Les derniers avis (9566 avis)

Lutter, c'est vivre ; risquer, c'est vivre. Écarter d'avance le moindre obstacle, c'est la mort. - Ce tome contient une histoire complète, une forme de biographie consacrée au couple formé par Jean Cocteau (1889-1963) & Jean Marais (1913-1998). Sa première édition date de 2023. le scénario a été écrit par Isabelle Bauthian, les dessins et les couleurs par Maurane Mazars. Il comporte cent-dix-neuf pages de bande dessinée. Il se termine avec un trombinoscope de trois pages présentant trente-quatre personnages apparaissant dans l'ouvrage, avec une petite vignette dessinée en gros plan, le nom de la personne, ses dates de naissance et de mort, et une brève présentation en une ou deux phrases. Après une page de remerciements des autrices, vient une liste des principales œuvres de Jean Cocteau. Eugénie Cocteau, la mère de Jean, s'interroge. Elle ne sait pas comment elle a fait pour mettre au monde un poète. C'est très, très difficile. Il a toujours été sensible, cruel, parfois avec elle. Si, si, se souvient-il de ce gros mensonge, dans le train, qui manqué de la faire arrêter ? Avec ses amis, par contre… Ah, ils ne l'ont pas toujours remercié de sa générosité. Elle espère qu'il ne revoit plus cet odieux Maurice Sachs. Bien. En tout cas, elle est contente qu'il prenne enfin soin de sa santé. Et qu'en est-il de son mariage avec mademoiselle Chanel ? Mais pourquoi ne pas lui avouer ? Puisque c'est dans les journaux ! Paris en 1937, les journaux évoquent le fait que par crainte des milliers de tracts distribués par le Front populaire allemand, on ne fait plus l'obscurité dans les rues de Berlin. Jean Cocteau écrit un article sur le génie du boxeur Panama al Brown. Dans le journal Action française, un article tourne en dérision le soutien de Cocteau à Brown. Un soir, Jean Marais reçoit un appel téléphonique de Jean Cocteau qui lui demande de venir immédiatement. Jean Marais se rend en courant à l'hôtel Castille et va frapper à la porte de la chambre de Jean Cocteau. Celui-ci lui indique d'entrer, et il déclare au jeune acteur que c'est une catastrophe, il est amoureux de lui. D'abord pris de court, Marais se ressaisit et répond rapidement que c'est réciproque. le lendemain, l'acteur dîne avec une actrice de la troupe de théâtre et elle le met en garde : s'il devient le nouvel enfant de Cocteau, les gens ne le verront plus jamais autrement. Quelques jours plus tard, le poète le présente à ses amis et ses amants : Christian Bérard, Boris Kochno, Marcel Khill, puis Marie-Laure de Noailles, Panama al Brown, etc. L'actrice continue : tout le monde saura que Jean Marais n'est que le dernier en date de ces médiocres qu'il a parés de tous les talents, tellement il voulait le retrouver en eux. Marais ne comprend pas à quoi renvoie ce Le. Elle explicite le terme : Raymond Radiguet, le plus grand poète de leur génération, l'enfant auprès de qui Cocteau a créé ses plus grandes œuvres. Cocteau n'est plus que l'ombre de lui-même depuis sa mort. Suicidaire terrorisé par la mort, opiomane, médiocre. C'est à cette période qu'il crée sa pièce : les chevaliers de la table ronde. Les éditions Steinkis ont débuté une collection appelé Dryade en 2022, avec Derrière le rideau - Simone Signoret et Yves Montand de Xavier Bétaucourt et Aleksi Cavaillez. La quatrième de couverture rappelle la définition de Dryade : réunion de deux principes qui se complètent réciproquement. Cette collection est consacrée aux couples qui ont marqué les esprits par leur engagement politique, leur créativité, leurs succès et leurs échecs, leurs forces et leurs faiblesses. le présent ouvrage est donc consacré à l'idylle entre l'acteur et le dramaturge qui a duré de 1937 à 1948. Il s'arrête un peu avant. D'un côté, un poète, peintre, dessinateur, dramaturge et cinéaste français, âgé de quarante-huit ans en 1937, de l'autre un jeune acteur qui deviendra également metteur en scène, écrivain, peintre, sculpteur et potier, âgé de vingt-quatre ans. Cette idylle nait alors que le gouvernement d'Adolf Hitler a déjà viré au totalitarisme et que la seconde guerre mondiale approche, avec l'invasion et l'occupation d'une partie de la France. L'histoire personnelle de ces deux créateurs et de leur couple est indissolublement liée à celle de la France. Les autrices ont fait des choix structurels et esthétiques marqués pour rendre compte de cette réalité. S'il commence par feuilleter l'ouvrage pour s'en faire une idée, le lecteur remarque qu'une partie significative de la narration repose sur des dialogues entre les personnages, souvent en plan poitrine ou plus rapproché, parfois en plan taille, avec un décor qui peut être minimaliste ou inexistant en fond de case, une mise en couleurs à base de camaïeu, à l'aquarelle, avec souvent une teinte prédominante pour une scène, du vert ou du rouge, un peu délavés. Il relève également une grande variété de lieux, et une discrète influence manga de type shojo dans certaines expressions de visage mais sans systématisme, souvent pour une émotion particulière plus appuyée. Dans les caractéristiques graphiques, il remarque également l'intégration de brèves coupures de presse qui semblent être des copies conformes d'articles de l'époque avec une reprographie reprenant l'épaississement des caractères et les imperfections d'imprimerie. Majoritairement l'artiste a recours à des traits de contour pour chaque forme, chaque personnage, parfois interrompus le temps d'une courbe ou d'un segment droit, et quelques cases sont réalisées en couleur directe, une certaine liberté d'exécution en phase avec la liberté d'écriture et de création de Cocteau. Dans un premier temps, le lecteur ne sait pas trop comment s'adapter au mode narratif. Les deux pages d'introduction avec la mère de Jean Cocteau atteste de cette liberté visuelle : un dessin en pleine page, faisant penser à collage de différents éléments : la mère représentée en pied à la croisée de ce qui semble être deux faisceaux lumineux, l'un rouge, l'autre bleu, des bombes à ses pieds, une sorte de manteau ou de robe à motifs géométriques sur un mannequin à droite et un acteur ou deux déguisés en âne à gauche, la tête de son fils étant surimposée en lignes blanches. Dans la page suivante, elle est représentée en plan poitrine, jeune dans la première case, puis âgée dans la deuxième, puis en trait de contour délié de profil, puis sous forme d'une poupée gonflable avec un gros plan sur la tête, puis à nouveau comme dans la première page avec un perroquet sur l'épaule en plus. le lecteur ne sait trop quoi en penser. La page suivante comprend trois coupures de presse, un individu sur échelle en train de réaliser une fresque murale, et enfin deux cases, un téléphone qui sonne, un homme en très gros plan sur sa bouche qui répond. Les sept pages suivantes prennent une forme de bande dessinée classique, avec des cases alignées en bande, et ces camaïeux à l'aquarelle qui apportent de la substance, sans pour autant être figuratifs ou représentatifs de la couleur de chaque élément. En page treize, le lecteur découvre trois autres coupures de presse intégrées chacune à la place d'une case dans une bande. Puis en page seize, un autre article et cette fois-ci en surimpression de la case où les deux Jean regardent une danseuse sur scène. Les pages dix-huit et dix-neuf sont construites sur la base de juxtaposition d'images, sans bordure de case, avec un texte qui courent librement. En page trente-neuf, c'est une illustration en pleine page dépourvue de tout mot. En page quarante-quatre, trois bandes de deux cases, sans aucun mot. En page quatre-vingt-cinq, Jean Marais passe à tabac un critique insultant, et le rouge prend la place du noir pour les traits de contour et les aplats. La page quatre-vingt-treize contient uniquement le texte écrit par Jean Cocteau comme salut à Arno Breker, à l'occasion d'une exposition. Les autrices montrent ainsi la relation qui unit les deux créateurs, la manière dont ils se soutiennent, dont Cocteau apprend à Marais à se cultiver, comment ce dernier réconforte le premier pendant les périodes de doute ou de manque. Les coupures de presse apportent un contexte partiel de la montée du nazisme, du déroulement de la guerre, des repères ponctuels et très épars, et aussi des informations sur les représentations, les parutions des œuvres de l'un, les rôles de l'autre. Il semble que l'ouvrage s'adresse d'abord à un lecteur ayant une idée préalable de la carrière de l'un et l'autre de ces deux créateurs, car la narration ne revêt pas une nature pédagogique ou vulgarisatrice. Par exemple, il vaut mieux pouvoir identifier les titres des pièces de théâtre, des films pour avoir l'assurance de ne pas les rater dans une page ou une autre. Sous cette réserve, ou après avoir lu une fiche encyclopédique sur la vie de l'un et l'autre à cette période, le lecteur ressent alors ce qui se joue pour les deux Jean, sur le plan de la création, sur le plan émotionnel, ainsi que l'intrication avec leur relation de couple. Il comprend la difficulté pour l'un comme pour l'autre de choisir s'il doit s'engager contre l'envahisseur et ses idées et comment, sur le dilemme cornélien d'accomplir leur métier de créateur dans une période d'incertitude totale sur la possibilité de faire jouer une pièce, de réaliser un film, de subir la censure, d'aider des amis ou d'autres créateurs qui portent l'étoile jaune. Ces questionnements et les décisions afférentes apparaissent sans manichéisme ni leçon de morale, découlant de la personnalité et l'histoire de l'un et de l'autre. Une collection ambitieuse avec pour objectif de donner à voir l'engagement d'un couple dans son époque. Cette bande dessinée peut sembler un peu difficile d'accès pour un lecteur totalement ignorant de la vie des deux Jean, ce à quoi la simple lecture d'une fiche encyclopédique peut rapidement remédier. Il plonge alors dans une narration visuelle très personnelle, adaptée à la diversité des formes de création de ces deux auteurs. Il ressent la pression de l'Histoire, les événements arbitraires qui influent sur leur vie, en même temps qu'il côtoie deux êtres à la personnalité et à l'histoire différente, et qu'il devient le témoin privilégié de leur relation amoureuse et de la manière dont elle les enrichit l'un l'autre.

26/08/2024 (modifier)

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Si le dessin illustrant l'édition régulière ne vous donne pas trop la nausée, vous pouvez continuer la lecture de cette chronique ou mieux même vous jeter sur Colder au risque de succomber à un récit traitant de la folie de façon fort originale. Declan est un aliéné silencieux dont le corps intemporel et la température décroissante ne cessent de stupéfier le corps médical depuis plusieurs décennies. Reece prend cet homme silencieux en pitié et en prend la tutelle pour continuer de le soigner chez elle à domicile. C'est à ce moment précis qu'intervient Nimble Jack, un être démoniaque se nourrissant au sens propre comme au figuré de la folie des hommes et ouvrant une brèche entre le monde réel et celui de la folie. C'est également le moment où Declan va se réveiller et combattre des entités dépassant tout raisonnement logique. De l'aveu même du scénariste, il s'agirait du film "L'antre de la folie" de John Carpenter comme inspiration principale. Ce dernier traitait de la folie façon Lovecraft mais c'est peut être encore plus l'influence de "Ça" de Stephen King pour son clown malsain et joueur et les univers barrés de "Hellraiser" de Clive Barker en guise de référence. Et pourtant Colder est original de bien des façons. Le travail de Juan Ferreyra est tout simplement hallucinant : se jouant de toutes les possibilités offertes par le neuvième art, il s'agit d'un festival de dessins encrés, de cadrages et décadrages et de transitions subtiles entre les deux mondes faisant presque de cette copieuse intégrale (intégrant les 3 cycles de l'histoire) un objet presque ludique que vous tournerez dans tous les sens. Le monde de la folie mériterait presque un artbook à lui tout seul avec ses paysages dévastés et ses créatures mutantes. Si l'on fait fi de dialogues pas toujours bien ficelés et d'une narration aimant perdre le lecteur (mais n'est ce pas le propre de la folie ?), Colder est un ouvrage unique aussi efficace qu'un voyage en train fantôme sous dopamine.

25/08/2024 (modifier)

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Les pieds nickelés sont un souvenir d'enfance, ou plus précisement ceux de mon père qu'il m'a transmis, car je dévorais ses anciennes BD lors de nos visites chez notre grand-mère. :) Créés par Louis Forton en 1908, il s'agit d'un trio plutôt malhonnête hors du commun: Croquignol le cerveau au long nez, Filochard le borgne un peu émotif et costaud, et enfin Ribouldingue, le barbu un peu (puis par la suite beaucoup) rondouillard qui est souvent la face avenante du trio pour leurs escroqueries. A l'origine il s'agit d'escrocs et bandits de grand chemin, ils deviendront outil de propagande en 14-18, avant de revenir à leurs méfais par la suite. Populaires dès l'origine, nos trois escrocs prendront vraiment leur envol à partir de 1948, quand René Pellos prend la suite de Forton (mort en 1934) et des dessinateurs sans reliefs qui avaient pris sa place. A partir de là, et jusqu'en 1980, les pieds nickelés vont monter des escroqueries les plus abracadabrantesques possibles, en abusant de l'extrême crédulité de leurs victimes fortunées, ou de l'administration (Pellos prenant un grand soin à ne jamais voir notre trio abuser des pauvres, donnant un certain cadre moral à notre histoire), le tout en utilisant des histoires collant à des évènements de l'actualité du moment. Chaque tome de Pellos est donc une capsule temporelle permettant de suivre les préoccupations du moment dont le trio tentera de profiter. Le premier tome de Pellos (le nr 12) a cela d'émouvant qu'on revit la pénurie d'après guerre. On commence donc avec les B. O. F., on suit la conquête spatiale, en passant par le boom des voyages organisés, et en terminant presque par la crise pétrolière, le Paris-Dakar et la construction Européenne. Tout y passe, avec un très bel argot. Certes cela a bien vieilli, certes les histoires sont inégales, et re-certes, beaucoup des escroqueries sont franchement très grosses, on a peine à s'imaginer que des trucs aussi "gros" puissent passer, et pourtant des exemples récents montrent toujours la naïveté de l'humain moyen. Et souvent, plus ses poches sont pleines, plus il sera facile de les vider, la presse se faisant régulièrement l'échos de victimes fortunées d'escroqueries pourtant peu élaborées. Comme le disent nos anti-héros, "la seule culture d'avenir est celle de la poire". Je recommande donc. :)

25/08/2024 (modifier)

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Je n'ai pas été convaincu par cette hypothétique version de Chabouté sur Landru. Je rejoins la remarque d'ArzaK sur la chose jugée que l'on peut tournicoter à son aise. Landru innocente victime est un point de vue audacieux et original mais la plupart des situations proposées m'ont agacé. Dès le départ j'ai tiqué. En effet Chabouté se la joue précision historique avec minutes d'un procès qui est resté dans les annales de la justice. En face Chabouté utilise une licence artistique qui multiplie les facilités et le convenu : lettre incendiaire qui passe à travers la censure grâce à une combine, blessé grave qui garde la force et la lucidité pour franchir les lignes grouillantes de troupes et peut faire plusieurs dizaines de km en moins de deux jours, médecin miraculeux qui le rétablit immédiatement etc etc. Cette accumulation de facilités plus une répétition des scènes d'attrape naïves m'a vite lassé. Un final qui vire à la théorie du complot a complété mon scepticisme. Bien sûr c'est construit avec maîtrise et l'ambiance glauque est très réussie. Bien sûr le N&B de Chabouté reste un exemple. Toutefois quand on connait l'œuvre de l'auteur on retrouve toujours le même visage et les mêmes expressions. In fine je me suis perdu sur la thématique première proposée par Chabouté : réquisitoire contre la guerre ? contre la peine de mort ? dénonciation d'une justice manipulée ? Simple exercice de style artistique ? Je ne sais pas mais ce Chabouté ne m'a pas accroché.

25/08/2024 (modifier)

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Voilà une lecture essentielle pour entretenir le devoir de mémoire et le respect de la parole des victimes. Je dois remercier Smart Move pour son bel avis (justement primé) qui a mis en lumière un ouvrage qui était passé de façon incompréhensible sous le radar du site lors de sa première diffusion (Delcourt). Futuropolis a repris le flambeau pour rééditer ce pavé de 500 pages et on ne peut lui souhaiter que beaucoup de succès. Reconnaissance que l'autrice Gendry-Kim a déjà goûtée hors nos frontières quand on lit la liste interminable de prestigieux prix obtenus dans le monde. La thématique des " femmes de réconfort" n'est pas nouvelle en Corée. Depuis les années 90 date des premiers témoignages entendus et acceptés par une société jusqu'alors sourde à la parole des victimes, cette thématique empoisonne les rapports diplomatiques entre le Japon et la Corée (voire d'autres pays conquis et 37-45). Comme le reconnait elle-même l'autrice le sujet a déjà beaucoup été exploité en 20 ans par différentes formes d'art. Peu connu en France ce sujet a pourtant percé en Europe à la suite du témoignage de victimes hollandaises qui étaient devenues les esclaves sexuelles de l'armée impériale japonaise après la conquête de l'Indonésie. C'est très bien expliqué dans l'ouvrage de madame Jung Kyung-a Femmes de réconfort (esclaves sexuelles de l'armée japonaise). Les deux ouvrages se complètent à merveille. Jung Kyung-a avait choisi une vision assez large qui mêlait témoignages de plusieurs victimes mais surtout qui s'appuyait sur les rapports d'expertises du médecin-capitaine Aso Tetsuo qui travaillait à mettre des procédures pour empêcher la diffusion des MST au sein de l'armée. Gendry-kim choisit un récit bien plus intimiste centrée sur le destin de madame Oksun Lee jeune coréenne vivant dans la misère quotidienne avec sa famille. Gendry-Kim remonte ainsi dans le passé colonial du Japon vis à vis de la Corée. L'exploitation à outrance des richesses naturelles et de la main d'œuvre coréenne explique pourquoi une misère endémique régnait dans ces années-là. Le procès du colonialisme n'est plus à faire mais l'ouvrage y apporte sa pierre. Cette colonisation brutale explique à la fois le grand nombre de jeunes filles coréennes abusées par les soldats japonais et le grand nombre d'hommes envoyés en travaux forcés au Japon. Ces 500 pages se lisent très facilement grâce à une construction astucieuse. Le récit historique très lourd ne prend qu'une partie de la narration, c'est toujours traité avec délicatesse mais avec une extrême précision. Le discours est de femme à femme et certains passages ne cache pas grand-chose de l'intimité que ces pauvres jeunes filles essayaient de préserver malgré le manque de tout. Gendry_Kim travaille constamment dans la finesse et la délicatesse, aucune image explicite morbide ou voyeuriste ne vient troubler la douceur du récit. Cette douceur contraste avec force avec la dureté et la sauvagerie du contexte. Une sauvagerie qui va durer bien après la fin de la guerre. L'autrice se met en scène dans des scènes d'interviews avec Oksun qui a alors presque 90 ans. Cela permet à l'autrice de s'interroger sur la légitimité de sa démarche. Elle nous fait part de ses doutes et de ses interrogations quant à introduire tel ou tel sujet sensible (comme le premier viol, l'hygiène féminine, les enfants). L'autrice ne se met jamais en avant et laisse la parole se libérer d'elle-même. On n’interviewe pas une personne de cet âge avec de tels traumatismes comme un joueur de foot multimillionnaire égocentrique. Il faut une grande qualité d'écoute tout particulièrement pour des personnes qui n'ont pas été écoutées pendant des décennies. La parole est donc souvent rare toujours riche malheureusement cruelle. Gendry-Kim se heurte à la problématique de l'image de l'indicible. C'est vrai pour tous les auteurs qui racontent l'ignoble de masse : Rwanda, Cambodge, Shoah, Congo... Gendry-Kim choisit l'implicite qui souvent à bien plus de puissance que l'image crue. En choisissant de peindre des paysages d'arbres parfois en fleurs parfois tourmentés, l'autrice nous renvoie à l'insignifiance de la folie humaine pour une nature qui va son chemin de résilience malgré les bombes et les atrocités. Le trait au pinceau est très fluide et souple. Cela permet à l'autrice de travailler sur les épaisseurs de tracés. Les noirs sont très présents surtout dans la partie historique. A eux seuls ils produisent cette ambiance d'enfermement insupportable vécue par Oksun et ses amies. J'ai trouvé beaucoup d'originalité et de caractère à cette narration graphique si importante dans l'équilibre de la série. Un must injustement ignoré par les festivals en France.

25/08/2024 (modifier)

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Un homme qui prend de la place - Ce tome contient une histoire complète et indépendante de toute autre, initialement parue en 2009, écrite, dessinée et mise en couleurs par Matt Kindt. Cette histoire est racontée en trois parties distinctes et chronologiques. Dans la première partie, Marge Pressgang se souvient de son époux, mort sous les drapeaux pendant la seconde guerre mondiale. Elle déplore le peu dont elle arrive à se souvenir de lui. Elle était enceinte de Graig qu'elle a dû élever seule. Assez rapidement, il est apparu que la croissance de son fils était anormale : il grandissait plus vite que les autres, sans que son développement ne semble atteindre une limite, 2 mètres, 3 mètres et plus. Il était un élève effacé et studieux avec de bons résultats scolaires. le lecteur prend connaissance du point de vue de Marge, sans accès aux pensées ou émotions de Craig. La deuxième partie continue l'histoire de Craig depuis son entrée à l'université. Elle est narrée du point de vue de Jo, sa copine qui deviendra sa femme. Cette partie comprend une dizaine de pages pendant lesquelles Jo écoute le journal intime de Craig qu'il a enregistré sur des bandes magnétiques. La troisième et dernière partie est racontée du point de vue d'Iris, la fille de Jo et Craig, qui recherche les traces de son père disparu pour écrire un livre sur lui. Une histoire de géant au vingtième siècle racontée pour des adultes : Matt Kindt utilise un élément fantastique classique qu'il met en scène à sa manière. Il raconte de manière plutôt réaliste la vie d'un homme qui n'a pas arrêté de grandir (il y a une explication rapide à cet état de fait exceptionnel) dépassant les 3 mètres, et comment il trouve sa place dans la société, comment la société l'intègre. Kindt ne se sert pas d'un dispositif narratif fantastique pour se lancer dans un récit d'action. À partir de point de départ (l'existence d'un vrai géant), il envisage de façon littérale sa vie. Quelles sont ses relations avec son entourage ? Comment trouve-t-il des vêtements à sa taille ? Qui lui fabrique des lunettes ? Quelles sont les conséquences physiologiques de cette taille démesurée ? Comment a-t-il aménagé ses toilettes ? Comment fait-il pour se faire couper les cheveux ? Cette approche prosaïque et terre-à-terre permet au lecteur de plus facilement consentir la suspension d'incrédulité nécessaire pour accepter cet élément fantastique. L'utilisation de 3 narratrices pour raconter l'histoire facilite également l'empathie du lecteur qui perçoit l'existence de ce géant à travers elles qui l'ont côtoyé au quotidien, comme un être humain et pas comme un phénomène de foire ou comme un monstre. La propre acceptation de ces femmes entérine l'existence de Craig, avec sa taille impossible. le style graphique utilisé par Kindt renforce encore cette approche en douceur de cet individu hors norme. Il réalise des dessins délicats, légèrement encrés, donnant parfois l'impression que certaines formes ont simplement été détourées au crayon, sans avoir été repassée à l'encre, évoquant parfois une esquisse prise sur le vif. Kindt a réalisé lui-même la mise en couleurs, à base d'aquarelles dans des teintes pastel. Cela confère à la fois un côté rétro (l'histoire se déroule dans les années 1960), et accentue aussi la sensibilité du regard porté sur Craig. Pour autant, il n'y a aucune forme de niaiserie ou d'ingénuité dans les dessins, simplement un regard un peu nostalgique. Loin de présenter une apparence fade ou uniforme, les pages présentent de nombreuses surprises, dans la forme comme dans le fond. Pour commencer, Matt Kindt n'hésite pas à jouer avec la forme en insérant un plan masse d'une maison sur papier à fond bleu, ou des publicités pour une entreprise de construction dans un style années 1950, des extraits de journaux découpés et collés dans un cahier (scrapbook), un compte-rendu d'exposition artistique, ou encore la couverture d'un livre de propagande à la gloire de l'homme géant. Sur 190 pages de BD, ces facsimilés représentent un faible pourcentage de la pagination, mais ils introduisent une variété et une volonté de sortir du cadre, rendant la narration plus vivante, plus inattendue. À plusieurs reprises, le lecteur tombe sur une case représentant un élément totalement inattendu qui n'a rien de choquant dans la mesure où il est représenté de la même manière que le reste, mais qui surprend pris en dehors de son contexte. Par exemple, le dessin relatif aux toilettes du géant présente une apparence totalement inoffensive, mais son sens relève bien des besoins naturels de l'homme. Il y a également cette image évoquant la possible intervention du géant au Vietnam pendant la guerre qui évoque immédiatement l'avancée inexorable de Jon Osterman dans une jungle analogue dans Watchmen. Sur le fond, la délicatesse des graphismes transcrit bien l'affection des femmes regardant ce monsieur. Sans aller jusqu'à parler d'approche graphique à sensibilité féminine (un peu réducteur comme définition), Matt Kindt sait donner une personnalité à chacune de ces trois femmes, ainsi qu'un point de vue plus ou moins mélancolique qui vient apporter une touche poétique à l'existence de ce géant. Au-delà de ce drame humain raconté sans pathos exagéré, le lecteur peut parfois entrevoir une métaphore dans son existence. Matt Kindt joue donc sur les mots avec son titre "3 story" qui évoque aussi bien 3 histoires (celle de la mère, de l'épouse et de la fille) que la taille de Craig Pressgang (3 story = 3 étages). Dans la première partie, la mère de Craig évoque la mort de son père à la guerre, et le fait qu'il ait grandi sans présence masculine. le lecteur peut voir dans le gigantisme de Craig, le fait qu'il n'y a pas eu de père pour cadrer son évolution et lui imposer des limites. Dans la partie narrée par Jo (sa femme), il est possible de voir dans le gigantisme de Craig le fait qu'il prend toute la place, qu'il occupe tout l'espace vital de sa femme. Par opposition, Iris (sa fille) marche sur les traces de son père, ce qui l'amène à découvrir le monde, toute la surface qu'il a parcourue. Pour cette histoire, on peut parler de bande dessinée d'auteur, dans laquelle Matt Kindt utilise un dispositif narratif artificiel (l'existence d'un géant dans la deuxième moitié du vingtième siècle) pour montrer la vie quotidienne autrement et parler des relations entre mère / fils, femme / époux et fille / père sous un angle original.

23/08/2024 (modifier)

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Kyle Baker : un créateur hors norme - Ce graphic novel est parue initialement en 1992 au début de la carrière de Kyle Baker, deux ans après La légende de Cowboy Wally et des épisodes délirants de The Shadow (avec Andy Helfer, chez DC Comics). À l'époque DC Comics disposait d'une branche d'édition (Piranha Press) pour les projets de comics qui ne ressemblait à rien de connu. Effectivement, Why I hate Saturn sort de tous les schémas traditionnels des comics et même de la bande dessinée. Kyle Baker nous invite à suivre les mésaventures d'Anne, une jeune journaliste newyorkaise, peu sérieuse, très en retard, malchanceuse en amour, déjà cynique, travaillant pour un magazine de tendances et dotée d'une sœur peu commune. Sa sœur est une végétarienne, elle est persuadé qu'elle vient de la planète Saturne et il s'avère qu'elle est poursuivie par un amoureux transi peu commode. Les deux tiers de l'action se déroulent à New York entre des bars, le bureau de l'éditeur du magazine et l'appartement d'Anne. le dernier tiers se déroule en Californie, entre les fauteuils des gares routières, la rue (Anne devient même SDF pendant quelques jours) et une escapade dans le désert de l'Arizona, passage qui évoque Thelma & Louise en plus drôle. Cette histoire appartient en premier lieu au registre de l'humour, version dialogues piquants basés sur les petites et grandes absurdités de notre société. La trame de l'intrigue permet à Kyle Baker de dessiner autre chose que des têtes en train de parler. Premier constat : Kyle Baker dispose d'un humour drôle qui fait mouche à chaque fois et je me suis surpris à pouffer à haute voix à plusieurs reprises (sous les regards navrés de mon entourage). Deuxième constat : les différents personnages sont tous dotés d'une personnalité très crédible et réaliste. Ils sont attachants et il est impossible de ne pas se reconnaître dans certaines de leurs manies ou de leurs jugements de valeur. Ensuite, cette histoire n'a pas vieillie, l'humour est toujours aussi pertinent : peut être même encore plus cruel en ce qui concerne l'ultramoderne solitude et l'invisibilité des SDF. Les illustrations de Kyle Baker sont très particulières : des visages en très gros plans, avec des traits simplifiés (on est à l'opposé du photoréalisme) et des expressions faciales exagérées qui sont irrésistibles. La suite de la carrière de Kyle Baker est tout aussi imprévisible et éclectique : de l'humour de superhéros avec Plastic Man (On The Lam), des commentaires sociaux avec Nat Turner, des récits bibliques avec King David ou de la dénonciation de l'oppression des noirs avec une histoire de Captain America (Truth) et même des classiques de l'autre côté du miroir de Lewis Carroll.

23/08/2024 (modifier)

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Super Manga ! J'ai adoré comme l'histoire mettait en place le suspens et la tension ! Avec parfois des passages sanglants, mais sans verser dans le gore pour autant. Je recommande franchement si vous appréciez les thèmes horreur, mais qui restent soft.

23/08/2024 (modifier)

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J'ai adoré comme beaucoup les 3 premiers tomes. Cependant au vu du peu d'album durant ses décennies, j'ai comme l'impression que Franck Pé aime moins son personnage que nous. D'ailleurs je n'arrive pas à comprendre pourquoi il y en a si peu.

23/08/2024 (modifier)

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Voilà un très grand cru de Davodeau que j'ai pris beaucoup de plaisir à relire. C'est une histoire singulière qui, sous des dehors modestes, explore avec une grande finesse deux univers que rien ne rapproche a priori : celui de la bande dessinée et celui du vin. À travers cette rencontre entre un auteur de BD, Étienne Davodeau, et un vigneron, Richard Leroy, l’album réussit le pari audacieux de mêler initiation, découverte et réflexion sur le travail artisanal. Le concept de l’album est simple : Davodeau, qui ne connaît rien au vin, va passer un an aux côtés de Richard Leroy pour apprendre les secrets de la viticulture, tandis que ce dernier découvre l’univers de la bande dessinée. Ce dialogue entre deux ignorants, chacun expert dans son domaine mais néophyte dans celui de l’autre, donne naissance à une œuvre riche. Au fil des pages, on partage leurs découvertes, leurs doutes, et leurs émerveillements. Le dessin de Davodeau, tout en nuances de gris, accompagne parfaitement le propos. Mais c'est bien plus qu’une chronique de deux univers parallèles. C’est aussi une réflexion sur le temps, la passion, et l’artisanat. Que ce soit dans la création d’un vin ou d’une bande dessinée, Davodeau montre que l’artisan est avant tout un passionné, un être en quête de perfection, pour qui chaque détail a son importance. Les échanges entre Davodeau et Leroy, souvent empreints d’humour et de complicité, dévoilent des réflexions profondes sur le sens du travail bien fait, sur la transmission du savoir et sur la valeur du temps consacré à une œuvre. Loin de se contenter de juxtaposer deux mondes, Davodeau réussit à les entremêler, à créer des ponts entre eux, montrant que la passion, qu’elle s’exprime dans la vigne ou dans l’atelier de dessin, est universelle. "Les Ignorants" est une ode à la curiosité, à l’apprentissage, et à la découverte de l’autre. C’est un album qui, tout en douceur, nous invite à sortir de notre zone de confort, à aller à la rencontre de ce que nous ne connaissons pas, et à en tirer de précieuses leçons. En conclusion, voici une oeuvre qui m'a touché par sa sincérité et son humanité, et que j'ai pris beaucoup de plaisir à relire. Une lecture à savourer, comme un grand cru, à la fois légère et profonde.

23/08/2024 (modifier)

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