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Le Chef de Nobunaga
Pour moi l'un des meilleurs mangas que j'ai eu à lire. Dedans il y a de tout, mais en plus c'est cohérent et passionnant. On s'attache facilement aux personnages et on a toujours envie de lire le tome suivant. L'un des gros points forts c'est également le dessin, il a beau être très détaillé, il reste également très lisible.
Ces jours qui disparaissent
Quelle belle lecture ! Je suis resté scotché à la série de Timothé le Boucher grâce à un scénario que j'ai trouvé d'une rare intelligence. Pourtant l'accroche n'est pas vraiment extraordinaire. En effet le graphisme ne m'a pas saisi d'émotion et le thème de la double personnalité est assez visité depuis des lustres comme le montre le personnage de Smeagol/Gollum chez Tolkien. Mais voila, la mécanique progressive que met en place l'auteur a eu le don de m'emprisonner dans ses filets. Le Boucher construit son récit avec beaucoup de finesse en installant une progression qui accentue le sentiment dramatique de la perte de contrôle de Lubin sur son existence. Le paradoxe est que plus Lubin2 gagne en jours, moins il est présent à l'image mais plus son ombre gagne en puissance. La force du récit est de nous faire réfléchir pour aller au-delà des apparences. En effet plus le récit avance et plus notre empathie et notre sentiment d'injustice vis à vis de Lubin1 grandit jusqu'à une remise en cause totale de nos certitudes dans la scène clé du psychiatre. Le final ne donne pas la clé mais saisit d'émotion sur plusieurs interprétations possibles. Le Boucher parsème son récit d'éléments sociétaux contemporains comme les couples homosexuels ou les couples mixtes ainsi qu'une allusion aux genres à travers une femme à barbe assez curieuse. Ces digressions sont assez marginales dans l'idée directrice ou la construction du récit. Personnellement je privilégie les scénarii originaux et bien construits de bout en bout à un visuel abouti mais vide de sens. Je me suis régalé avec les propositions de l'auteur. C'est graphiquement maîtrisé mais sans grande originalité cette fois. Une lecture intelligente qui m'a vraiment séduit. Un 4 que j'aurais poussé avec un graphisme plus sexy.
The Punisher - Cercle de sang
Enfermés avec lui - Ce tome contient une histoire complète du personnage, qui ne nécessite pas de connaissance préalable du personnage. Il comprend les 5 épisodes de la minisérie, initialement parus en 1986. Les épisodes 1 à 4 ont été écrits par Steven Grant, dessinés par Mike Zeck, encrés par John Beatty, avec une mise en couleurs réalisée par Bob Sharen. L'intrigue de l'épisode 5 a été conçue par Steven Grant, et écrite par Jo Duffy. Il a été dessiné par Mike Vosburg et encré par John Beatty, avec une mise en couleurs réalisée par Bob Sharen. Les couvertures ont été réalisées par Mike Zeck, avec une mise en couleurs réalisée par Phil Zimelman. À l'extérieur de la prison de Ryker's Island, l'ouragan Linda se déchaîne. À l'intérieur de la prison, les détenus sont sur le qui-vive, car les gardes escortent Frank Castle vers sa cellule, pour son quarante-troisième jour de détention. Dans le bureau du directeur de la prison, Tommy explique à Jerome Gerty (le directeur) qui est le Punisher, un vétéran du Vietnam dont la famille a trouvé la mort dans un règlement de comptes entre criminels. Il ajoute que son comportement hors de contrôle qui l'a amené en prison a été causé par des drogues à son insu. Gerty en conclut qu'il est parfait comme recrue. Castle partage sa cellule avec un individu surnommé Mule qui essaye de l'intimider. Il comprend vite son erreur. Au repas de midi, Castle repère celui qui a mis de la drogue dans ses repas lors de son précédent séjour : Frisky Martin (Martini), le serveur. Après le repas, il suit Martin qui va rendre compte à Jigsaw (Billy Russo). Il s'en suit un affrontement physique brutal interrompu par Carlo Don Cervello et son garde du corps Gregario. Don Cervello fait comprendre à Castle qu'il ne veut pas de grabuge, pour éviter d'attirer l'attention des gardes sur ses projets d'évasion. Castle accepte de se tenir tranquille s'il peut bénéficier de l'évasion. Lors de l'évasion, Don Cervelo fait éliminer Castle par Gregario, d'une balle dans le ventre tirée par un pistolet à silencieux artisanal. Don Cervello a organisé une évasion de grande ampleur, profitant de la confusion pour s'échapper avec une poignée d'hommes. Punisher choisit rapidement son camp et finit par sauver le directeur Gerty et son adjoint Tommy. Ceux-ci lui font une offre inattendue : travailler pour une mystérieuse organisation appelée Trust et bénéficier d'une évasion en toute discrétion. Casle accepte parce qu'il a encore beaucoup de travail à l'extérieur. Le personnage du Punisher a été créé en 1974, par Gerry Conway, John Romita senior et Ross Andru. Il apparaît pour la première fois dans Amazing Spider-Man 129, en tant qu'ennemi. le personnage rencontrant du succès, il réapparaît plusieurs fois dans des séries Spider-Man, et Frank Miller l'intègre dans la série Daredevil, opposant ses méthodes expéditives à celles de Matt Murdock. Il avait eu droit à une histoire en solo, en noir & blanc dans Marvel Preview 2 en 1975, par Gerry Conway & Tony DeZuniga. Cette minisérie est donc la première portant le titre de Punisher. Elle bénéficie des magnifiques couvertures de Zeck, peintes à l'aérographe par Zimmelman ce qui leur donne une allure encore plus impressionnante, Castle étant dépeint comme un chien fou, tout entier emporté par son obsession. S'il y fait attention, le lecteur observe que les épisodes 1, 3 et 4 portent la mention d'une minisérie en quatre épisodes, alors que les 2 et 5 portent la mention de 5 épisodes. Il s'agirait d'une erreur de production qui a engendré bien des supputations, car Zeck ne dessine pas l'épisode 5, et Grant n'a pas réalisé les dialogues, mais le cas particulier de l'épisode 5 provient en fait d'un désaccord avec les responsables éditoriaux qui ne voulaient pas décaler la date de sortie du numéro 5 pour laisser le temps à Zeck de dessiner à sa satisfaction. Le lecteur plonge dans une intrigue mouvementée, sans superpouvoirs, sans superhéros, où Frank Castle n'est plus que le Punisher et, après son évasion, il commence par aller assassiner Wilson Fisk (Kingpin). Grant l'écrit comme un individu entièrement focalisé sur sa mission, sans empathie pour les criminels, sans demi-mesure. Il utilise des cellules de texte pour la voix intérieure de Punisher, dispositif narratif dont Frank Miller avait établi toute l'efficacité dans la série Daredevil. À l'époque, cette histoire se démarque de la production superhéros de Marvel, en mettant en scène un personnage qui a des relations sexuelles, un suicide, la mort d'un enfant par une balle perdue. La motivation habituelle des superhéros (l'altruisme) est remplacée par une obsession confinant à une forme de folie. En outre Punisher tue ses ennemis avec des balles réelles, par opposition aux balles en caoutchouc qu'il utilisait à ses débuts. Il choisit une tactique qui consiste à faire que les criminels s'entretuent en provoquant une guerre des gangs qu'il est bien incapable de contenir. Aussi, même s'il a gardé son costume avec gants blancs, bottes blanches, et un énorme crâne sur le torse (sans parler de sa ceinture à cartouche rendant impossible qu'il se penche en avant), Punisher appartient plus à l'univers des redresseurs de tort dits vigilant, qu'à l'univers des superhéros. Steven Grant a conçu une histoire de lutte contre le crime organisé. Il réalise un premier épisode à la force conviction toujours intacte. Castle est enfermé avec des criminels qui souhaitent tous sa perte. Il ne lui faut pas longtemps pour se faire respecter en répondant à la violence en se montrant encore plus violent et efficace. Il n'est pas là pour jouer et sa motivation est sans égale parmi les autres détenus. Il est vite gênant et le Don essaye de le manipuler à son avantage. Par la suite, le scénariste développe son intrigue suivant 2 fils narratifs : la guerre des gangs déclenchée par Punisher, la mystérieuse organisation Trust qui veut le bien de Punisher. Même s'il ne peut que regretter que Grant n'ait pas écrit le dernier épisode, le lecteur a au moins la satisfaction de savoir que la fin correspond à ce que Grant avait prévu. Outre cette guerre contre le crime à niveau humain, l'autre choc de cette histoire réside dans les dessins de Mike Zeck. Dès la première page, le lecteur découvre Frank Castle, massif et musculeux, une force de la nature. La deuxième page est un dessin en pleine page, où Punisher semble se jeter sur le lecteur depuis un toit, faisant feu avec un pistolet dans chaque main, un regard halluciné, et la bouche grande ouverte dans un cri muet transcrivant la force de l'émotion qui le possède. Tout au long des épisodes 1 à 4, Castle reste toujours sous tension, avec soit un visage fermé et un regard intense, soit des expressions exaltées attestant de la fureur qui se libère. de la même manière, ses postures alternent entre un individu au repos, ou des mouvements rapides, efficaces et brusques. Ce langage corporel est à l'unisson de ses expressions, transcrivant le caractère de Frank Castle. Lorsqu'il passe à l'action, Zeck le représente toujours un mouvement fluide, ou prêt à bondir, dans des poses évoquant celles que John Buscema pouvait donner à Conan, dans des mises en scène très dynamiques. le lecteur constate la différence avec l'épisode dessiné par Mike Vosburg appelé pour palier la défection de Zeck et réaliser un épisode en une durée contrainte. le personnage perd l'intensité de son regard et la grâce de ses mouvements. Dans l'épisode 4, le lecteur peut aussi constater que Mike Zeck n'a pas eu le temps de peaufiner ses crayonnés pour les expressions de visage, et que John Beatty ne sait pas pallier ce manque de précision. Tout au long des épisodes 1 à 4, le lecteur est soufflé par la force de certaines cases, ou de certaines séquences. Il est estomaqué par la manière dont Castle calme son codétenu en 3 cases. Il souffre pour lui quand 7 détenus lui tombent dessus, par ordre de Jigsaw. Il l'admire en train de faire de la musculation dans la cour de la prison. Il a du mal à croire à la force du coup qu'il porte à Don Cervello avec la crosse d'un pistolet. Il sourit devant la manière dont il bondit dans le bureau de Wilson Fisk. Il retient sa respiration quand Punisher course un assassin dans une rame de métro. À nouveau, la comparaison avec l'épisode 5 fait ressortir la manière dont Zeck accentue le mouvement, dramatise les prises de vue pour rendre compte de l'intensité des affrontements, de l'implication totale de Punisher dans ses actions, ses mouvements. La narration visuelle de Mike Vosburg est claire et efficace, mais sans cette intensité, même si le degré de simplification des décors est similaire à celui de Zeck. Dans ces épisodes, Ken Bruzenak, le lettreur, n'a pas l'occasion de mettre en œuvre sa science du bruitage, mais il arrive à caser le nom de Chaykin (dont il est le lettreur attitré) sur un camion dans l'épisode 4. Cette première (mini)série consacrée au Punisher tranche de la production mensuelle de comics de superhéros de l'époque, par son intensité, son absence de superpouvoir, l'obsession maniaque du personnage, la sensation de mouvements rapides dans la narration visuelle. Elle constitue une lecture agréable, malgré les conditions de production du dernier épisode. Steve Grant, Mike Zeck, John Beatty et Ken Bruzenak ont eu l'occasion de raconter une autre histoire du Punisher : zéro absolu (1989).
Chroniques de l'éphémère
C'est toujours un peu vrai mes histoires. - Ce tome constitue une anthologie de douze histoires courtes réalisées par Edmond Baudoin en noir & blanc. Elles sont initialement parues dans le magazine de bande dessinée et de culture, appelé Jade, publié par les éditions 6 Pieds sous terre depuis 1991. le présent recueil est paru en 1999. Beyrouth, quatre pages : Edmond Baudoin effectue un séjour dans une zone militarisée de Beyrouth. Il y a des hommes qui en tuent d'autres. C'est tout près de la place des canons. La ligne verte. Une espèce de long terrain vague qui coupait la ville en deux. Il se fait la réflexion que ce pourrait être le décor d'un film d'anticipation, à ceci près qu'il n'y a pas de bande originale. Il entend des poules : un soldat lui explique ce qu'il en retourne. Justice immanente, quatre pages : dans la rue par un matin de ciel gris, vraiment gris, Edmond sort pour se rendre au café en bas de chez lui, passant par la boulangerie avant pour s'acheter un pain aux raisins. Il voit un homme au volant d'un gros quatre-quatre en train de traiter une femme de prostituée, lui reprocher que tout ce qui l'intéresse, c'est de tortiller son derrière jusqu'à quatre heures du matin dans une boîte, et de se faire prendre par derrière par le premier venu. le mime, quatre pages : c'est un mime un peu minable. Il est grimé comme Charlot, de la poudre blanche sur le visage, debout sur un tabouret… Peut-être une caisse. Edmond ne se souvient plus. À ses pieds, un lecteur de cassettes diffuse inlassablement les musiques des films de Chaplin. Edmond ne sait pas combien d'années il l'a vu, au coin de la place Saint Germain, en face des Deux Magots, tout près de la station de métro. À force de persévérance, les années passant, cet homme est devenu indispensable à ce morceau de trottoir. Il avait autant d'importance pour la poésie de Paris, qu'une statue, un monument, un jardin. Il était peut-être autant photographié que le Danton de pierre deux cents mètres plus loin. Et puis Edmond ne l'a plus vu. Malaise avec une petite fille, deux pages : à Nice en août 1996, Edmond n'a pas trop le moral. Alors il voyage. Il s'en va vers le Nord, la Suisse, l'Allemagne, la Belgique. À Bruxelles, il loge chez des amis. L'affaire Dutroux donne une teinte livide à cette fin d'été. Son moral ne grimpe pas. Comment est-ce foutu à l'intérieur de certains cerveaux ? Sur le quai du métro, quatre pages : Edmond attend le métro avec une copine. Un aveugle arrive sondant devant lui avec sa canne blanche. Soudain il la brandit en l'air et il la jette sur la voie. Un jeune homme descend pour aller la chercher. En terrasse, quatre pages : deux jeunes demoiselles papotent assises en terrasse. Un jeune homme s'approche d'elle, leur déclarant que sa mère l'a abandonné à la table d'à côté, et leur demandant si elles veulent bien l'adopter. Les aimer toutes, trois pages : trente-et-un visages de demoiselle en gros plan, suivi de vingt-huit autres sur la page suivante, et d'une case avec le bassin dénudée d'une autre, et une case avec une jeune femme ayant dénudé la partie droite de son corps. Edmond Baudoin est né en 1942 à Nice. Sa carrière de bédéiste a commencé en 1981, avec la publication de ses premières œuvres par l'éditeur Futuropolis à compter de 1981. Il a reçu l'Alph-Art du meilleur album, pour Couma acò, en 1992. le lecteur ne sait pas sur quoi il va tomber en entamant le présent album. Il comprend rapidement qu'il s'agit d'une collection d'histoires courtes, toutes racontées à la première personne. Dans la dernière, l'auteur explique à sa compagne du moment que c'est toujours un peu vrai ses histoires. Il ne raconte pas tout, il fait de petits arrangements. le lecteur n'a pas de raison de mettre en doute sa parole, et il accepte que chaque petite histoire se soit bien produite, et que Edmond Baudoin en a été l'acteur ou le spectateur. Les six premières correspondent à une situation de la vie quotidienne (ou presque en ce qui concerne son séjour à Beyrouth), la seconde moitié concerne les relations amoureuses, avec un rapport physique. S'il a déjà lu une bande dessinée en noir & blanc de cet auteur, le lecteur identifie immédiatement ses caractéristiques. Les formes sont détourées avec un trait parfois charbonneux, souvent gras, avec un rendu à la fois spontané et esquissé, mais aussi précis et attestant d'un regard personnel sur les êtres humains et les environnements. Il retrouve également la propension de l'auteur à raconter l'histoire dans un texte qui court en bas des cases, ces dernières montrant ce qu'il dit, ou bien mettant en scène les actions des personnages alors qu'ils sont en train de parler. Dans le même temps, le lecteur voit que l'artiste expérimente en toute discrétion. La raison d'être d'une histoire ne réside pas dans le fait de lui servir de support pour essayer une technique de dessin, ou mettre à l'épreuve une mise en page, ce qui fait que le lecteur peut très bien ne pas prendre conscience de ce fait. S'il prend un peu de recul, cela devient une évidence. La première histoire est racontée sous la forme de quatre pages, contenant chacune trois cases de la largeur de la page. Dans la deuxième histoire, l'artiste semble avoir abandonné le pinceau au profit de la plume, ce qui donne un aspect plus griffé à ses dessins. Dans la quatrième, il n'y a aucun dialogue, aucun cartouche de texte, mais des dessins de la largeur de la page avec une bordure, et un texte qui court en dessous sans bordure. La mise en page de la suivante surprend le lecteur : des cases alignées en bande, avec des phylactères pour les personnages, une forme très traditionnelle. Il faut un peu de temps pour que la première page de la suivante fasse son impression : des cases où l'artiste semble s'être laissé guider par le trait du pinceau, plutôt que d'avoir cherché à construire ses traits pour une description classique. Avec la septième histoire, l'évidence saute aux yeux : trois pages avec presque uniquement des visages de femmes en gros plans. Dans l'histoire suivante, l'essai se trouve dans les phylactères : chacun des deux personnages prononcent leur dialogue à haute voix, et le lecteur peut lire le fond de leur pensée qu'ils n'osent pas formuler dans un autre phylactère avec une bordure différente, écrit dans une graphie manuscrite. Dans la dernière histoire, Baudoin intègre vingt-quatre pages constituant le patron d'une proposition pour un éditeur de manga, parfaitement lisibles, ainsi que les trois pages de Passe le temps, une histoire publiée par l'éditeur Futuropolis en 1982, racontant la même anecdote avec des variations. Ces cases aux traits bruts avec du texte peuvent rebuter un instant le lecteur. Puis, il commence la première histoire : localisation totalement inattendue, texte très agréable à lire, concis et porteur de l'état d'esprit d'Edmond, et un instant improbable avec ces cris de poule, puis une chanson des Rolling Stones à fond. Deuxième histoire : peut-être que l'auteur a rajouté la chute pour une forme de vengeance morale, mais le moment est bien saisi : cet homme qui insulte une femme, confortablement assis sur le fauteuil de son 4*4. le souvenir du mime : une impression produite en le voyant faire son numéro, un ressenti personnel (un peu de gêne), une sensation qui évolue avec le temps qui passe. le malaise provoqué par l'affaire Dutroux. le comportement sortant de la normalité, d'un aveugle sur le quai du métro. L'incrédulité de nature très différente chez un jeune homme, et chez la jeune femme qui se retrouvent au lit ensemble. le sentiment de solitude pendant l'acte sexuel. La manière de raconter un souvenir, en fonction de l'inspiration du moment. Autant de sensations, d'émotions fugaces que l'auteur sait faire partager avec naturel et conviction. Indubitablement, Edmond Baudoin sait parler avec le cœur, avec les sentiments pour faire partager son état d'esprit, son expérience de la vie, sur chacun de ces sujets. Bien évidemment, l'histoire à base de visages de femmes en gros plans transcrit le comportement d'un homme à femmes, ce qui ne représente qu'un petit pourcentage du lectorat de l'auteur. En même temps, chaque lecteur fait ainsi l'expérience d'une fascination pour les visages féminins, pour l'éternel féminin, d'une appétence inextinguible, irraisonnée, jusqu'au constat de l'auteur : il faudrait enfin qu'il accepte l'évidence, il ne pourra pas toutes les aimer. Un ressenti encore du côté de la résignation, pas encore du côté de l'acceptation. le lecteur fait également l'expérience de regarder la réalité par les yeux de l'artiste. Lorsqu'il prend en main la bande dessinée, il considère l'esquisse en quatrième de couverture, pas bien certain de ce qu'elle représente. Après la première histoire, vient une esquisse au pinceau : un homme nu assis sur un tabouret. Entre la deuxième et la troisième, une femme en longue robe noire, en train de danser, représentée à deux moments différents. Il y a ainsi un dessin au pinceau entre chaque histoire, également un moment éphémère capturé par le mouvement du pinceau. Chroniques de l'éphémère : un titre énigmatique qui ne permet pas de se faire une idée de ce qu'il y a dans cette bande dessinée. Le lecteur découvre douze historiettes, racontées avec un trait de pinceau agile, expressif et concis, des phrases portant toute la personnalité de l'auteur, une histoire illustrée à la plume. À chaque fois, Edmond Baudoin sait offrir toute la spécificité de cet instant éphémère, ainsi que toute son universalité qui parle au lecteur, quelle que soit sa propre personnalité, son propre parcours de vie. Une expérience de l'humanité dans tout ce qu'elle a d'éphémère, mais aussi d'éternel.
La Porte de l'univers
C'est de l'humour de vieux, place aux jeunes. - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre, ne nécessitant pas de connaissance préalable de l’œuvre de l'auteur. Il a été réalisé par Daniel Goossens, pour le scénario, les dessins et les couleurs. Cette bande dessinée bénéficie d'une introduction d'une page rédigée par Édouard Baer, et d'une courte phrase sur le bandeau en quatrième de couverture de Benoît Poelvoorde (La porte de l'univers… Voilà qui met en appétit). Il se termine avec une postface de six pages, écrite par l'auteur, essayant d'expliquer son humour. Chapitre 1 : Robert Cognard. Ce monsieur est assis à sa table de travail : c'est un comique professionnel et il cherche de nouvelles idées de gags. Il est complètement à sec. Il n'a plus un gag en stock, lessivé. Que des redites. C'est la fin des haricots péteurs. Il se rend à la réunion de travail chez son employeur, mais il pousse la porte de la salle de réunion alors que celle-ci se termine, que tout le monde s'est déjà levé, et prend congé. Il s'adresse à Jean-Pierre, à Chantal, mais ils préfèrent l'éviter. Il se dirige vers le patron et il engage la conversation. Celui-ci lui propose de l'accompagner dans son bureau. Robert explique qu'il cherche du neuf, que ce n'est pas le tout de faire rire, qu'il faut également dénoncer la bêtise. Arrivé dans le bureau du patron, celui-ci explique que les gens sont exigeants, qu'ils veulent du nouveau, toujours du nouveau. Robert continue de soliloquer sur ses mollets poilus, mais le patron lui tend un chèque. Il lui conseille de prendre du bon temps, de s'amuser avec des filles. Il ne le vire pas, il lui offre la liberté, en conseillant à Robert de saisir sa chance. le comique s'en va, les larmes aux yeux, citant Pierre Desproges : on peut rire de tout, mais pas de n'importe qui. Robert Cognard est rentré chez lui. Il a relevé son courrier : les factures, les papiers d'huissiers, les convocations au tribunal, et il n'a plus le moindre gag en stock. Sa compagne Sheila a revêtu une robe pimpante assez courte. Une dispute s'en suit, et elle fait calmement sa valise, alors Robert s'emporte de plus en plus. Il se rend au bar et aborde une femme, lui racontant la blague de pourquoi Popeye avait des avant-bras musclés. Il finit par la raccompagner chez elle, tout râlant sur le fait que ça ne suffit plus de les faire rigoler, après, il faut allonger la friche. En entrant dans son appartement, il remarque une affiche de Corto Maltese. Il se lance dans un soliloque en s'adressant à la prostituée. Elle rêve d'être emmenée par un beau marin ? Elle aussi, elle est attirée par la lumière ? Il n'existe pas d'âme vraiment simple et pure ? Corto Maltese, c'est juste le prestige de l'uniforme. le p'tit foulard, les p'tits galons, la casquette de marin… Les vrais marins, ça se pomponne pas. Ça a pas l'temps pour la galipette. Y a-t-il donc que lui de lucide ? Si Corto Maltese avait eu le même succès avec une casquette Pernod, il aurait dit Chapeau l'artiste ! C'est facile quand on est marin et beau. Lui, croit-elle qu'on lui ferait une gâterie à l’œil avec la casquette de Corto Maltese ? On ferait la fine mouche, oui ! Un nouvel album de Daniel Goossens : plus de quarante-cinq ans de métier avec des histoires publiées dès 1976 dans le magazine Pilote, et des albums dès 1979. Ici, il propose une histoire continue, plutôt qu'une série de scénettes, composée de douze chapitres : Robert Cognard ; Les Grands du rire ; le Salon du rire ; La Taverne des artistes ; le Procès ; Dans le pétrin ; La plus belle femme du monde ; Les Marines de l'Alabama ; Épilogue ; La Porte de l'univers ; le Jugement dernier ; Dernier épilogue avant l'éternité. Toutes les caractéristiques qui font le charme de ce bédéiste sont bien présentes. le lecteur identifie immédiatement sa manière de dessiner : des décors tracés d'un trait sûr, allant à l'essentiel, parfois avec plus de détails le temps d'une case ou deux. le lecteur sait immédiatement où il se trouve : le bureau de Robert Cognard avec ses armoires métalliques à tiroir et son escabeau, la salle de réunion avec ses tables et ses fauteuils, le bureau du patron avec un mobilier plus couteux, le bel appartement du comique avec sa cheminée, un simple bar, un grand hall du bâtiment pour la convention, une salle de procès avec la barre des accusés, une cellule avec deux bat-flancs, une grande prairie avec des cowboys et des vaches, une navette spatiale. Les accessoires sont tout aussi parlants et bien choisis : la sacoche en cuir de Cognard, les tenues vestimentaires différenciées et faisant apparaître une facette de la personnalité du l'individu représenté, la coiffeuse de Sheila, le flacon de M. Propre, la reproduction des cieux d'un tableau de Vincent van Gogh, les différents modèles de fauteuil de bureau, le tutu rose, la selle de cheval, etc. L'artiste a atteint un niveau remarquable dans la représentation des personnages, leur posture, leur langage corporel, la palette d'expression de leur visage, au point de transmettre l'émotion avec un naturel évident, même si la représentation peut être exagérée, ou caricaturale. le lecteur ressent immédiatement une connexion avec Robert Cognard : un homme marqué par l'âge, sûrement la soixantaine, de petite taille, endurant, encore plein d'énergie, mais peut-être dépassé par l'époque, ne parvenant plus à lutter avec les nouvelles générations car il est vrai que l'humour se démode. Un homme qui essuie les échecs et qui les supporte sans se plaindre, un homme encore capable d'enthousiasme, un homme qui y croit encore. Quelqu'un qui essaye de se maintenir dans le coup, qui bosse pour proposer de nouvelles blagues, mais aussi quelqu'un avec les valeurs et la culture de sa génération. Il est impossible de rester de marbre devant cet individu avec des valeurs, avec une vraie envie de continuer, avec un tel cœur à l'ouvrage. le lecteur souffre avec lui quand il se heurte au refus poli mais implacable du patron, à la froideur de sa compagne qui ne le soutient pas, à la médiocrité des blagues de ses pairs se contentant d'un humour bourgeois, alors que lui reste un ouvrier dans l'âme. Il sourit devant le général qui se vante de ses cinq étoiles alors que son interlocuteur n'en a que trois, ou encore devant ce dieu à la longue barbe blanche, au halo impeccable et à la longue robe blanche immaculée. Et puis bien sûr, l'incongru et l'absurde sont fidèles au rendez-vous. Par exemple visuellement : Corto Maltese avec une casquette Pernod au lieu de sa casquette de marin, Robert jeune le pantalon et le slip baissés sur les chevilles en plein milieu d'un trottoir passant, Robert en tutu avec des mollets très poilus, le même Robert montant dans une fusée, etc. Sans oublier les caricatures de Corto Maltese à Capitaine Tintin & le jeune reporter Haddock, en passant par François Mitterrand avec sa belle écharpe rouge, Full Metal Jacket (1987) de Stanley Kubrick (1928-1999), ou une célèbre série policière télé. Ça dérape également dans l'absurde et dans l'incongru avec les réparties, à commencer par la citation erronée de Pierre Desproges (1939-1988) : on peut rire de tout, mais pas de n'importe qui. Ou encore ce détournement d'un aphorisme de Georges Brassens : Sans le talent, le travail n'est qu'une sale manie. En fonction de sa sensibilité, certaines blagues fonctionnent immédiatement sur le lecteur le faisant rire à haute voix, alors que d'autres le laissent interdit, entre platitude littérale et idiotie. Pourtant… Pourtant arrive un moment où l'émotion l'emporte sur tout. En pleine plaidoirie pour se défendre d'un gag éculé qui a mal tourné, Robert Cognard explique que le vrai courage est de laisser tomber son pantalon dans la rue d'un seul coup, sans prévenir. Et il a eu ce courage à dix-sept ans, et il n'est pas sorti intact d'une telle expérience. le lecteur éprouve un élan irrépressible de sympathie et de pitié l'emporter devant ce jeune homme humilié par l'indifférence des passants qui s'écartent, alors qu'il s'est littéralement mis à nu pour son art. Dans le chapitre huit, l'auteur réussit un autre exploit avec une élégance légère, celle de faire croire à l'élan d'amour pur entre son personnage principal et une vache faisant la figurante parmi un troupeau en arrière-plan dans un western. C'est ridicule, absurde et même idiot, et en même temps un drame d'une rare authenticité. Un peu plus loin, Robert Cognard parle de la société qui exige que les clowns se maquillent pour sortir, et le lecteur y voit l'écho de l'exigence que les femmes se maquillent, un écho pénétrant d'une exigence sociale implicite et lourde de sens. le lecteur se prend d'une réelle affection pour Robert Cognard dont il ne doute pas un seul instant que tout le monde prononce son nom comme s'il ne comprenait pas la lettre G. À certains moments, il se dit que cet artiste comique qui n'y arrive plus vraiment, qui semble atteint par la limite d'âge, incarne ce qui pend au nez de l'auteur lui-même, ou peut-être ce qui lui a déjà été mis dans les dents, que sa carrière est derrière lui, et que son grand prix de la ville d'Angoulême date de 1997. Avec cette idée en tête, il relève quelques phrases. C'est de l'humour de vieux, place aux jeunes. Un comique, c'est pas un génie, nom d'une pastèque en slip ! C'est un écorché vif, prêt à se déculotter pour le public ! Je suis un comique, moi ! J'ai besoin de prendre des risques ! Je ne peux pas me contenter de vos petites vies tranquilles. Puis le lecteur passe à la dernière partie : la postface écrite par l'auteur. Elle est constituée de six chapitres : Les aventures de Cognard - Les connivences - La connivence humaniste - Effets de manche et contenu intellectuel - Autres points de vue sur les mêmes phénomènes - de quoi je me moque et pourquoi ce n'est pas forcément partagé. L'auteur décortique ce qui le motive à s'exprimer, ce qui constitue son sens de l'humour. le lecteur découvre ou retrouve les intentions de l'auteur qu'il a pu percevoir, ou qu'il n'a pas saisies au cours de cette bande dessinée. C'est une véritable profession de foi, sans fausse modestie, sans acrimonie non plus. C'est honnête et intelligent, sans prétention, sans donner de leçon, sans fard. Un album de plus d'un bédéiste avec plus de quarante ans de métier ? Oui, bien sûr, c'est du Goossens. Pas seulement, car c'est un format long sous forme de douze scénettes, c'est une toujours aussi absurde et incongru, drôle et parfois impénétrable. C'est aussi une mise en abîme et une profession de foi directe. C'est abordable et enlevé. C'est un très grand cru.
La Petite Mort(e)
Davy mourier est un artiste de talent. Je l'ai d'abord connu avec Bad News que j'adore, un monument d'humour. Et que dire de la petite mort, un chef d'oeuvre d'originalité et dont l'adaptation web est tout aussi fantastique. Il retourne dans cet univers pour nous proposer la petite morte, je lis la bd et regarde en même temps la série web. C'est toujours aussi cool. Bravo Davy, continue comme ça, ça fait plaisir de voir des artistes aussi talentueux en France ??
God save the Queen
Souveraine légitime et petite cuiller - Au royaume des fées, la Reine Titania règne sur le peuple des fées depuis son palais. Pour s'asseoir sur ce trône, elle avait destitué des siècles plutôt la reine Mab. La tradition indique qu'il ne faut pas mettre la sortante à mort au risque de tomber sous sa malédiction. Problème : si la précédente n'est pas morte, elle peut revenir. Et c'est ce qui se produit ici. Titania se retrouve bien vite reléguée dans les oubliettes du château et les êtres du peuple qui n'ont pas voulu changer d'allégeance sont pourchassés et exterminés sans plus de cérémonie. Seuls ceux qui avaient été exilés sur terre ou qui y avaient fui pour ne pas recevoir un châtiment ou une condamnation réchappent à cette vengeance, ainsi que Cluracan. Pendant ce temps là, sur notre bonne vieille terre, dans les quartiers nord de Londres, Linda est lassée de sa vie avec sa mère alcoolique que son père a quittée. Elle poursuit ses études sans aucune conviction et elle entraîne Jeffrey, son ami d'enfance, dans ses frasques, en l'occurrence une virée en boîte. Pendant cette soirée, elle tombe sur un individu peu respectable dénommé Verian qui l'initie au plaisir du shoot à l'héroïne coupée avec le sang de Linda. Il s'agit de la troisième bande dessinée illustrée par John Bolton dans les années 2000, après Harlequin Valentine (une adaptation d'une nouvelle de Neil Gaiman) et The Furies (se déroulant dans l'univers du Sandman de Neil Gaiman). "The Furies" mariait les visions cauchemardesques de John Bolton avec des scènes plus quotidiennes de banlieue américaine. Pour ces dernières, Bolton avait recours à des photos travaillées par infographie pour donner l'impression de peinture, mais le résultat présentait quelques approximations trahissant un manque de maîtrise de l'outil. Graphiquement, John Bolton reprend le même dispositif pour cette histoire : des références photographiques transformées par l'informatique et des scènes dantesques et hallucinées dans le monde des fées. Cette fois ci, l'outil informatique est parfaitement maîtrisé et il n'y a plus de solution de continuité entre les décors et les personnages. Bolton a trouvé la bonne option pour repasser les photographies avec un outil qui donne une impression de coup de pinceau avec une peinture bien épaisse, et pour faire disparaître les éléments superfétatoires de la photographie. Ce dispositif lui permet de nourrir ses décors et de les ancrer dans une réalité très prosaïque, tout en en donnant une apparence interprétée par la vision de l'artiste. Il est également évident que certains personnages ont été conçus à partir de modèles vivants. Et là encore, Bolton ne se contente pas de décalquer, il impose une vision artistique en travaillant sur les couleurs et les textures. Enfin quand les protagonistes passent du coté du monde féerique, Bolton laisse libre cours à son imagination pour des visuels qui décoiffent, qui dérangent, qui horrifient, qui nous transportent ailleurs. John Bolton maîtrise comme peu la composition de couleurs pour une harmonie à toute épreuve en utilisant des teintes inattendues et provocantes. Il sait donner une texture spécifique à chaque élément et une épaisseur telle que le lecteur perçoit la sensation du toucher. Mike Carey a choisi de faire reposer son intrigue sur des éléments de la série Sandman (Titania, Cluracan, Puck), mais cette fois-ci le récit peut se lire sans avoir jamais ouvert un comics de Morpheus. Les 2 groupes de personnages sont plongés au milieu de situations qui sont tour à tour terre à terre, puis sortant de l'ordinaire. Les scènes les plus dérangeantes ne sont pas forcément celles que l'on attend. En particulier, le comportement à risques de Linda sur terre (piquouse et défonce) est beaucoup plus dérangeant que la parade des monstres. En seulement une centaine de pages, Mike Carey crée des individus avec des personnalités complexes et attachantes pour lesquels le lecteur ressent immédiatement une forte empathie. Et comble du plaisir de lecture, il ne se contente pas d'une fin de conte de fées, il oppose intelligemment le rétablissement d'un ordre au pays fictif des fées avec l'obligation de changement pour l'héroïne dans le monde réel. J'ai été transporté dans une autre dimension par les illustrations sophistiquées, riches et évocatrices de John Bolton qui a bénéficié d'un scénario adulte pour servir d'écrin à ses visions fulgurantes. Si vous aimez John Bolton, vous pouvez également tenter The Green Woman (scénario de Peter Straub), Army of Darkness (avec du sang et de la chair, scénario de Sam Raimi) ou The Black Dragon sur un scénario de Chris Claremont ou Batman : Manbat sur un scénario de Jamie Delano.
Le Retour
J'ai lu déjà deux BD de Duhammel et j'aime beaucoup l'intelligence qu'il met dans son propos, fustigeant une bêtise humaine qu'il se refuse de coller à une seule personne à chaque fois. Mais il me semble aussi adorer la thématique de l'individu en prise avec une société, montrant que ce n'est pas une question de trouver un arrangement, simplement que certaines situations ne peuvent pas s'arranger du tout. Je commence par cette petite précision parce que la BD "Le retour" est une sorte de banco de l'auteur. Je dirais facilement que c'est ma préféré jusqu'ici (et j'ai adoré #Nouveaucontact) parce qu'elle est parfaitement bien gérée. On a toute la vie d'une personne, son étrangeté et sa rugosité. Le personnage, par le dessin et le caractère, n'est pas sans me rappeler ceux qui parsèment déjà les autres BD qu'il a fait, mais aussi une sorte de miroir de l'auteur. Un artiste entièrement dévoué à sa cause, invivable, alcoolique parfois certes. Mais surtout un artiste qui se pose beaucoup de questions sur la portée de ce qu'il fait. L'histoire présente ici est d'inspiration réelle mais ne correspond pas à une réalité, et c'est tant mieux. Déjà parce qu'elle m'a donnée envie de découvrir le vrai personnage repris ici, mais surtout parce que je sens que l'auteur peut faire ici une réelle histoire qu'il tourne comme il veut. Je parlais plus haut de la bêtise humaine, elle est ici bien présente : corruption, intimidation, violence diverses, les personnages sont au cœur de bien des soucis. Mais en même temps quelque chose d'autre se dégage de tout ça : la volonté acharné d'un homme presque contre lui-même, l'art galvaudé par l'argent ou les drogues, l'écologie qui apparait timidement ... C'est plein de réflexions, plein de sens aussi dans les actions de chaque personnage. Et je dois dire que j'ai trouvé la recomposition de la vie minutieuse et importante. Elle finit par donner un portrait d'artiste étrange : fou, visionnaire, raté, violent, riche, malheureux, qui est-il vraiment ? Cette question a-t-elle seulement un sens ? Je trouve que cette BD soulève énormément de questions et beaucoup de réflexions. Celle que j'ai eu à la fin, c'est de savoir si l'humain pouvait protéger la nature sans devoir la considérer comme une œuvre d'art. Mais la BD est franchement très riche en réflexion et je suis déjà dans l'idée de la relire pour mieux la digérer. Une BD dense mais excellente, qui me fait réfléchir.
Nijinski - L'Ange brûlé
L'important, c'est le cœur qu'on met dans les choses et pas tellement la taille de la maison, ni la richesse. - Ce tome contient une histoire complète, une biographie de Vaslav Nijinski (1889-1950). La première édition date de 2022. Cette bande dessinée a été réalisée par Dominique Osuch, pour l'histoire, les dessins et la mise en couleurs. Elle comprend 255 pages. L'ouvrage se termine avec une biographie de cinq pages, une bibliographie de quinze ouvrages, et une documentation iconographique de six documents visuels sur les chorégraphies du danseur. Prélude. En janvier 1919, la famille Nijinski séjourne à Suvretta House, à Saint Moritz. Romola est sortie avec ses patins à glace, et elle dessine des arabesques en dansant, bien couverte dans un chandail de laine. Ce dernier par ressemblance de motif, évoque la croix en bois que Vaslav Nijinski s'est attachée au torse par une étoffe blanche. Il danse ainsi accoutré, torse nu, nue jambe dans la neige. Dans son esprit, il déclare qu'il veut dire aux hommes qu'il est Dieu. Il est ce Dieu qui meurt si on ne l'aime pas. Il a pitié de lui-même car il a pitié de Dieu. le soir du 19 janvier 1939, tous les notables et riches bourgeois se pressent à Suvretta House pour venir assister à la représentation du danseur : il paraît qu'il va se marier avec Dieu. La foule remplit bien vite le grand salon. le silence se fait progressivement, et Nijinski entre en scène, en tenue blanche, tenant une chaise sous le bras gauche. Il demande à la pianiste qui va l'accompagner de jouer quelque chose, du Chopin ou du Schumann. Elle s'exécute et il reste assis sur la chaise sans bouger. Son épouse s'approche pour demander à la pianiste de jouer quelque chose de plus connu, un extrait des Sylphides par exemple. Il se lève d'un bond en colère, criant qu'il n'est pas une machine et qu'il dansera quand il en aura envie. Il se rassoit, se concentre et se relève pour danser la guerre, guerre que les individus présents n'ont pas empêchée et dont ils sont aussi responsables. Acte I. (étincelles) Variation de l'élu(e). 29 mai 1913 sur la scène du théâtre de l'Élysée, Vaslav Nijinski et la troupe des Ballets russes interprètent le sacre du Printemps d'Igor Stravinsky, avec une chorégraphie de Nijinski. La salle reste interdite au début, puis les réactions se divisent entre spectateurs sous le charme, et une majorité lançant des injures et sifflant pour huer. Tant bien que mal les artistes terminent la représentation, sous les huées généralisées. Ils se retirent dans les coulisses où l'imprésario des Ballets jubile : ce scandale constitue les prémices d'une révolution de l'histoire de la musique et de la danse. Première chute. À l'été 1895, à Nijni dans le Novgorod, les époux Nijinski finissent de s'habiller pour sortir, laissant leurs quatre enfants seuls. L'ainé Stanislav est attiré par la musique, vers la fenêtre ouverte. Il se penche et chute du troisième étage. Son père a vu la scène et il se précipite pour le récupérer dans ses bras, et ainsi amortir sa chute, sous les yeux de son épouse et de leurs trois autres enfants. Un vrai défi : rendre compte de la vie et de l'art d'un danseur dans une bande dessinée. Dominique Osuch est déjà l'autrice de [[ASIN:2203079495 Niki de Saint-Phalle: le jardin des secrets]] (2014). Elle a choisi d'entamer cette évocation de la vie du danseur-étoile en 1919, après sa période la plus novatrice de 1912 à 1917. le lecteur est immédiatement conquis par les mouvements de Nijinski dans la neige, le découpage pour montrer l‘enchaînement de mouvements, les postures qui évoquent une maîtrise du corps peu commune, et une réelle grâce. La scène de danse suivante sur la scène de Suvretta House est toute aussi saisissante : la dessinatrice superpose le corps en mouvement du danseur sur des images de fond relatives à la guerre, faisant apparaître ce qu'il danse, la souffrance du soldat sur un champ de bataille de la première guerre mondiale. L'acte I s'ouvre avec la représentation du ballet le sacre du Printemps : l'effet premier est un peu atténué par la mise en scène de tous les danseurs, et par la priorité donnée aux réactions des spectateurs dans la salle. Par la suite, le lecteur assiste à plusieurs séances d'entraînement à l'école impériale de danse à Saint Petersburg, à quelques pointes, à quelques instants de L'après-midi d'un faune, du ballet le Spectre de la rose (chorégraphie de Fokine, 1911), les répétitions et une partie de la représentation de Petrouchka (chorégraphie de Fokine, 1911), du Sacre du Printemps, de la représentation de Till l'Espiègle (chorégraphie de Nijinski, 1917) et de Jeux (chorégraphie de Nijinski, 1913). En fonction de ses attentes, le lecteur peut se retrouver satisfait de voir évoqués ces ballets, moments essentiels de l'œuvre du danseur, ou un peu frustré que l'autrice ne leur ait pas accordé plus de pages avec une composante vulgarisatrice ou pédagogique plus développée. le début fait bien ressortir la rupture de l'approche artistique de Vaslav Nijinski, son caractère disruptif. En termes de structure de cette biographie romancée, la scène du prélude fait sens : montrer le moment où le danseur-étoile est au sommet de son art, et en même temps déjà enfermé dans son monde, dans sa maladie. Par la suite, il vaut mieux que le lecteur soit un peu familier la vie de Nijinski s'il ne veut pas perdre le fil par moment. L'autrice donne régulièrement un repère temporel avec une année, avec la représentation d'un ballet, avec un fait historique, ce qui permet de se situer. Mais certaines scènes n'en bénéficient pas, et d'autres semblent faire implicitement appel à la connaissance préalable du lecteur en s'appuyant sur des liens de cause à effet, ou des événements tenus pour sus. le lecteur néophyte peut parfois se retrouver déstabilisé en se demandant comment s'est opéré le montage financier et logistique de tel ballet, ou un retour d'une tournée dans tel pays, ou encore le début ou la fin de telle ou telle relation. En outre, l'ouvrage ne prenant pas en charge un rôle de vulgarisation, le lecteur ne prend conscience des talents de précurseur innovateur de Nijinski qu'au travers de la réaction du public, ou d'autres créateurs comme Isadora Duncan (1877-1927), ou Sarah Bernhardt (1844-1923), sans parvenir à bien saisir la nature de son génie et son expression. D'un autre côté, il s'agit également de la vie d'un individu à une période bien identifiée dans des cercles sociaux particuliers. Les pages présentent une belle variété visuelle, avec une proportion significative de plans taille et gros plans, sans qu'ils ne deviennent majoritaires. L'artiste réalise des pages au dosage parfaitement équilibré entre traits de contour définissant bien les silhouettes, les traits de visage et les formes des bâtiments, des intérieurs, des paysages, et une mise en couleur qui vient nourrir les surfaces ainsi délimitées. La qualité de cette complémentarité n'apparaît que si le lecteur fait l'effort conscient de séparer les traits de la couleur. À la lecture, les deux composantes se fondent dans un tout harmonieux. le récit commence avec cinq pages silencieuses, à l'exception d'une très courte phrase, donnant à voir l'ambiance lumineuse complexe et enchanteresse au-dessus de la glace, la texture du pull en laine de la femme, l'ambiance lumineuse très particulière de la neige à la fin de la tombée de la nuit, le paysage enneigé de montagne avec les sapins et au milieu Suvretta House. Puis il passe à la chaude lumière à l'intérieur du bâtiment avec les bourgeois bien emmitouflés, en habit ou robe de soirée sous leur manteau. le lecteur se trouve transporté dans ce lieu, à cette époque. Au fil des épisodes de la vie de Vaslav Nijinski, le lecteur voyage et se mêle à différents cercles sociaux, grâce à une narration visuelle riche, solide, élégante et légère. Ainsi il est le témoin de la chute d'un enfant depuis le troisième étage dans une cour d'immeuble. Il assiste à une représentation de marionnettes Petrouchka, aux exercices de danse dans l'académie de danse impériale de Saint-Pétersbourg, à la remise de prix par l'empereur et l'impératrice dans le théâtre Mariinsk à l'occasion de la fête de l'empereur, à un bal masqué dans le palais Kchessinskaia, à une discussion intime autour du bassin à carpe de la demeure du prince Lvov à Saint Pétersbourg, à des ripailles dans une taverne mal famée en compagnie de prostituées bon marché, à une répétition sur les marches d'un palais à Monaco, à des roulades dans l'herbe entre Nijinski et sa fille dans l'île de Bar Harbor aux États-Unis, à des répétitions sur le pont d'un paquebot lors d'une traversée transatlantique vers Buenos Aires, etc. À chaque fois, les costumes sont choisis et représentés avec soin, à la fois en termes de d'exactitude historique, à la fois en cohérence avec le lieu, l'activité et le climat. Afin d'éclairer la danse de Vaslav Nijinski, l'autrice met visuellement en relation des expériences de vie fortes, voire traumatiques et certaines de ses chorégraphies, de ses mouvements, ce qui donne à voir la façon dont il exprime ses émotions, ses ressentis, ses sentiments. Cela amène Dominique Osuch à mettre en scène de manière descriptive ou de manière allusive ces moments. le lecteur peut voir Stanislav monter sur le rebord de la fenêtre, perdre l'équilibre et tomber, ou Vaslav tomber vers le fond d'une piscine remplie puis pousser sur ses jambes pour remonter sans que l'inquiétude ne se lise sur son visage alors qu'il ne sait pas nager. de même le lecteur le voit enfant, lourdement chuter lors d'exercices de danse sans surveillance du fait de la malveillance d'un de ses camarades, ou encore avoir une relation sexuelle avec un homme plus âgé, alors que par comparaison la répression sanglante de la foule le 8 janvier 1905 se limite à deux images, ou encore le mime d'un orgasme à la fin de la première représentation de L'après-midi d'un faune n'est surtout évoqué que par les mots. Une bande dessinée très ambitieuse : réaliser une biographie de la vie de Vaslav Nijinski qui est bien documentée, ce qui impose de faire des choix, reconstituer une époque historique, et de nombreux lieux et cercles de société, rendre apparent l'apprentissage de cet artiste hors du commun, son approche en décalage avec les traditions, sa vie intime, ses traumatismes et les événements qui ont marqué sa personnalité et sa sensibilité, leur incidence sur son art. La narration visuelle s'avère d'une élégance rare, grâce à une complémentarité organique épatante entre formes détourées et couleurs, et une capacité étonnante à mettre la description au service de la sensation et de son expression. du fait de ce parti pris sous-jacent, la lecture peut parfois sembler heurtée, le propos ne relevant pas d'une exposition explicative explicite ou d'une vulgarisation, mais d'un parcours de vie nourrissant et modelant un artiste, d'un besoin vital de s'exprimer.
Scènes de la vie de banlieue
Le troupeau aveugle - L'intégrale des scènes de la vie de banlieue : Scène de la vie de banlieue (1977), Accroche au balai j'enlève le plafond (1978), L'Hachélème que j'aime (1979), soit trente-et-une histoires allant de une à dix pages, toutes en couleurs, écrites, dessinées et mises en couleurs par (Philippe) Caza (Cazaumayou), à l'exception de trois qui ont été mises en couleurs par Scarlett Smulkowski. L'intégrale comprend également sept illustrations en pleine page. Elle s'ouvre avec un texte introductif d'une page, rédigé par l'auteur en 2003, à l'occasion de la première édition en intégrale. Il évoque avec un certain humour et une certaine fatalité le monde de la banlieue dans les années 1970. Dans une belle banlieue aux immeubles espacés et à l'herbe riante, un homme se promène. Il repère un caillou rouge sur la route et il le ramasse. Celui-ci lui dit : Mercitre. L'homme le ramène dans son appartement et le dépose négligemment dans un cendrier. Il remarque qu'il a encore une tâche rouge au milieu de la main. Il va se les laver, mais elle ne part pas. Il revient dans le salon et voit que le cendrier est rouge, comme si le caillou avait déteint. L'auteur a longtemps porté les cheveux courts, la barbe aussi. Ça lui faisait un visage plutôt rigoureux, en accord avec le style de graphisme qu'il pratiquait alors. Et puis vient le jour (l'hiver arrivait et le froid…) où il décide de laisser pousser tout ça, histoire de voir la tête que ça lui fait. À la fin de l'hiver, ça commence à prendre un aspect intéressant. de plus, il réalise une sérieuse économie de coiffeur et de lames de rasoir. Si bien qu'il décide de continuer. C'est alors que ses cheveux commencent à verdir. L'auteur est réveillé la nuit par des bruits, comme une voiture qui aurait un accrochage dans le virage en bas de chez lui. Il finit par se lever pour descendre voir, puis par veiller dans sa propre voiture pour essayer de repérer le véhicule et le chauffeur. L'auteur quitte sa banlieue et se rend à Villeville en voiture. Il finit par la stationner à côté d'une bouche de métro et il se déplace en métro. Quand il veut retourner à sa voiture, il se rend compte qu'il ne sait plus à quelle station il l'a garée. L'auteur est à sa table à dessin et il finit par se sentir seul. Chaque objet vers lequel il se tourne lui adresse une phrase. Sept heures du soir en hiver, en Banlieue-sur-Seine, il fait déjà presque nuit. Les indigènes flasques se terrent au sein de leurs pavillons bien clos. Déjà les télés baignent les salles de séjour de leur lumière ultra-violette. On entend des bruits d'apéritifs, de biftecks grillant et, dans la chambre du haut, le tourne-disque de ce bon dieu de gosse qui braille Be-Bop-A-Lulla pour la sixième fois consécutive. Dehors il n'y a rien. Personne. L'auteur s'est fait pirate et il s'en prend aux hachélèmes, à bord de son petit immeuble baptisé Mon Rêve. Marcel Miquelon se regarde dans le miroir de la salle de bain et il ne peut pas croire ce qu'il est devenu. Toute une époque ! En fonction de son histoire personnelle, le lecteur est plus ou moins familier de l’œuvre de cet auteur, et de cette période. Peut-être découvre-t-il l'un comme l'autre. Peut-être est-ce une période qu'il a vécue, adulte, adolescent ou enfant. Philippe Cazaumayou a marqué le paysage de la bande dessinée française, participant au magazine Métal Hurlant, avec d'autres auteurs déjà connus comme Alexis, Gotlib, Nikita Mandryka, Jacques Tardi, Enki Bilal, F'murr, Jean-Claude Forest, Yves Got, Jacques Lob, Paul Gillon, René Pétillon, Francis Masse. Il est également resté dans les mémoires pour avoir réalisé la couverture de nombreux livres de la collection Science-Fiction de l'éditeur J'ai Lu, dans les années 1970. Cela peut donc être une occasion rêvée soit de retrouver ses histoires courtes pour le magazine Pilote, soit de découvrir cet auteur. La lecture en est agréable dès le début, avec des dessins propres sur eux dans un registre descriptif, une mise en couleurs riche, parfois teintée de psychédélisme mais sans en devenir pénible et des histoires courtes et variées. Il faut passer les quatre premières histoires, soit une vingtaine de pages, où Caza semble encore chercher la bonne répartition entre images et textes, ceux-ci étant étrangement redondant. Dès la première histoire, le lecteur ressent la sensibilité de l'auteur : des restes hippies hérités de la décennie passée, une forme d'aliénation générée par la vie en banlieue, un goût pour une forme d'anticipation légère, avec parfois une touche de science-fiction, parfois une touche fantastique, ou une touche d'horreur. le lecteur n'ayant pas vécu ces années découvre les préoccupations et les thèmes reflétant une époque, dans un cadre de vie qui est celui de la banlieue et des Habitations à Loyer Modéré (HLM). Celui qui les a vécues ressent une forte bouffée de nostalgie, les préoccupations sous-jacentes de ces années-là. Au fil de ces trente-et-un récits courts, Caza évoque un environnement bétonné déconnecté de la nature, le labyrinthe urbain de la capitale, l'ultra moderne solitude, le comportement très conformiste et soumis de la majorité scotchée devant son écran de télévision le soir et se couchant tous à la même heure, les rapports de voisinage conflictuels dans des immeubles à l'insonorisation défaillante, le gris du béton et l'absence de couleurs, la présence sourde des forces de l'ordre, l'altérité culturelle de certains voisins, les tentatives pour échapper à cette uniformisation de masse, et déjà des problèmes environnementaux tels que le réchauffement climatique ou la production sans cesse croissante d'ordures ménagères. En fonction de son état d'esprit, le lecteur peut être assommé de découvrir que ces préoccupations bien d'actualité existait déjà dans les années 1970 et qu'elles n'ont fait qu'empirer, ou bien se dire que c'est une constante de la société humaine. de temps à autre, il décèle l'influence d'un auteur de science-fiction des années 1970, comme la citation explicite du livre le troupeau aveugle (1972) de John Brunner (1934-1995). La manière de dessiner de l'artiste progresse tout au long de ces histoires, certaines caractéristiques restant présentes du début à la fin. Il réalise des cases descriptives, avec au départ un trait de contour fin, et de toutes petites hachures pour renforcer les textures. Par la suite en fonction des besoins, il peut utiliser un trait plus gras, pour une séquence nocturne ou pour donner plus de poids à des personnages ou des éléments de décor. Il s'investit beaucoup dans la représentation des décors, des objets du quotidien. Avec les petites hachures, cela donne presque une sensation tactile : le lecteur peut tourner son regard pour détailler l'aménagement de chaque lieu, la carrosserie d'une voiture, les meubles et les accessoires présents dans chaque pièce. Selon la fonction de l'objet ou du lieu, le dessinateur choisit de faire varier le degré de détail, d'une représentation photoréaliste à une représentation naïve. Il fait également varier le registre de représentation des individus, également du photoréalisme à la caricature, en fonction de l'effet qu'il souhaite obtenir. le résultat est visuellement très riche, tout en présentant une unité remarquable, celle de la vision d'un auteur. de temps à autre, le lecteur repère une influence, comme celle de Bernie Wrightson dans Homo-detritus. D'histoire en histoire, le lecteur se rend compte qu'il ralentit sa vitesse de lecture sur telle ou telle page pour mieux l'apprécier. Les images l'emmènent ailleurs : une promenade dans un espace vert, un cimetière de voitures, des couloirs de métro qui rendent claustrophobe, le pavillon de banlieue de classe moyenne, la cage d'escalier pour se rendre à l'étage du dessus, une salle de bains avec un éclairage maladif, un cimetière de nuit, une plage paradisiaque, une taverne moyenâgeuse, etc. Il lui reste de nombreuses images en tête une fois l'ouvrage refermé : une chevelure fleurie, un bébé-voiture, la masse compacte des agents de la Métro-police (plus d'une centaine dans une seule case), le pavillon-vaisseau Mon Rêve, Marvel Miquelon montant les marches une à une dans la cage d'escalier, l'éléphant essayant de passer par la porte du salon, la parodie de kung-fu (Congue-fou), la destruction d'un gratte-ciel avec ses étages en feu de nuit, Caza se battant contre une pieuvre géante au fond de l'océan, une intervention télévisuelle du ministre Marcel Miquelon, la tête du même Marcel brandie à bout de bras par le bourreau après un décolletage à la guillotine, un massacre sanglant de zombies, etc. Sans abuser des effets, Caza utilise les couleurs de manière personnelle, parfois avec une touche psychédélique, parfois avec une couleur dominante très vive comme le rouge du sang, parfois en jouant avec l'exagération du noir des ombres portées. S'il est familier de cette époque, une fois passé l'effet très puissant d'une immersion complète dans son ambiance, le lecteur revient au simple plaisir de lecture. La narration visuelle emporte le lecteur dans des ailleurs souvent légèrement en décalage avec le quotidien gris et morne des environnements bétonnés des hachélèmes, parfois beaucoup plus exotiques. Il apprécie d'autant plus ce témoignage que l'auteur se montre aussi facétieux. D'un côté, la chute de l'histoire est souvent prévisible ; de l'autre côté, Caza fait montre d'une réelle affection pour ses personnages. D'un côté, une partie des récits met en scène un avatar de l'auteur, un homme d'une trentaine d'années réalisant des bandes dessinées, résigné à vivre dans un hachélème peu propice à la créativité. D'un autre côté, Marcel Miquelon fait naître une empathie inattendue. Un homme d'une cinquantaine d'années, empâté, terne et accordant une priorité absolue à son train-train quotidien, prêt à exterminer tout ce qui vient troubler cet ordre totalement dénué de fantaisie, qu'il veut immuable. le lecteur se prend d'affection pour cet homme réactionnaire et sans éclat, pour ce pauvre être humain contraint de faire face à des événements (à commencer par le comportement des voisins du dessus) qui troublent sa vie morne et répétitive, auquel il doit faire face avec ses capacités d'adaptation quasi inexistantes. Il savoure de ci de là des jeux de mots narquois, par exemple S'afesser au lieu de S'affaisser pour Marcel Miquelon se vautrant dans son canapé, devant son poste de télévision. Les décennies passant, le magazine Métal Hurlant est devenue une référence dans l'évolution de la bande dessinée, à commencer par les apports de Philippe Druillet et de Moebius (Jean Giraud). Caza mérite pleinement sa place dans cette phase, un auteur complet, avec une personnalité graphique moins flamboyante, mais tout aussi solide, des récits d'anticipation ancrée dans la réalité de la banlieue française des années 1970, un ton parsemé d'humour et de poésie. Plus de quatre décennies plus tard, c'est un vrai plaisir de lecture de se plonger dans ce recueil pour une satire gentille sans être naïve, des images et des situations mémorables, des personnages très humains.