de la bande dessinée. Il n'y a qu'à regarder la mise en page. La première est constituée d'une case de la largeur de la page, qui en occupe la moitié, un dessin à l'encre, une vue de Grenoble à moitié esquissée, avec de nombreux traits pour rendre compte d'une texture, et du texte en dessous évoquant la ville. La suivante est composée de deux cases de la largeur de la page, une vue des montagnes et des sapins et une sorte de carte avec des reliefs simplifiés, avec quatre phrases écrites entre les deux cases. Dans la suivante, le texte l'emporte avec deux illustrations, l'une d'une tête sculptée, l'autre de Baudoin en plan rapproché. Page dix, l'artiste a intégré deux portraits qu'il a réalisés, avec le texte de la réponse à la question : Dis-moi toi et Grenoble ? Ainsi qu'une frise de têtes indistinctes en haut de page, et une autre de têtes distinctes en bas de page. Dans la suivante, le lecteur découvre une autre réponse à la question, et puis dans la seconde moitié de la page, une vue de la place Saint André par temps de Covid. Le lecteur peut ainsi prendre note des différentes structures de page qui font autant de surprises : la reproduction d'une affiche pour la saison 99/2000 du théâtre de Grenoble en page 14, neuf portraits en plan rapproché sagement disposés en bande avec des bordures de case en page 15, des dessins en double page de Grenoble, dépourvus de texte (pages 24 & 25, 34 & 35, 40 & 41, 60 & 61, 70 & 71), une poignée de portraits réalisés par les interrogés eux-mêmes, quelques dessins à la plume, d'autres vues de Grenoble, un extrait de la bande dessinée Personne ici ne sait qui je suis (réalisée par Coline, dont le titre est une phrase extraite de Nous réfugiés, d'Hannah Arendt), une photographie en noir & blanc de Grenoble, un portrait de l'artiste assis sur une chaise, exécuté par lui-même, un texte de deux tiers de la page écrit par Delphine sur sa grand-mère Colette, l'idéogramme japonais qui signifie le voyage, un dessin du matériel que Baudoin utilise pour dessiner (son pinceau en poil de martre et son encrier japonais en cuivre), et même deux pages de bandes dessinées traditionnelles avec des cases disposées en bande (pages 56 & 57). Il peut même se permettre de terminer en consacrant la dernière page à un texte que lui a remis Carole, une Grenobloise, évoquant et développant sa condition de planéterrienne, ne possédant rien, ne disposant que de peu de temps, portant son chez soi en elle-même, bousculant ses habitudes, accouchant de ses rêves, croyant en la vie, sachant lâcher prise, inventant, etc. Est-ce encore de la bande dessinée ? Comme pour beaucoup d'ouvrages de cet auteur, cette question ne présente pas d'intérêt. Ce créateur effectue un séjour du 18 janvier au 5 mai 2021 dans cette cité. Il souhaite retranscrire son séjour et les rencontres qu'il y a faites. Il parvient à concilier une vision et une expérience qui lui sont propres, avec sa personnalité et la temporalité de son séjour, avec une approche holistique sophistiquée, en mettant bout à bout les réponses des habitants qu'il a croisés, en insérant de ci de là quelques pensées personnelles. Il brosse ainsi le portrait de Grenoble, non pas dans sa totalité, mais au travers des réponses des individus qu'il a rencontrés, c'est-à-dire de l'expérience personnelle qu'il a eu de cette ville, en mentionnant les rues désertes confinement oblige. le lecteur éprouve la sensation de faire l'expérience de Grenoble comme Edmond Baudoin l'a faite, à travers ces rencontres, mais aussi avec sa sensibilité et ses centres d'intérêt développés tout au long de sa vie. Cette lecture constitue une évocation à l'opposé d'un article encyclopédique. le lecteur n'y trouvera pas un ensemble d'informations structurées de manière académique, mais des petites touches individuelles qui transcrivent chacune un échange entre l'auteur et un habitant. Mohamed qui est venu de Kabylie il y a quinze ans et qui s'est établi à Grenoble. Tess qui est née à Grenoble, qui est montée à Paris et qui est revenue pour retrouver l'odeur et les couleurs des saisons, s'apaiser au creux des montagnes. Magali qui a quitté la capitale pour venir y faire ses études et qui s'y est installée, qui y élève ses trois enfants. Mousskid et Ali arrivés de Guinée en 2016. Richard, directeur de Point d'eau, une boutique de solidarité de la Fondation Abbé Pierre dont les deux activités principales sont l'hygiène et la santé, et l'accompagnement social, et qui accueillent d'autres associations comme Le Planning Familial, AIDES, EMLPP, Prométhée. Rachid qui enseigne bénévolement à Point d'eau. Baptiste en formation de guide, Damien accompagnateur en montagne, Benoît guide. Mohamed Boumeghra comédien, metteur en scène, calligraphe, directeur de la compagnie de théâtre Sud Est théâtre. Céline bibliothécaire aux Eaux-Claires qui s'exprime sur la politique culturelle de la ville. Bruno scientifique à l'institut Laue-Langevin, organisme de recherche spécialisé en sciences et technologies neutroniques exploite un réacteur à Haut Flux de neutrons pour la recherche. Patrick Souillot qui, avec la Fabrique Opéra, depuis quinze ans, a créé un projet d'opéra coopératif qui correspond à l'esprit d'innovation, de solidarité, de culture. Etc. Le titre de cet ouvrage s'avère des plus explicites et des plus adéquats : Edmond Baudoin compose des pages sur la base du portrait en très gros plan qu'il a fait de plus de soixante-dix Grenoblois rencontrés durant son séjour dans la ville d'un peu plus de quatre mois. Comme il l'écrit lui-même : Faire le portrait de quelqu'un, c'est s'arrêter avec ce quelqu'un un moment qui fait en sorte qu'un nom, un prénom se met à exister sur le visage. Le lecteur croise ces êtres humains et s'arrête avec l'auteur pour les écouter parler de leur ville. Un portrait se constitue, une réponse après l'autre, de Grenoble, ou tout du moins de la vision et du vécu qu'en a chaque habitant rencontré. Une lecture peu commune, bénéficiant de la bienveillance inconditionnelle d'Edmond Baudoin, de curiosité insatiable, de son appétence pour les rencontres vraies.

22/08/2024 (modifier)

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