Les derniers avis (229 avis)

On ne compte plus les adaptations en bande dessinée de cet objet de pop culture qu’est Frankenstein. Dès lors, comment renouveler le mythe en évitant la redite ? David Sala l’a fait et s’en sort haut la main qui plus est. S’il est resté tout à fait fidèle à la narration originelle en conservant sa simplicité et son côté captivant, la valeur ajoutée se trouverait davantage dans la partie graphique. En premier lieu, on ne peut être qu’impressionné devant la beauté du dessin. Chaque case est un véritable petit tableau intégrant une grande variété de courants picturaux allant de l’impressionnisme à l’expressionisme, en passant par le symbolisme, avec même une touche de romantisme, d’art naïf, abstrait, onirique ou encore psychédélique. Comme on avait déjà pu s’en rendre compte avec « Le Poids des héros » ou « Le Joueur d’échecs », adaptation d’un roman de Stefan Zweig, David Sala possède une grande maîtrise de la couleur, avec des tonalités chatoyantes pour les rares passages de félicité, plus sombres et plus austères pour une grande partie de ce récit tragique. Tout cela fait de ce « Frankenstein » une sorte de condensé de l’histoire de la peinture depuis la fin du XXe siècle. Ce qui est très appréciable également, c’est la façon dont est représentée la créature du docteur. Non seulement on oubliera assez facilement le filigrane tenace de Boris Karloff, mais en outre, ce n’est pas un monstre au sens propre auquel nous avons affaire ici. La monstruosité du personnage réside plutôt dans sa taille immense que dans son visage, qui, toute proportion gardée, est presque celui d’un « beau gosse », si ce n’étaient les cicatrices qui lui barrent le visage et ses yeux un rien exorbités, mais exprimant une profonde mélancolie. Son corps est une sorte de patchwork de chairs bleuâtres et violacées (et c’est ici que la palette utilisée par Sala prend tout son sens), sa silhouette torturée semble tout droit sortie d’un tableau d’Egon Schiele, et la couverture offerte par sa bienfaitrice au début de l’histoire évoque immanquablement Gustav Klimt. Le monstre n’est alors plus un monstre : sa laideur est transcendée, il est devenu une véritable sculpture, un objet d’art qui aurait plus sa place dans un musée que dans une histoire horrifique. Cette approche permet de faire ressortir toute l’humanité de cet être paria, dépourvu du statut d’humain mais dont la sensibilité le rend mille fois plus humain que la plupart des « vrais » humains, notamment ceux, au début du récit, qui laissent exploser leur haine à son encontre par un terrible effet de meute. Cela renforce du même coup l’empathie du lecteur, qui percevra de façon plus prégnante son immense solitude existentielle, et comprendra mieux, sans toutefois l’approuver, son désir de vengeance vis-à-vis de son créateur qu’il accuse de l’avoir abandonné. Voilà pourquoi le « Frankenstein » de David Sala est beaucoup plus qu’une simple adaptation, c’est même d’ores et déjà une des meilleures BD de cette année 2026. Au fil des albums, David Sala n’a cessé d’affiner son style graphique en s’éloignant d’un certain classicisme des débuts, qui toutefois portait déjà en lui les germes d’un grand dessinateur. Désormais, il peut revendiquer un statut : celui d’artiste établissant une passerelle entre la bande dessinée et la peinture.

19/05/2026 (modifier)

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Coutumiers du registre fantastique et d’adaptations des grands classiques de la littérature (« Hamlet », « Le Fantôme de l’opéra », « L’Enfer de Dante », « Don Quichotte » …), Paul et Gaëtan Brizzi se sont cette fois emparés d’une des nouvelles les plus célèbres du romancier français Guy de Maupassant. Edités tour à tour par Futuropolis ou Daniel Maghen (un gage de qualité d’un point de vue graphique), les deux frères se sont vus fort logiquement proposés par Futuro de créer une collection qui sera dédiées à leurs œuvres, « La Bibliothèque fantastique de Paul & Gaëtan Brizzi », une forme de consécration pour ces artistes de talent… Ce « Horla » fait donc office de tome fondateur, sans doute le premier d’une longue série qui pourrait d’ailleurs voir s’y greffer le déjà paru « Fantôme de l’opéra ». Le récit a été adapté à de nombreuses reprises par le cinéma, la télévision, le théâtre ou même la bande dessinée — il s’agit là de la troisième, après celles de Guillaume Sorel, et du duo formé par Frédéric Bertocchini et Eric Puech. Les Brizzi quant à eux se sont montrés respectueux de l’œuvre originale en la fusionnant avec leur style intemporel mais évoquant toujours ce XVIIIe siècle qu’ils affectionnent, tout comme l’illustrateur Gustave Doré dont on sent clairement l’influence dans leur travail. Ainsi, il faudra plus y voir un hommage qu’une adaptation émancipée de la nouvelle d’origine, un parti pris tout à fait légitime puisqu’après tout, c’est la marque de fabrique des deux jumeaux qui aiment à immerger le lecteur dans cette littérature d’un autre siècle nimbée de mystère. Seul bémol, on aurait souhaité un développement plus graduel du récit ou une exploration psychologique plus fouillée du personnage principal, mais rappelons que le récit originel est court également. Cependant, il ne fait aucun doute qu’avec ce premier opus, doté d’une couverture élégante aux tonalités marron, cette collection prometteuse fera sans doute le bonheur des admirateurs de l’inséparable duo.

19/05/2026 (modifier)

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Voilà une série plutôt réussie sur l’Allemagne nazie. Elle prend le temps au début de montrer comment les Nazis accentuent leur emprise sur la société, comment peu à peu évoluent – par opportunisme autant voire plus parfois que par conviction – des personnages « ordinaires. Et comment, une fois Hitler au pouvoir, tout s’accélère. Au cœur de l’intrigue, le héros, Karl Stieg est un Allemand ordinaire, a priori ni courageux ni engagé politiquement, qui se trouve ballotté par les événements. Ainsi son évolution professionnelle, amoureuse, politique le montre presque à chaque fois passif. Il s’adapte à la volonté ou aux choix des autres le plus souvent, même si, peu à peu, il est amené à faire certains choix. Mais ses convictions restent discrètes, il repousse le plus longtemps possible les éventuelles décisions à prendre. A partir du troisième tome, de la même façon – mais inversée – que l’on avait pu voir s’étendre peu à peu la mainmise des Nazis et de leurs idées sur la société, les déboires du régime (après la défaite de Stalingrad), les bombardements alliés, la population qui se questionne – voire retourne sa veste, comme le tenancier du bar « Chez Adolf », finalement moins obtus et monolithique – , et les séides du régime qui se radicalisent face aux « défaitistes », autour de Stieg c’est l’Allemagne qui peu à peu s’effondre. Un « détail » m’a quand même chiffonné. Je n’ai pas compris pourquoi la Gestapo (en tout cas tout laisse à penser que c’est elle qui est intervenue) n’a pas donné de suite et arrêté notre héros après avoir fouillé son appartement et trouvé des photos compromettantes (de détenus dans les camps de concentration) … Mais globalement c’est vraiment une série intéressante et bien fichu, bâti autour d’un héros ni opportuniste ni lâche, ni fort : un personnage crédible, témoin plus qu’acteur des douze années sous l’emprise d’Hitler. Une lecture très recommandable.

19/05/2026 (modifier)

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Caritte est un auteur assez inégal. S’il parvient à me faire sourire, voire rire, j’ai souvent du mal à accrocher sur la durée. Et cet album ne dérogera pas à cette règle. En effet, ses histoires courtes, parodiques, foutraques, flirtant avec l’absurde et l’humour con ne sont pas assez percutantes, et l’humour peine à être efficace. Il y a bien quelques idées vraiment amusantes (par exemple l’histoire avec Davy Crockett et les jingles de la série parodiés qui se lancent à tout bout de champ jusqu’à devenir volontairement relou et débile) et sur certaines histoires, quelques gags fonctionnent. Mais globalement ça m’a laissé sur ma faim. Pourtant Caritte pioche un peu partout pour ses histoires/personnages, des personnages historiques aux héros de romans ou séries télé. Mais ce créneau a déjà été pas mal traité, et faire preuve d’originalité – tout en restant drôle – n’est pas aisé. Et ici l’essai est loin d’être toujours transformé.

19/05/2026 (modifier)

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Dans " Saigneurs ", Lou Lubie utilise la métaphore du vampire pour dénoncer les prédateurs sexuels et souligner les mécanismes de l'emprise. Si la BD atteint son objectif en jouant notamment sur l'inversion des rôles, en montrant combien la société entière peine à ouvrir les yeux (que ce soit au sein de la cellule familiale ou au plus haut sommet de l'état, cela reste compliqué par exemple de remettre en question des icônes), l'album entier est très démonstratif. La lecture reste plutôt plaisante, mais rien de bien marquant pour ma part. Contrairement à Racines que j'avais apprécié pour son dynamisme, sa pertinence et son humour et à Eurydice pour sa réécriture subtile et maline, ce dernier album me paraît plus anecdotique. Le didactisme prend le pas cette fois-ci sur le plaisir de la lecture avec certaines scènes simplement tirées de la réalité (malheureusement) à peine retouchées à la sauce vampire. Le dessin est efficace, mais me paraît là aussi moins abouti que dans les productions précédentes.

19/05/2026 (modifier)

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Un jeune garçon passionné de comics à la fin des années 1970 / début des années 1980 se réfugie dans un univers imaginaire peuplé de super-héros, au point de brouiller la frontière entre ses rêves et la réalité. C'est une série assez touchante, même si elle ne m'a pas convaincu sur tous ses aspects. J'ai apprécié son mélange de chronique d'enfance, de passion naïve pour les super-héros et de regard tendre sur l'imagination comme refuge face à un quotidien parfois difficile. Entre le harcèlement scolaire, les tensions avec le père, la complicité avec le grand-père et cette obsession grandissante pour les comics, je ne sais pas quelle est la part d'autobiographie de ce récit. L'ensemble donne l'impression de suivre la jeunesse romancée d'un futur auteur de BD nourri aux comics américains et aux dessins animés. Le tome 2 renforce encore cette impression puisqu'il insiste davantage sur la difficulté pour Xavier de faire accepter sa passion à ses parents après les événements traumatiques du premier volume. Toute cette partie autour du regard des adultes sur l'imaginaire enfantin fonctionne plutôt bien. Le récit montre comment le jeune héros transforme ses frustrations, ses peurs ou ses humiliations en aventures héroïques imaginaires qu'il couchera ensuite sur le papier. Cela donne parfois quelque chose de touchant, notamment dans sa manière de vouloir devenir plus fort ou de croire sincèrement qu'il a une destinée particulière. Graphiquement, l'ensemble n'est pas parfait mais reste charmant. Alberto Sanz offre un dessin dynamique et coloré, avec une vraie énergie dans les scènes d'action et les passages imaginaires. Les séquences consacrées aux Plutokids sont dessinées dans un style différent et visuellement réussi, avec ce côté rétro-futuriste très coloré. En revanche, le dessin présente parfois un aspect un peu enfantin dans la manière dont les émotions sont exprimées. Les visages ont souvent des expressions extrêmement appuyées, presque caricaturales dans leur expressivité. Cela m'a marqué dans le tome 2 avec le visage de la jeune amie de Xavier, qui garde en permanence ce grand sourire accompagné de sourcils constamment froncés, au point que cela finit presque par devenir une expression unique. J'ai aimé la sincérité de l'ensemble et certains passages touchants, notamment autour du grand-père ou de la façon dont l'imagination aide Xavier à supporter certaines choses. Mais le récit a aussi tendance à devenir parfois un peu trop démonstratif ou trop lisse. Certains thèmes (harcèlement, deuil, rejet, passion mal comprise) sont traités avec beaucoup de bienveillance, mais aussi avec un côté un peu formaté et parfois abrupt qui enlève de la spontanéité ou de la surprise. Et même si j'accepte le principe du regard enfantin, j'ai parfois eu un peu de mal avec l'incapacité du héros à distinguer totalement son imaginaire de la réalité, même s'il gagne en maturité au cours de second tome. Malgré ça, j'ai trouvé l'ensemble sincère et attachant. Ce n'est pas forcément une BD révolutionnaire dans ce qu'elle raconte, mais elle possède un vrai capital sympathie, porté par son amour des comics, son regard nostalgique sur l'enfance et son envie de montrer à quel point l'imagination peut devenir un refuge ou une force pour grandir.

19/05/2026 (modifier)

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Un premier tome qui m’avait bien plu à sa sortie, mais j’attendais de voir. Après lecture des 2 tomes, je peux dire que c’est plus que pas mal du tout. De la chouette aventure (loin d’être bucolique) concoctée par 3 auteurs de talent. Au scénario, Loisel que l’on ne présente plus, déroule son histoire tranquille, on prend le temps de présenter les personnages et ce microcosme brésilien (particulier et dur), assez rare et dépaysant dans le monde de la bd. La partie graphique est magnifiée par le trait d’Olivier Pont et les couleurs de François Lapierre. Bravo à eux, ils apportent énormément à l’album. Le tout est un plaisir à parcourir, les planches sont fluides et bien construites, les albums sont épais, je n’ai pas vu le temps passé. Une multitude de personnages, bons comme mauvais, pour un récit manichéen (ce n’est pas dit de manière péjorative) et distrayant. J’espère une fin dans le prochain tome et qu’elle soit à la hauteur de cet « exotisme » proposé par les auteurs. Un bon moment de lecture. MàJ tome 4 : Bon finalement, il a fallu attendre un tome de plus pour connaître le fin mot de cette aventure. Je reste sur le même ressenti, ça ne chamboulera pas grand chose mais on passe un bon moment dans et avec ce microcosme amazonien. L’aventure et les personnages sont bien tenus, la fin est ce qu’elle doit être et la patte graphique de Pont est toujours aussi agréable. Une série qui a réussi à tenir sur la longueur.

07/06/2022 (MAJ le 19/05/2026) (modifier)

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Une aventure honnête de notre viking mais je reste un peu perplexe de ma lecture. Je n’ai pas détesté mais à aucun moment je n’ai vraiment été accroché. Il faut dire que je ne suis pas un grand admirateur des 2 auteurs et de leurs pattes respectives. Il y a souvent comme une barrière/froideur qui s’en dégage et que je n’arrive pas à pénétrer même si ici, leurs styles est au service de l’univers « Thorgalien ». Le graphisme, malgré quelques fulgurances et de l’envie, m’apparaît terne, sans saveur voir parfois maladroit (affaire de goût ceci dit). Quand au récit, il suit le même chemin, c’est respectueux au cahier des charges mais trop c’est sans folie ni peps. J’ai même trouvé certains dialogues assez affligeants, entre Thorgal et Aaricia notamment. La fin de l’album fera le lien avec Alinoé mais sans réelle magie. Je suis de plus en plus déçu de cette collection qui se contente de faire du Thorgal standard, ça comble les blancs des albums de la série mère mais sans réelle plus-value. Et cet album, à mes yeux, fait sans doute parti des moins bons.

19/05/2026 (modifier)

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Me voilà bien embêté pour noter cet ouvrage de Taniguchi car cette adaptation d'un roman de Kawakami me laisse des sentiments perplexes. Je découvre l'avis de iannick et je ne peux que valider cette impression que "Les Années douces" s'adresse à un public averti Tout d'abord que cette histoire est molle Et là je m'interroge si cette impression de mollesse relève plus d'un choc des cultures que du caractère des protagonistes. Choc de cultures mais également choc de génération car notre jeune trentenaire Tsukiko, qui est d'une nonchalance phénoménale, tombe amoureuse d'un ancien professeur de ,j'imagine, 30 ans son ainé. En soit ce n'est pas la première œuvre à traiter de différence d'âge conséquente et il suffit d'ouvrir les pages people du premier torchon venu pour constater que ce phénomène n'est pas exceptionnel J'ai plus été perturbé, voire choqué, que tout au long de l'ouvrage elle s'adresse à lui en l'appelant Maître. Cela me laisse une impression très très désagréable. A aucun moment je n'ai eu l'impression que nos deux tourtereaux discutaient d'égal à égal. Ensuite vu que l'essentiel de leur rapport se déroule au restaurant qu'est-ce qu'ils peuvent manger et accessoirement picoler. A moins que ce ne soit l'inverse. Bref on a envie de secouer cette brave Tsukiko afin qu'elle exprime enfin ses sentiments. Par contre graphiquement les traits de Taniguchi sont toujours aussi fins et précis. Son travail reste toujours aussi appréciable. J'avoue toujours contempler ces dessins avec beaucoup de plaisir. Au final je vais mettre un peu en dessous de la moyenne car 2 tomes pour nous raconter tout ça c'est vraiment vraiment long. Même si encore une fois cela tient plus de la volonté de Taniguchi de coller à l'œuvre originale.

19/05/2026 (modifier)

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J'ai une tendresse particulière pour Larcenet et cette série car il s'agit de la première BD "adulte" que je lisais alors encore enfant. Je ne comprenais pas tout mais son dessin, son humour et son scénario rendez l'histoire accessible pour moi. Relue plusieurs fois depuis avec un regard adulte, je conserve une note juste pour cette série essentielle, fruit pour moi d'un renouveau de la bd francophone, dans un style narratif particulièrement réussi de par , donc, son accessibilité. C'est aussi l'histoire d'une époque et d'une génération qui disparaît, de plus en plus. Elle est émouvante et aussi, annonciatrice de ce qui devait arriver aujourd'hui. Le dessin de Larcenet est excellent, une transition entre sa première période "humoristique' et sa seconde période plus 'sombre'. Un hommage aussi général pour Larcenet, qui à l'inverse d'autre "stars" de sa génération (Trondheim, Sfar) , ne ce sera pour moi, jamais compromis et comme le bon vin, a très bien vieilli.

19/05/2026 (MAJ le 19/05/2026) (modifier)

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