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Évoluer ou périr - Ce tome contient une histoire touffue, à la fois redémarrage, prologue et saison complète. Il comprend deux miniséries complètes House of X et Power of X, chacune de 6 épisodes, initialement parus en 2019, tous les numéros étant écrits par Jonathan Hickman. La minisérie House of X a été dessinée et encrée par Pepe Larraz, et mise en couleurs par Marte Gracia (avec l'aide de David Curiel pour l'épisode 6). La minisérie Power of X a été dessinée et encrée par R.B. Silva, avec l'aide de Larraz pour les dessins de l'épisode 6 et d'Adriano di Benedetto pour l'encrage des épisodes 1 & 2. Sa mise en couleurs a également été réalisée par Marte Gracia avec l'aide de David Curiel pour l'épisode 6. Ce tome contient les couvertures originales, ainsi que 88 couvertures variantes, à raison de 4 par pages. Dans une grotte végétale, un individu en combinaison noire moulante avec un casque intégral marqué d'un grand X regarde des individus sortir de cocons végétaux. Il y a 5 mois, Colossus cueille des fleurs sur Krakoa. Il y a 4 mois Storm quitte l'école de Westchester. Il y a 3 mois Nightcrawler plante une fleur dans la zone bleue de la Lune. Il y a 2 mois, Armor se recueille sur Mars devant un parterre de fleurs. Il y a un mois Beast observe un arbre en Terre Sauvage. Au temps présent, à Jérusalem, la façade d'un immeuble est recouverte de plantes. Six ambassadeurs d'autant de pays différents y entrent et sont accueillis dans l'Habitat, une extension de Krakoa, aménagée par les Stepford Cucckoos. Ils sont accueillis par Esme et Sophie, ainsi que par Magneto qui indique qu'il représente Charles Xavier, indisponible pour le moment, en tant qu'ambassadeur. La double page suivante présente les médicaments issus des fleurs de Krakoa par le biais de brefs paragraphes : 3 pour les humains (les médicaments L, I et M) et trois pour les mutants. Dans l'habitat Greymalkin à Westchester dans l'état de New York, Marvel Girl fait faire le tour du propriétaire à de jeunes mutants. Quelque part à Krakoa, Douglas Ramsey effectue des réglages dans la salle de contrôle, avec Sage. À la suite de leur visite, les enfants et les adolescents arrivent dans une clairière où se trouvent Wolverine et Charles Xavier. Un petit vaisseau spatial s'arrime à une station en orbite autour du soleil. La docteure Gregor pénètre dans la station, accompagnée de deux autres personnes. Elle prend la décision d'ouvrir son casque : l'atmosphère est tout à fait respirable, juste un peu fraîche. Elle décide de poursuivre son exploration avec Karima. En continuant leur tour de la base, elles évoquent le temps pour que la Forge soit opérationnelle, ainsi que les protocoles Orchis. Ces derniers ont été mis en œuvre quand les modèles de projection de développement de population ont abouti à une prévision stable des objectifs de Charles Xavier. Vue de l'extérieur, la Forge a la forme d'un anneau, avec en son centre une tête robotique géante. Les deux pages suivantes explicitent la nature des protocoles Orchis, ainsi que la composition de cette organisation, constituée à 31? personnel de l'AIM, 24% du SHIELD, 16? STRIKE, 8? SWORD, 7% d'Alpha Flight, 5? HAMMER, 5% d'ARMOR, et 4% d'Hydra. Pendant ce temps-là, Mystique, Sabretooth et Toad effectuent un casse dans un entrepôt de stockage de Damage Control pour récupérer quelque chose. Ils sont interceptés à la sortie par les Fantastic Four. Lorsqu'il commence cette histoire, le lecteur sait qu'il s'agit d'une forme de redémarrage pour les X-Men, un projet éditorial d'envergure. S'il ne connaît pas les X-Men, il est vite largué par le nombre de personnages (plusieurs dizaines), et par les références non explicites à des événements passés. Sinon, il se lance dans une aventure dont il n'a pas idée de l'ampleur. Jonathan Hickman a pensé ses deux miniséries comme formant un tout : l'histoire a été publiée sous la forme de deux miniséries pour répartir la tâche de dessiner entre deux artistes afin d'assurer un rythme de parution régulier et soutenu. Dans le cadre de ce recueil, la distinction entre House of X et Power of X n'est pas marquée, les couvertures se trouvant reléguées à la fin. Il s'agit donc d'un récit qui se lit d'un seul tenant. le lecteur observe que le scénariste a choisi d'utiliser des paragraphes de texte sur des pages sans dessin pour pouvoir intégrer toutes les notions et tous les concepts qu'il met en œuvre. Ainsi le lecteur découvre comment les fleurs de Krakoa sont utilisées pour fabriquer des médicaments, comment une organisation composite a vu le jour pour gérer l'augmentation inéluctable de la population de mutants, ce qu'est un mutant de niveau Oméga et qui ils sont, le déroulement du programme génétique de Mister Sinister sur plusieurs générations, le déroulement de 10 vies en parallèle d'une mutante, les différents types de sociétés composées d'intelligence artificielle, les différentes générations de Sentinelles, etc. Très vite, le récit dépasse la simple histoire de quelques mutants emblématiques pour devenir l'histoire d'un peuple, mais aussi un croisement de lignes temporelles, et un récit de science-fiction manipulant des concepts bien construits trouvant leurs racines dans la riche histoire des mutants Marvel. Jonathan Hickman emmène son lecteur dans une intrigue dense, regorgeant de personnages emblématiques des séries X-Men et de mythologie interne, pour un récit de science-fiction foisonnant, entremêlant différents fils narratifs et différentes lignes temporelles parallèles. Il le fait avec un art consommé du suspense, de la recomposition chronologique, sans jamais perdre son lecteur, avec des enjeux se découvrant progressivement, des stratégies à long terme, et même à très long terme pour certaines, et des modifications majeures pour les mutants, à commencer par la création d'une nation avec un territoire bien à elle, un langage basé sur un autre alphabet, une politique extérieure ferme sans être agressive, et des lois intérieures en cours d'élaboration. Il ne sacrifie en rien les conventions des récits de superhéros : le lecteur a le droit à des utilisations spectaculaires de superpouvoirs pyrotechniques, à des combats dantesques exprimant des conflits idéologiques ou moraux. Le lecteur prend très vite conscience que Jonathan Hickman mène la barque et que la mission dévolue aux deux artistes est de donner à voir ce qu'il a imaginé, plus que de participer à l'élaboration de l'intrigue. D'un côté, il est possible de les voir comme de simples exécutants ; de l'autre côté leur tâche est imposante. Au départ, le lecteur observe que les traits de contour de Pepe Larraz sont plus méticuleux que ceux de R.B. Silva, et que le premier représente plus de choses dans ses cases que le second. Mais bien vite, il oublie cette distinction qui s'amenuise un peu au fur et à mesure que la pression des délais augmente, mais encore plus parce qu'il n'y a aucune solution de continuité entre les deux dessinateurs : la coordination visuelle est impeccable. En outre, Marte Gracia renforce l'unité visuelle entre les deux artistes, en réalisant l'intégralité de la mise en couleurs, avec une palette riche, utilisant les capacités de l'infographie pour rehausser les reliefs, intégrer des effets spéciaux, réaliser des camaïeux sophistiqués, amplifier la pyrotechnie. de temps à autre, le lecteur perçoit que l'un ou l'autre des artistes se retrouvent avec une page de dialogue et qu'il fait un effort plus ou moins conséquent pour concevoir une prise de vue montrant l'environnement, les postures, ou qu'il opte pour une approche plus simple avec des têtes en train de parler avec des angles de vue plus ou moins variés. Dès les deux pages de la mystérieuse séquence introduction, le lecteur découvre une façon de dessiner consensuelle pour les comics de superhéros : un bon niveau de détails, des dessins réalistes, une manière de simplifier les éléments sans les affadir, des plans poitrine ou plus rapprochés encore lors des dialogues. Il retrouve également la capacité impressionnante des artistes de comics à rendre les images spectaculaires et il est servi tout au long de ces 12 épisodes. À l'évidence, Jonathan Hickman téléguide la mise en page, que ce soit le découpage par pages ou parfois la forme des cases dans une planche. Il garde toujours à l'esprit que la bande dessinée est un média visuel et sait composer des images mémorables et des séquences choc. le lecteur a les yeux écarquillés pour ne rien perdre de la découverte de l'habitat à Jérusalem, tout aussi curieux que les ambassadeurs. Par la suite, il se repaît du spectacle visuel : l'apparition hiératique de Magneto, l'aspect paradisiaque du milieu naturel de Krakoa, la révélation de la forme de la station Orchis avec le soleil en arrière-plan, l'assurance retrouvée de Cyclops, le charme inquiétant de Moira, la froideur indéchiffrable de Nimrod, l'interrogatoire menée par Destiny (Irene Adler) tranquillement assise sur une chaise au milieu des flammes, etc. Il ne s'agit pas tant de surprises visuelles ébouriffantes, que de la capacité de R.B. Silva et Pepe Larraz de parvenir à tenir le rythme des concepts, des personnages, des environnements qui déboulent sans temps mort dans le scénario. Au cœur du récit se trouve le concept de mutant, la modification qui apporte le renouveau. Un personnage résume la situation par Évoluer ou périr. Bien sûr, il s'agit du thème présent dès le premier épisode paru en 1963, avec en trame de fond le thème de la différence et de l'intégration. Jonathan Hickman n'hésite pas à faire un clin d'oeil à la notion de communauté différente en mal de nation en plaçant un habitat à Jérusalem, un personnage faisant explicitement référence au symbole que cela constitue. Cette mise en parallèle ne va pas plus loin. D'un autre côté, le scénariste reprend de nombreux éléments précédemment créés et développés dans la série, à commencer par les principaux mutants, et par Krakoa. Il pioche aussi bien dans les apports de Chris Claremont, que dans ceux de Scott Lobdell et Fabian Nicieza, et même quelques-uns dans ceux de Brian Michael Bendis (le retour très inattendu de Fabio Medina, appelé Goldballs). Conformément aux exigences éditoriales, le scénariste met à profit la continuité du titre. le lecteur a également conscience que son histoire doit servir de base aux développements de plusieurs années à venir, doit redéfinir le statu quo des mutants pour devenir le terreau de nouvelles histoires. Il est forcément inquiet de savoir si le récit tiendra la route pour lui-même, et non pas comme un prologue artificiel, uniquement satisfaisant en tant que point de départ, ou en tant qu'outil prétexte pour les séries mensuelles à venir. Lassé de la régurgitation des sempiternels même intrigues, le lecteur attend du changement et de la nouveauté. Il ne s'attend pas forcément à l'utilisation d'autant d'éléments du passé, ni à une telle profusion d'idées, et il est possible qu'il soit rebuté par le nouveau statu quo. Force lui est de reconnaître que Jonathan Hickman ne fait pas les choses à moitié et qu'il est vraiment investi dans son récit, bien au-delà d'un simple travail de commande, ou d'un simple effet choc pour donner l'impression de secouer le cocotier. le scénariste développe le thème de l'évolution et des mutations, en partant de la mutation d'une société de chasseurs & cueilleurs à une société agraire, en passant par l'invention d'un alphabet de toute pièce, pour aller jusqu'au questionnement de la nature de l'évolution quand une espèce n'est plus liée à un environnement spécifique. Même s'il est toujours possible de regretter que Hickman préfère un récit reposant sur l'intrigue plutôt que sur les personnages, il n'empêche que cette intrigue entremêle de nombreux fils narratifs qui mènent jusqu'à leur terme logique des notions plus ou moins bien gérées par le passé. Il suffit de considérer comment il repositionne Nimrod comme sentinelle ultime, ou comment il rétablit une distinction claire entre les objectifs d'Apcalypse et ceux de Mister Sinister, et il réinsuffle un sens aux agissements de ce dernier. Au final, ce récit constitue une saison d'une richesse étourdissante, suffisante pour elle-même, avec une évolution (une mutation ?) du positionnement des mutants, vers quelque chose de différent, rarement vu à cette échelle, et plus plausible dans les années 2020, 60 ans après le début de la série. Sans aucun doute, ce récit s'avère une réussite, à la fois en termes d'intrigue, de cohérence visuelle, et d'ambition éditoriale. Ce ne sont plus les X-Men des décennies passés, ils vont de l'avant, dans une histoire riche et intéressante, avec une narration au rythme maîtrisé. Jonathan Hickman met à profit des décennies de mythologie, dans un tout d'une rare cohérence, sans ressasser ce qui a déjà été fait, en allant plus loin. Il reste à savoir si ce projet se développera dans des séries mensuelles aussi cohérentes (au moins celle des X-Men écrite par Hickman), ou si la machine va s'emballer hors de contrôle, l'éditeur ne pouvant résister à la tentation de produire tant et plus de séries du moment que ça se vend. En tout état de cause ce récit se suffit à lui-même, constituant une saison extraordinaire, d'autant plus savoureuse que le lecteur est familier des grandes heures de la série.

11/07/2024 (modifier)

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La fin ne justifie pas les moyens. - Ce tome contient une histoire complète qui peut se lire avec une connaissance superficielle de Silver Surfer. Il comprend les 5 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2019, écrits par Donny Cates, dessinés et encrés par Tradd Moore, et mis en couleurs par Dave Stewart. Il comprend les couvertures originales de Moore, ainsi que de nombreuses couvertures variantes réalisées par Mike Zeck, Nick Bradshaw, Gerald Parel, Mike Deodato, Marcos Martin, Giuseppe Camuncoli, Bengal, Alex Garner, Peach Momoko, David Nakayama, Cian Tormey (*2), Ron Lim (*5). Silver Surfer est en train de voguer dans l'espace sur sa planche, la silhouette de Galactus derrière lui, et il se présente : Norrin Radd dernier survivant de Zenn-La, une noble lumière dans des ténèbres sans fin, le défenseur des faibles, un ami, un allié, un amoureux, un sauveur, mais aussi le héraut de Galactus, la mort, le témoin de la mort des peuples de planètes entières (Masikron, Elynore-143; Draven-Barr), et tant d'autres. Au temps présent, Silver Surfer se bat aux côtés d'une vingtaine de superhéros à la recherche du corps de Thanos, tombés dans un piège tendu par le Black Order, la garde rapprochée de Thanos. Il parvient à les sauver à créer un phénomène cosmique qui leur permet de regagner l'espace normal, mais lui reste prisonnier de l'anomalie créée par le Black Order. Il se retrouve aspiré dans les ténèbres avec la sensation de tomber sans s'arrêter, pendant des années. Lentement son corps guérit. Au loin, il aperçoit des étoiles : il les voit naître, briller, se déchaîner, et finalement s'éteindre morte. À un moment, il aperçoit la source, quelque chose qui tue dans les ténèbres. Il ne peut pas le permettre. Il fait apparaître sa planche et entame le trajet vers cette abomination. Silver Surfer finit par chuter vers le sol de cette planète. Il se retrouve devant un immense portail, devant lequel se tiennent 3 gardes de très haute taille, l'un armé d'une lance, l'autre d'une épée et le troisième de deux marteaux. Ils refusent de lui laisser l'accès à la pièce qu'ils gardent. le combat s'engage. Silver Surfer se rend vite compte que ces guerriers ne se battent pas qu'avec leurs armes, mais que la planète elle-même devient une arme pour eux. Ils parviennent à sectionner sa planche en deux. À son tour, il se sert de sa planche comme d'une arme pour sectionner, pour frapper, réussissant à placer le chevalier à l'épée entre les deux marteaux de l'autre chevalier. Mais le chevalier à l'épée repart de plus belle et frappe Silver Surfer en plein ventre, le clouant au sol de la planète qui commence à l'avaler, à l'entraîner dans les ténèbres. Cette histoire constitue un projet qui sort de l'ordinaire de la production Marvel à bien des égards. Pour commencer, ce recueil est publié dans un format un peu plus grand que celui d'une bande dessinée franco-belge, et donc beaucoup plus grand que le format comics. Ensuite, il met en scène Silver Surfer avec un flux de pensée intérieur, évoquant rapidement l'approche de Stan Lee & John Buscema dans la série de 1968 : un individu en proie à des questionnements philosophiques, confronté à des manifestations du mal, de la violence, de la souffrance, de la cruauté. C'est une approche du personnage et de la narration assez difficile à rendre viable dans un comics de superhéros basé sur les affrontements physiques, un médium limité dans sa capacité à approfondir des sujets philosophiques, sans provoquer un rejet progressif du lecteur du fait d'une narration trop ouvertement égocentrée. Or le ressenti est très différent. Donny Cates commence par un rappel de la nature du personnage, pas tant de ses origines (la scène d'arrivée de Galactus sur Zenn-La n'est pas reprise, ni celle de la transformation de Norrin Radd en Silver Surfer), mais bien de sa fonction en tant qu'héraut : trouver des planètes pour servir de nourriture à Galactus, et être le témoin passif de l'annihilation de leurs populations si elles sont habitées. Ensuite il connecte cette histoire avec la continuité du moment de l'univers partagé Marvel, en particulier avec les événements de la série Gardiens de la Galaxie qu'il écrit dont il est également le scénariste. Cates entame son récit avec une démarche à l'opposé de celle d'un auteur qui ferait une histoire complète indépendante de la continuité pour attester qu'elle s'élève au-dessus de la production industrielle. Par contre, dès la première page, le lecteur se rend compte que cette histoire sort du lot du point de vue graphique. Il reconnait peut-être le nom de Dave Stewart : un coloriste ayant fait progresser les standards du métier tout au long des années 2000, et capable d'adapter son approche chromatique à l'artiste qui a réalisé les dessins. C'est également le cas pour ce projet. Sur les pages 2 & 3, le lecteur est comme hypnotisé par e travail sur les nuances de rouge orangé évoquant les destructions et les morts causées par Galactus dans le passé, avec un discret reflet orangé sur la tête de Silver Surfer, sa peau ayant un fort pouvoir réfléchissant. En découvrant les dessins fluides et denses des pages 4 & 5, le lecteur mesure l'apport de Dave Stewart pour améliorer la lisibilité, en faisant ressortir chaque élément, ainsi que son utilisation maîtrisée de la myriade d'effets spéciaux rendus possibles par l'infographie, en particulier sur les maillons des chaînes incandescentes du Rider. du grand art. La couverture montre que Tradd Moore aime bien les traits encrés à l'intérieur du pourtour des surfaces pour donner une sensation de texture, mais aussi de mouvement mis en évidence par la lumière. Cela se trouve confirmé dès la première page (un dessin en pleine page de Silver Surfer avec le buste de Galactus en arrière-plan), puis à chaque page suivante. Tradd Moore dessine en représentant de manière concrète les personnages et les environnements de chaque planète, mais également en mettant en avant le mouvement, les jeux de lumières et en incorporant des éléments expressionnistes pour transcrire des sensations allant de l'état d'esprit d'un personnage à l'effet psychédélique d'une situation, de phénomènes spatiaux. Dès les pages 2 & 3, il joue avec l'anatomie de Silver Surfer, la déformant un peu ne respectant pas exactement les proportions pour mieux rendre compte de la vitesse, de son aérodynamisme, de la façon dont il fait corps avec sa planche, et des déformations occasionnées par les anomalies de l'espace, par les ténèbres maléfiques qui le rongent, par la rage qui l'anime par moment. Il ne s'agit pas simplement d'un truc visuel répété de séquence en séquence : Tradd Moore conçoit chaque déformation en fonction de la séquence en fonction des forces qui agissent sur le corps de Norrin Radd. le lecteur peut trouver que l'artiste va trop loin quand Silver Surfer se transforme en dauphin de l'espace ou en loup, mais en fait les dessins sont passés dans le domaine de l'allégorie, montrant la manière dont Radd se figure que ses intentions et son état d'esprit sont perçus par son opposant. Cela donne lieu à des planches de toute beauté, où les bordures de cases peuvent disparaître, les formes s'interpénétrer, les couleurs devenir de plus en plus psychédéliques, les dessins glisser vers le surréalisme et l'art abstrait. Le lecteur se retrouve vite emporté par les émotions générées par la narration visuelle inventive, fluide, entremêlant description et ressenti avec une rare intelligence, et une réelle conviction. S'il feuillette rapidement la bande dessinée, il peut avoir l'impression que l'artiste se fait plaisir pour en mettre plein la vue, mais à la lecture il apparaît que chaque flamboiement pictural est au service de la narration, est conçu en fonction de l'intrigue, du moment. du coup, le lecteur peut très bien ne plus prêter aucune attention à l'histoire et se laisser porter par les effets kinesthésiques des pages, par les innombrables surprises visuelles : une surface de planète évoquant un tapis d'anémones de mer, des cases dont les formes deviennent abstraites s'il les déconnecte de celles qui précèdent et qui suivent, des formes géométriques (des trapèzes volants), des flux de matière en fusion, des yeux comme des soleils, un cerf aux bois démesurés… C'est sans fin. Donny Cates aurait donc très bien pu se contenter de concevoir des scènes spectaculaires qu'il aurait alignées sur une trame simpliste. En fait son ambition s'avère plus élevée. Dans sa postface, il explique qu'il a souhaité s'inscrire dans la lignée de ce que Stan Lee avait fait sur la série, d'évoquer des convictions philosophiques et morales. Sans grande surprise, il fait de Silver Surfer, un être de lumière qui lutte contre les ténèbres. Il connecte entièrement la présente histoire à Knull la divinité des symbiotes qu'il a introduit dans le premier tome de sa série Venom. Au départ, le lecteur estime qu'il s'embarque dans un récit de superhéros traditionnel, bénéficiant d'une narration visuelle extraordinaire. Rapidement, le scénariste insiste à plusieurs reprises sur le fait que son héros se bat contre les ténèbres, représente le bien contre le mal, une sorte de supériorité morale qui s'oppose à une force corruptrice. À ce moment du récit, le lecteur a peut-être déjà oublié que Cates a commencé par rappeler Norrin Radd a été le témoin passif de massacres à l'échelle planétaire, ce qui diminue d'autant sa supériorité morale, voire la neutralise. Ce lourd passif revient à plusieurs reprises, et la question morale en devient plus nuancée. le thème de fond n'est pas la rédemption même si cette notion est présente. Il réside plutôt dans les actions à mettre en œuvre pour lutter contre les ténèbres. Peut-être que le lecteur tiquera à la mise en scène de la question du sacrifice personnel, la flamboyance des dessins de Tradd Moore montrant la question sous un jour trop manichéen. Cela n'empêche pas Donny Cates de mener son questionnement à son terme, sur la responsabilité individuelle des moyens employés qui ne peuvent pas toujours être justifiés par la fin. Dès la couverture et les dimensions de cette bande dessinée, le lecteur sait qu'il s'apprête à s'immerger dans un récit qui sort des productions industrielles basiques des comics. Il est tout de suite impressionné par le bouillonnement de la narration visuelle, très riche, et très maîtrisé. Il sait qu'il va se montrer moins exigeant sur l'histoire au vu du voyage visuel. Il a la bonne surprise de découvrir un scénariste qui ne prend pas les comics de superhéros de haut : au contraire il fait plusieurs références à la continuité de l'univers partagé Marvel, et à l'historique du personnage, sans que cela n'en devienne incompréhensible, ou le seul intérêt du récit. Il fait honneur aux récits de Stan Lee pour la série de 1968 avec John Buscema, tout en menant le questionnement moral à sa façon.

11/07/2024 (modifier)

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Ce gestionnaire approximatif a imposé la communication de marque comme un vecteur de croissance. - Cet ouvrage paru en 2015 apparaît classé dans les bandes dessinées : en fait il s'agit de textes, chacun consacrés à un capitaliste différent, accompagnés d'un ou deux gags en bande dessinée, avec une répartition d'environ 80% texte, 20?. Il a été réalisé par Benoist Simmat, journaliste économique et essayiste, et par Vincent Caut bédéiste. Ils passent en revue trente-neuf capitalistes remarquables, répartis en trois grands chapitres : la première révolution industrielle (XIXe siècle avec onze capitalistes), la deuxième (XXe siècle, avec quatorze capitalistes), la troisième (XXIe siècle, avec quatorze capitalistes). Chaque chapitre s'ouvre avec une introduction : le temps des pépères fondateurs pour le XIXe siècle, les contremaîtres du monde pour le XXe, les winners de l'e-économie pour le XXIe. L'ouvrage débute avec une introduction de quatre pages : les grands capitalistes naquirent ici… Il se termine avec une conclusion de deux pages, un glossaire de six pages, un index de deux pages, et une page de remerciements. Les grands capitalistes naquirent ici… dans les années 1770, il existait à Birmingham, grande cité fourmillante du centre du Royaume Uni de Grande Bretagne, un club de gentlemen pour le moins extraordinaires. Cette organisation réunissait parmi les plus brillants intellectuels de l'époque et se faisait appeler Lunar Society, le club de la Lune. Une dénomination choisie par ses membres parce qu'ils avaient l'habitude de se rencontrer les nuits de pleine lune afin de retrouver plus facilement leur chemin de retour dans l'obscurité. Parmi eux : James Watt, Erasmus Darwin, Adam Smith, Benjamin Franklin, Joseph Black, John Wilkinson, John Roebuck, etc. Et d'autres : les pionniers du capitalisme moderne. Richard Arkwright (1732-1792) – Cet artisan touche-à-tout a imposé au forceps la première usine automatisée au monde. 100% bio : barbier de profession, on ne saura jamais si Arkwright inventa réellement l'usine, ou s'il déroba le concept à un concurrent. Mais il organisa une première production de masse basée sur la division du travail, chère au philosophe Adam Smith. Obsédé par l'expansion de son invention, il couvrit l'Angleterre et jusqu'à l'Écosse de ses satanés manufactures automatiques où 30.000 employés trimaient pour la gloire du roi. Un lettré voyageur trouva que sir Richard Arkwright, fait chevalier par Buckingham, avait quelque peu gâché le paysage de l'Angleterre. Et sa propre santé, indubitablement : comme le raconta l'un de ses amis d'enfance ecclésiastique, Arkwright devint une caricature de patron surmené obsédé par la cadence de ses affaires et de ses comptes. le diable d'homme avait aussi inventé le dirigeant surbooké ! Cet industriel anglais est considéré comme le père de l'usine moderne. Il est resté dans les livres d'histoire (essentiellement anglo-saxons) pour avoir été le premier à organiser en un lieu donné la supériorité de la machine sur l'artisan. Il s'agit du deuxième ouvrage de ces deux auteurs, après La ligue des économistes extraordinaires. Smith, Marx, Keynes et tous les autres en BD (2014). le titre évoque la Ligue des Gentlemen Extraordinaires, d'Alan Moore & Kevin O'Neill, juste pour l'allure, et pour ce club de la Lune. Chaque entrée est structurée de la même manière : le nom du capitaliste extraordinaire avec ses dates de naissance et de mort, un court sous-titre pour le qualifier (Par exemple : le patron de mystificateurs pour PT Barnum), deux lignes pour mettre en exergue son innovation (par exemple pour Mark Zuckerberg : Son internationale des brèves de comptoir digitales a étonnamment créé un nouveau secteur d'activité), un article en trois parties (100% bio, L'empire du pire, Son héritage narcissique, merci !). S'y trouvent également une date clé en fin d'article (par exemple pour Rupert Murdoch : 2007, rachète pour 5 milliards de dollars le Wall Street Journal), éventuellement un encadré en grisé sur une anecdote révélatrice ou surprenante, et en fonction des capitalistes, une ou plusieurs bandes dessinées, d'une page, une partie de page, ou juste un strip. Comme les exemples ci-dessus l'indiquent, la tonalité de la rédaction comporte une fibre moqueuse ou insolente. Les bandes dessinées s'inscrivent également dans un registre comique, faisant la part belle à la dérision, à partir d'une anecdote ou d'un trait de caractère réel ou supposé, ces capitalistes pouvant se montrer mesquins, capricieux, infantiles, colériques, ou bien sûr mégalomanes. Ces gags font office de respiration illustrée plaisante, sans avoir la prétention d'être révélatrices ou pénétrantes. La première partie expose la genèse et la nature de la première révolution industrielle avec la première usine à grande échelle, le déploiement de la machine à vapeur dans différents secteurs de production, la fabrication à grande échelle de la poudre à canon, la création de la première banque d'affaires, l'essor des chemins de fer, la création des voyages organisés, la naissance de l'industrie de l'armement, les premiers grands magasins avec des prix fixes et non plus à la tête des clients, l'utilisation de l'acier et l'apparition du métier d'affairiste à une ampleur jusqu'alors inconnue. le lecteur relève une entrée qui sort de l'ordinaire, celle consacrée à Phineas Taylor Barnum (1810-1895) : ce forain surdoué fit de son nom la première marque de l'entertainment américain. Au cours de cette première partie, au travers de sa sélection, l'ouvrage fait apparaître les grandes inventions qui ont modelé l'évolution de l'organisation professionnelle, ainsi que les méthodes utilisées. Fatalement, le lecteur finit par se demander pourquoi eux. Il commence par se dire que pour tous les capitalistes que les auteurs lui présentent et qui ont réussi, il y a dû y en avoir dix fois plus qui ont échoué, voire, cent ou mille fois plus. Puis il remarque que certains étaient issus de familles aisés, et qu'ils ont su faire fructifier la fortune héritée, ce qui n'est déjà pas donné à tout le monde. Mais il reste un point commun à tous : à l'ère de l'industrialisation et du commerce généralisé, les riches s'enrichissent par le travail de la main d’œuvre abondante, rémunérée au plus bas, et sans couverture sociale, sans oublier le travail des enfants. Le lecteur passe alors à la deuxième révolution industrielle avec les aciéries, la fabrication d'automobiles, les puits de pétrole, l'électrification, la métallurgie, les chaînes d'assemblage, l'aviation… et d'autres secteurs d'activité émergents comme les produits de beauté, la mode, les meubles à monter, le luxe et le divertissement. À nouveau, ces capitalistes ne décrochent pas de prix de morale ou de reconnaissance pour leurs employés. Un petit exemple très élégant : Gabrielle Chanel surnommée Coco. Elle tente de se réapproprier la marque de parfum N° 5, en profitant de l'exil contraint de ses anciens associés juifs, les Wertheimer, à l'aube de la seconde guerre mondiale. Arguant leur fuite aux États-Unis, elle réclame aux autorités allemandes la propriété du précieux label. Très chic ! Elle ignore que la famille Wertheimer avait anticipé les lois d'aryanisation et transmis ses parts majoritaires à un homme de paille, qui leur restituera à la propriété de l'entreprise à la Libération. Mais, bon, les affaires sont les affaires : les Wertheimer réembauchent Coco dans les années 1950 pour raviver la marque, en dictant leurs conditions quand même. Les autres chapitres valent également tous la lecture, d'Henry Ford et ses chaînes de montage à Bernard Arnault et la rentabilité insolente du luxe, en passant par le marchand de rêves Walt Disney. L'ouvrage passe au XXIe siècle avec l'avènement de l'informatique et des produits haute technologie (IBM, Sony, Samsung), la création des jeux informatiques, la course au système d'exploitation entre Apple et Microsoft, et la toile mondiale avec Google, Facebook, Paypal, Alibaba, sans oublier la téléphonie mobile. D'anciens empires réussissent leur reconversion : d'autres semblent surgir de nulle part. des fortunes personnelles de plusieurs dizaines de milliards de dollars se bâtissent en vingt, quinze voire dix ans. Les personnalités de ces capitalistes conservent tout leur potentiel polémique. Les employés sont incités à baisser les yeux en présence du grand patron Lee Kun-hee, responsable du conglomérat géant Samsung. L'entreprise Apple parvient à faire revenir Steve Jobs après l'avoir éjecté, en achetant quatre cents millions de dollars la société NeXT et son logiciel développé par Jobs, logiciel qui ne sera jamais utilisé. le lecteur sourit devant la tournure des présentations saupoudrées de dérision et de moqueries envers ces capitalistes, mais sans jamais diminuer leur réussite, en mettant en lumière leurs innovations et en quoi le capitalisme a évolué avec leur façon de faire. Ce n'est donc pas une bande dessinée, mais le portrait amusé de trente-neuf entrepreneurs hors du commun, en provenance des trois derniers siècles. Ces individus ont exploré de nouveaux territoires industriels et bâtit des empires financiers. Quelles que soient les convictions politiques du lecteur, les réalisations de ces capitalistes extraordinaires forcent son admiration. Les petites piques en coin bien dosées évitent le systématisme, et s'avèrent d'autant plus efficaces pour que le lecteur garde à l'esprit qu'il s'agissait d'êtres humains imparfaits, et que la réussite capitaliste ne peut prendre une dimension gigantesque que par le travail de milliers d'employés anonymes dont la rémunération n'est jamais à la hauteur des bénéfices de leur employeur. Les gags sont en phase avec ce ton dédramatisé, mais pas aveugle aux réalités économiques.

11/07/2024 (modifier)

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Mettre en œuvre des réformes - Ce tome contient une histoire complète qui ne nécessite pas de connaissance préalable de Batman. Il comprend les 8 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2018, écrits, dessinés et encrés par Sean Murphy, avec une mise en couleurs réalisée par Matt Hollingsworth. Murphy a réalisé une deuxième saison Batman: Curse of the White Knight. La Batmobile arrive devant la grille de l'asile d'Arkham et va se garer devant la porte d'entrée. Jack Napier en sort et se rend à la cellule de Batman, accompagné par les gardes. Napier indique à Batman enchaîné, qu'il a besoin de son aide. Il y a un an, Joker est en train de fuir comme un malade, sur un hoverboard, en pleine voie, talonné par Batman dans sa Batmobile, avec Batgirl (Barbara Gordon) sur le siège passager. Joker se joue des obstacles alors que Batman donne l'impression de foncer dans le tas : sur le toit d'un immeuble, au milieu d'un chantier sans faire attention aux ouvriers. La course-poursuite se termine dans un entrepôt où Joker se retrouve acculé par Batman, essayant de se défendre avec une hache. Batman commence à frapper Joker pour le maîtriser, pendant que Joker développe un argumentaire dans lequel il prouve que les méthodes de Batman n'ont jamais rien résolu, qu'elles ne servent qu'à assouvir son besoin de contrôler les choses, et que lui, Joker, comprend mieux Gotham que lui. Excédé, Batman finit par faire avaler à Joker les comprimés contenus dans le flacon qu'il lui agite sous le nez, sous les yeux de James Gordon, Renee Montoya, Harvey Bullock, Batgirl, Nightwing et plusieurs autres témoins dont un filme la scène avec son téléphone. Les informations à la télé sont partagées sur la séquence, entre la preuve d'un individu en maltraitant un autre sous le regard de la police qui regarde sans rien faire, et ce que l'on sait des exactions de Joker (mais qui n'a jamais été prouvé). Gordon, Montoya et Bullock regardent Joker allongé dans son lit dans l'unité de soins intensifs. Bullock est satisfait qu'enfin le public se rende compte que Batman est un vigilant qui abuse de la violence, et qui s'il avait été un policier aurait été renvoyé depuis longtemps pour faute grave. Barbara Gordon et Dick Grayson vont rendre visite à Bruce Wayne qui accepte de leur confier ce qui le mine : Alfred Pennyworth se meurt et est dans le coma. Jack Napier confie à son psychothérapeute ce qui le mine : sa fascination pour Batman qui confine à une forme d'adoration, Gordon se trouve dans le bureau du maire Hamilton Hill quand la docteure Leslie Thompson lui apporte le rapport sur Jack Napier : il est guéri et sain d'esprit et il a décidé de porter plainte contre la police de Gotham (GCPD, Gotham City Police Department), contre Batman et contre la ville de Gotham. En 2019, l'éditeur DC Comics met officiellement un terme à sa branche Vertigo destinée à des récits pour des adultes, et se réorganise un peu avant en 3 branches de publication dont le Label Noir (Black Label) pour accueillir des récits plus sombres, adultes. C'est dans cette branche qu'est publié le présent récit. Sean Murphy a déjà réalisé plusieurs bandes dessinées avant celle-ci : entre autres Joe L aventure intérieure (2010/2011, avec Grant Morrison), Punk Rock Jesus (2012), The Wake (2013/2014, avec Scott Snyder), Tokyo Ghost (2015/2016, avec Rick Remender). En entamant le récit, le lecteur se demande comment il se situe par rapport à la continuité. Il comprend vite qu'il s'agit d'un récit hors continuité : le coma d'Alfred, la rémission de Joker, le sort de Jason Todd. L'auteur a donc les coudées franches pour raconter une histoire de Batman comme il l'entend, en réinterprétant les personnages récurrents comme il le souhaite. du coup, le lecteur se retrouve régulièrement en train de se demander si Sean Murphy s'écarte volontairement du statu quo pour mieux y revenir, ou s'il s'agit d'une prise de liberté durable, rendant ainsi le scénario beaucoup moins prévisible. Il est possible aussi que le lecteur soit avant tout venu pour les dessins de Sean Murphy. Il retrouve ces éléments détourés avec des traits fins, voire très fins, et secs, parfois rectilignes y compris pour des contours anatomiques, et des aplats de noir copieux aux formes irrégulières mangeant de nombreuses cases. Il retrouve également l'influence des mangas, en particulier dans les traits de puissance ou de vitesse servant également à intensifier les perspectives, et dans les visages plus jeunes (en particulier celui de Barbara) avec des expressions traduisant une émotion non filtrée, souvent un enthousiasme communicatif. Par contre, l'artiste a mis la pédale douce sur les nez pointus : ces appendices ont retrouvé une forme plus conventionnelle. Dès la première page, le lecteur plonge avec délice dans une atmosphère gothique et noire : l'asile d'Arkham dans le noir de la nuit, avec sa grille en fer forgé, et ses chauves-souris. Par la suite, Sean Murphy excelle à capturer et à faire ressentir la noirceur de Gotham et de certains personnages : Batman comme une bête en cage dans sa cellule, la collection obsessionnelle de produits dérivés de Batman dans la chambre de Joker, la pose romantique de Victor Fries devant sa femme Nora cryogénisée, l'effondrement d'un pont de Gotham, l'immense canon rétro-futuriste dont va se servir Neo Joker. Très vite, le lecteur se retrouve plongé dans Gotham à côté des protagonistes, éprouvant la sensation que son état d'esprit est influencé par les grands bâtiments effilés, par les longues perspectives, par les quartiers plus resserrés, par le riche mobilier du manoir des Wayne, par la décoration insensée de l'appartement de la première Harley Quinn, par la pénombre de la Batcave, par l'espace ouvert sur la place où Jack Napier fait un discours, par l'aménagement purement fonctionnel des bureaux de la police et du parking au sous-sol. Il côtoie, plutôt qu'il n'observe, des individus à la forte personnalité graphique : le maintien droit et strict de Jack Napier et son sourire, le maintien droit et rigide de Batman attestant de sa psychorigidité, les postures plus souples de Batgirl, le comportement très formel de James Gordon pétri de la responsabilité de sa fonction. Sans ostentation, Sean Murphy se montre un chef décorateur de talent, un costumier attentif aux détails, et un directeur d'acteurs avec une vraie vision, dramatisant un petit peu leur jeu pour rendre compte de l'ampleur des enjeux, du degré d'implication des différentes personnes. le lecteur reste également bouche bée devant de nombreuses séquences échevelées : l'improbable course-poursuite entre la Batmobile et Joker en hoverboard, la violence du combat à main nue entre Batman et Joker, les clins d'œil à Batman Mad Love de Paul Dini & Bruce Timm et à Batman the animated series, l'apparition horrifique de Clayface (Matthew Hagen) chez Mad Hatter (Jervis Tetch), la soirée en amoureux entre Jack Napier et Harley Quinzel, une autre course-poursuite cette fois-ci entre 2 modèles différents de Batmobile, etc. Déstabilisé par la possibilité pour le scénariste de modifier les éléments canoniques comme bon lui semble, le lecteur se montre plus attentif à l'intrigue pour ne pas laisser échapper un détail, ou pour ne pas se tromper sur le sens d'une scène qu'il peut avoir l'impression d'avoir déjà vue. Sean Murphy développe la relation entre Batman et Joker, essentiellement du point de vue de Joker, sur une dynamique d'amour & haine. Suite au traitement administré de force par Batman, Joker voit sa personnalité revenir à son état antérieur, quand il était un individu très ordinaire appelé Jack Napier. Or ce dernier a conservé toute l'expérience qu'il a acquise en tant que Joker, en particulier sa familiarité avec Batman. Il décide à la fois de se réformer, et de prouver que les méthodes de Batman sont plus néfastes à Gotham que bénéfiques. Ce n'est pas la première fois qu'un auteur développe ce thème, mais là Sean Murphy le prouve par l'exemple : Jack Napier se lance en campagne, tout en initiant des actions pour résoudre les problèmes de fond de la ville, plutôt que de s'en tenir à faire disparaître temporairement les symptômes que sont les supercriminels. La longueur du récit et son déroulement en dehors de la continuité font que Sean Murphy se montre assez convaincant pour que le lecteur y croit. Il montre d'un côté Batman qui ne fait confiance à personne, ce qui sous-entend un ego surdimensionné, un individu persuadé d'avoir raison mieux que tout le monde. de l'autre côté, Jack Napier n'agit pas par altruisme ou par bonté de cœur : il a quelque chose à prouver, une forme de vengeance contre Batman en montrant que d'autres méthodes peuvent réussir durablement, et ainsi gagner sa rédemption. Emporté par la narration visuelle, le lecteur se laisse progressivement convaincre de la nocivité de Batman pour l'organisme qu'est la ville de Gotham, et par le bienfondé des méthodes démocratiques de Jack Napier. La narration de Sean Murphy n'a pas la force de conviction de celle de Frank Miller pour Dark Knight Returns : c'est la somme de réflexions diverses qui finissent par saper les a priori du lecteur et par retourner ses convictions. C'est une façon de procéder parfois un peu fragile quand un argument reste superficiel, presque spécieux, et ne vaut que parce qu'il s'intègre bien dans la tapisserie dessinée par les autres. Cette sensation de fragilité est renforcée par les éléments incidents de l'intrigue : la maladie d'Alfred et sa lettre, la scène d'explication à la fin sur le rôle d'un des personnages, comme si l'auteur avait estimé qu'il fallait consolider l'intrigue principale avec des éléments périphériques. Avec cette histoire, Sean Murphy réussit le pari de réaliser une histoire personnelle et originale de Batman, ce qui est déjà une grande réussite en soi. Il met en œuvre une narration visuelle acérée et consistante : Gotham s'incarne avec une personnalité inquiétante, les personnages existent et il y a de nombreuses scènes visuellement mémorables. L'auteur parvient à écrire un récit qui utilise les conventions du genre superhéros (costumes et masques, superpouvoirs des ennemis de Batman, confrontations physiques, et une touche de technologie d'anticipation pour les Batmobiles), tout en racontant une histoire adulte, où un individu met Batman à mal en utilisant les outils de la démocratie.

10/07/2024 (modifier)

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Incroyable, une histoire palpitante avec une mise en page parfaitement maîtrisée. Je l'ai lue il y a deux ans et j'avais trouvé ça très très bon. Pour être au plus juste dans ma note, j'ai décidé de le relire et j'en ressors tout autant fasciné. Le contraste de dessin entre la vie réelle et les événements passés (qui viennent essentiellement du livre d'Adam si j'ai bien compris) est très bien pensé. J'ai adoré le style dans les deux cas : détaillé dans un style proche d'une photographie réelle et une ambiance particulière pour l'un, et propre, haut en couleur pour l'autre. Le découpage des cases que j'ai particulièrement apprécié. Ça change des comics que j'ai lus jusqu'ici. Rien de chaotique, chaque planche est une véritable oeuvre de mise en page. Ce découpage horizontal en 3 parties j'en suis fan, parfois en 9 cases homogènes, parfois en 1:3.... bref, chaque mise en page est superbement réalisée. L'intrigue m'a tenu en haleine tout du long. On y suit les aventures d'Adam Strange, qui ont fait de lui ce héros des deux mondes . Avec une enquête en premier plan menée par un personnage emblématique comme Batman (pour ne pas trop en dévoiler). Il y a tout ce qu'il faut pour ne pas s'ennuyer. La force du récit réside dans l'originalité de la présentation des événements et dans sa mise en page, qui, à mon sens, joue un rôle crucial dans l'appréciation de cette lecture. Je trouve en générale les histoires classiques de super-héros redondantes, c'est pourquoi je ne lis que celles mettant en scène des personnages déjantés ou bien sombres. Heureusement, ici, on échappe au scénar classique de super-héros pour savourer une intrigue vraiment originale. Tous les personnages, qu'ils soient secondaires ou même tertiaires, ont un charme indéniable, que ce soit par le style visuel ou par leur caractère, impossible de rester indifférent. Franchement, je ne trouve aucun point négatif à ce comics. Si je devais vraiment chercher un bémol, ce serait l'explication finale, qui aurait pu en dire un peu plus sur un événement majeur passé. À part ça, rien à redire. C'est un petit pavé de comics que j'ai dévoré en une soirée (lors de mes 2 lectures) et que je recommande vivement à l'achat et à la lecture !

10/07/2024 (modifier)

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Honnêtement, c'est sans doute le meilleur Western que j'ai jamais lu. Et Neyef a sans doute fait une oeuvre qui mérite autant lecture, relecture que contemplation. Je ne connaissais de l'auteur que Mutafukaz - Puta Madre que j'ai beaucoup apprécié, et malgré un coup de crayon qui reste assez spécifique mais aisément reconnaissable (nez petit et pointu, décors chargés) je trouve qu'il a fait un travail colossale ici. C'est beau, dans les décors et les environnements, c'est riche, immersif ! On se croirait traverser soi-même les vallées américaines, les grandes plaines et les collines. Je ne pensais pas que ce serait aussi immersif, mais qu'est-ce que j'étais dedans ! A entendre les cris d'oiseaux et à sentir l'odeur des bois qu'on traverse. Mais ce dessin que je loue n'est pas le seul atout, et l'histoire convient tout à fait. Déjà parce que l'auteur a décidé, pour une œuvre aussi longue, de ne pas innover : le canevas est tout ce qu'il y a de plus classique, mais efficace. On est sur du déjà vu dans les grandes lignes, mais c'est typiquement la BD qui nous rappelle que ce n'est pas la nouveauté qui importe, puisque toutes les histoires existent déjà. C'est la façon de la raconter et ce que l'histoire nous dit réellement qui compte. Ici une question d'héritage, de vengeance, de violence aveugle, dans une ambiance de fin des temps pour l'amérindien. Une vraie histoire sordide, dont les ressorts scénaristiques m'ont parfois surpris et qui se finit sur une grande tristesse, du genre qu'on ne peut consoler juste en pleurant. La fin donne des airs de tragédie et j'accepte volontiers le coup du hasard qui fait recroiser les personnages. Nous sommes dans les rouages d'une tragédie antique, où le hasard n'est que la forme prise par la fatalité pour jouer le dernier tour de la pièce. Fortune, nous sommes tous des jouets entre tes mains ! Une telle BD, c'est presque un petit miracle. Une histoire simple pour traiter de divers sujets tous aussi pertinents les uns que les autres, un dessin qui sublime la nature et les paysages pour nous entrainer dans cette longue balade vengeresse, une tragédie que n'aurais pas renié les grecs pour motif final et l'ensemble dans un ouvrage où l'édition a choisi la qualité. Sans rire, je crois bien qu'on est sur un sans-faute ou presque ! Pour ma part, je suis sous le charme comme je l'ai peu été pour des westerns. C'est l'un des genres que je lis le moins en BD, mais quelle découverte ! Incontournable des sorties 2022, à mon sens. Pour dire à quel point cette BD m'a parlé, j'ai depuis très longtemps l'idée de faire un jour une traversée des États-Unis à cheval pour profiter au mieux, pleinement, de ces grands paysages qui me font de l’œil. Cette BD m'a donnée l'impression de pouvoir vivre un peu ce rêve, mais surtout me l'a remis en mémoire alors que je n'y ai plus pensé depuis des années. Je ne peux que vous conseiller de la lire !

10/07/2024 (modifier)

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C'est toujours un autoportrait qu'on fait. - Ce tome contient une histoire complète indépendante de toute autre, réalisée en collaboration par Céline Wagner & Edmond Baudoin. La première édition date de 2003. Il a été réédité avec deux autres récits, le chant des baleines (2005) et Les essuie-glaces (2006), dans le recueil Trois pas vers la couleur. Il s'agit de la première bande dessinée réalisée en couleurs par Edmond Baudoin, et elle compte cinquante planches. Elle s'ouvre avec une page d'introduction. le premier tiers est de la main de Baudoin : il explique que Céline Wagner était venue assister à une dédicace, lui a acheté une bande dessinée, lui a expliquée qu'elle était en dernière année d'une école d'art et qu'il lui a fait un dessin sous lequel il a écrit son adresse. Plus tard, il a reçu une lettre dans laquelle elle lui demandait de venir chez lui pour son stage de fin d'études. Elle est venue. Il ne sait plus aujourd'hui lequel des deux a été stagiaire. Dans sa partie, Wagner évoque ses difficultés à parler de la banlieue, l'environnement où elle a grandi. Dans l'atelier d'Edmond Baudoin à Nice, Céline Wagner est en train de poser alors qu'il est en train de la peindre. Elle lui demande d'arrêter de poser des questions sur la banlieue. Sa banlieue, il lui en a fait un costume, et ce n'est pas celui qu'elle aurait choisi. Les pas nonchalants, la zone, les mots vomis à l'envers, c'est du cinéma. Il sait qu'elle aime les mots à l'endroit. Elle continue : bien sûr, il en reste des traces dans ses gestes, dans ses mots et ses regards, des automatismes, rien à elle. Et c'est ces traces qui le fascinent. de sa banlieue, il ne reste aujourd'hui que des sacs en plastique dans les branches des arbres. Aujourd'hui, elle veut des choses qui n'existent pas. L'esprit de Céline vagabonde un peu : elle pense à une promenade en bordure de mer, se remémorant quelques mots d'une coupure de presse sur le décès de quelqu'un, le succès d'un orchestre engagé en janvier 1999, dans une mise en scène monumentale. Elle est devenue silencieuse et elle revient à l'instant présent. Elle se demande si Edmond cherche vraiment quelque chose. Il la gomme, il gomme petit à petit la réalité pour coller sa gueule à elle sur son tableau. Elle, elle ne veut pas être un tableau. Elle veut devenir elle. Elle lui dit qu'il a les yeux d'un fou, le visage d'un fou. Il lui demande si elle peut enlever sa chemise. Elle répond positivement, mais d'abord elle veut prendre une douche. Elle entre dans la salle de bain. Il enlève du chevalet, le dessin qu'il vient de réaliser, et il accroche une nouvelle feuille blanche. Dans la baignoire, elle se fait la réflexion que si elle se dessinait, elle ne ferait aucun poil, aucun bouton. Juste de la peau lisse, du beau. Et un peu de laid pour qu'on puisse l'aimer. Il demande s'il peut venir ; elle accepte. Il la regarde et répond à sa question : son père à lui était beau, vraiment beau. Quand il est mort, Edmond l'a regardé longtemps. Il n'a rien retrouvé de sa beauté, plus rien. Sa vie était partie et avec elle sa beauté. Il ajoute qu'elle est si belle. Céline répond qu'il lui fout l'angoisse. S'il n'a jamais lu de bande dessinée de d'Edmond Baudoin, le lecteur se demande ce qu'il va trouver, s'il va parvenir à apprécier les partis pris graphiques très personnels, et une histoire qui semble se limiter à quelques instants de discussion entre l'auteur lui-même et une jeune femme venue comme stagiaire. S'il est familier de cet auteur, le lecteur sait qu'il va retrouver des thèmes déjà abordés, que la linéarité présumée du récit n'est simpliste qu'en apparence. Il s'interroge quand même sur le fait que le cœur du récit soit la relation entre l'artiste et son modèle, comme de ses œuvres, par exemple le portrait ou L'Arleri. D'un autre côté, cette création est réalisée à deux, avec la participation du modèle. Effectivement, le récit se compose d'une suite d'échanges entre l'artiste Baudoin et son modèle Wagner : des discussions à bâtons rompues pendant une séance de pose, dans la salle de bain, lors d'une promenade sur les quais, d'un bain de mer depuis une jetée, avec une seule exception, le temps d'une page lorsque Céline se promène seule dans la rue pour aller appeler son père. C'est du pur Edmond Baudoin, avec des traits charbonneux au pinceau, un rapport de séduction, des pages contemplatives en particulier huit dépourvues de tout texte, de tout mot. Pour faire la différence, Edmond utilise la couleur. Les traits de contours sont encrés, le plus souvent au pinceau, parfois à la plume, peut-être des silhouettes tracées par Céline Wagner. Les couleurs semblent apposées au pinceau, avec une approche de type naturaliste, c'est-à-dire des couleurs correspondant à ce que voit l’œil. le lecteur observe toutefois que dans certaines cases, parfois même le temps d'une page, l'usage de la couleur s'éloigne de la réalité pour un effet expressionniste, voire abstrait. Par exemple le corps laissé en blanc de Céline allongée sur des coussins jaune pâle qui forment un motif géométrique abstrait. Des fonds de case entièrement rouge totalement artificiels avec à nouveau le corps dénudé de Céline laissé totalement vierge de couleur, comme une absence d'émotion ressortant contre l'intensité agressive du rouge. Puis, il est possible que la mise en couleurs ne soit pas uniquement le fait de Baudoin. le lecteur relève également quelques particularités visuelles dont Baudoin n'est pas coutumier. Cela commence dans la troisième planche : un petit morceau de journal collé sur le bord d'une case, comme la rémanence fugace et incomplète d'un souvenir qui a échappé à Céline parce que repris par un journaliste, mais qu'elle ne peut pas se sortir de l'esprit. Dans la même case, se trouvent des parallélépipèdes rectangles blancs très géométriques, des formes que Baudoin n'utilise pas. Il s'agit de blocs de béton entassés pour former une digue artificielle. Edmond Baudoin relate cette expérience avec une jeune femme stagiaire en fin d'études d'école d'art : elle est sa modèle et il doit exister une différence d'âge. Elle pose bien volontiers. Comme il l'expliquait dans le portrait, il essaye de dessiner la vie, son rêve impossible, de saisir et transcrire sa beauté. Cela donne un échange particulièrement dérangeant alors qu'il lui parle de la beauté de son père, de sa disparition avec sa mort, de sa beauté à elle, ce qui mène Céline à penser à sa propre mort. Il sort se promener sur le port et contemple les reflets d'un bateau à la surface, en se disant qu'il ne dispose que de ça pour essayer d'aller en dessous, derrière ce miroir, pour saisir l'unicité de la vie de son modèle, dans une métaphore très parlante sous la surface de l'eau / sous la surface de la peau. Mais, par comparaison avec le portrait et L'Arleri, le modèle fait entendre sa propre voix, ses réactions, ses émotions, puisqu'elle est également autrice de cette oeuvre. le lecteur regarde des esquisses comme réalisées au fur et à mesure par Baudoin sur deux planches, 12 & 13, en vis-à-vis, comme si le lecteur était présent alors que l'artiste cherche à saisir cette vie chez son modèle. Puis, il lui indique qu'il a besoin de sortir pour marcher vers le port un moment. Après son départ, Céline se rhabille et part à sa suite. Elle pense qu'il est parti pour essayer de comprendre, qu'il semble que pour comprendre il faille toujours partir. Une fois qu'elle l'a rejoint, elle exprime la manière dont elle perçoit sa façon de faire : il tient à l'habiller d'une légende alors qu'il la peint nue. Par la suite, elle va se baigner, et il la regarde. Elle indique que sous la surface, au fond, c'est vraiment beau, mais on ne peut pas y rester sans mourir. À ce moment, le lecteur prend conscience que l'objectif de rendre compte de la personnalité profonde d'un individu sous la peau rejoint cette volonté de nager sous l'eau, d'aller au fond qui constitue alors une métaphore, une expression différente du même but pour Céline que pour Edmond. En prenant un café en terrasse planche 23, Edmond fait un aveu à Céline : il en a marre ne pas y arriver, on ne peut pas y arriver, l'autre reste toujours l'autre. C'est toujours un autoportrait qu'on fait. En planche 40, dans l'atelier, elle lui fait observer qu'il entretient une obsession : se voir dans tout, alors qu'elle lui montre le portrait d'elle qu'il a fait et dont le visage présente des ressemblances avec le sien à lui. Encore une fois, Baudoin a su parler de son art avec un point de vue différent de ses autres œuvres ayant le même thème. Puis le lecteur se dit qu'il manque d'honnêteté intellectuelle : cette bande dessinée raconte également l'histoire personnelle de Céline par ellipse. Des mots dans ses phrases, les fragments de coupure de journaux avec leurs phrases incomplètes. L'autrice évoque également sa vie, la vie tragique de son amoureux, le lien avec son père, les traces que la banlieue a laissées en elle. Tout cela n'est pas exprimé de manière explicite, plus par remarques indirectes, mais s'il entretient un doute, il suffit au lecteur de relire l'introduction pour que le fil directeur de ces remarques devienne évident. La force de la personnalité de Baudoin semble dominer chaque page, et pourtant la personnalité de Wagner est bien présente en filigrane, parfois de manière apparente et au premier plan. le lecteur se souvient alors de la courte introduction de Baudoin se terminant sur le constat qu'il ne sait plus aujourd'hui lequel des deux a été le stagiaire. En effet, Céline Wagner est parvenue à faire passer sa personnalité dans ses pages malgré la personnalité artistique si singulière de son maître de stage. Elle est parvenue à faire apparaître son être profond dans les portraits en cours d'élaboration réalisés par Baudoin tout du long, à inscrire son fond à elle dans ces exercices où il se heurte à la sensation de toujours faire un autoportrait. Une bande dessinée de plus d'Edmond Baudoin avec son flux de pensée qui n'appartient qu'à lui et ses mêmes thèmes présents tout au long de sa carrière, ici en particulier son rapport aux femmes comme modèles, comme muse. Toutes les qualités de cet artiste sont présentes de ses dessins si vivants exsudant une chaleur humaine irrésistible. Mais c'est aussi plus que ça, une vraie collaboration au sein de laquelle la jeune artiste peut exister car il lui en laisse la place, et sait exister car elle trouve sa propre voix pour s'exprimer.

10/07/2024 (modifier)

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Du superhéros servi bien noir - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de la continuité de Batman. Une connaissance superficielle de Batman suffit pour l'apprécier. Il comprend les 3 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2019, écrits par Brian Azzarello, magnifiquement illustrés par Lee Bermejo, pour les dessins et la mise en couleurs. le lettrage a été réalisé par Jared K. Fleicher. Après un trait plat, le cardiogramme reprend un tracé normal. Une voix intérieure pense à la ligne qui sépare le blanc et le noir, ou la vie et la mort, puis à la chute d'une blague sur la santé mentale et un rayon de lumière. Batman reprend connaissance sur une civière dans une ambulance, avec 2 personnels soignants et un policier à ses côtés. L'infirmier prend des ciseaux pour découper le masque. Batman réagit violemment en le repoussant contre la paroi de l'habitacle, écarte le médecin et se jette sur le policier. Sous le choc, la porte arrière de l'ambulance s'ouvre et les deux hommes se retrouvent sur la chaussée. Ce n'est pas la chute qui fait mal, c'est l'atterrissage. Batman se relève et fonce dans le tas de quatre personnes regroupées pour regarder ce qui se passe. Il court se mettre à l'abri dans une ruelle, personne n'ayant envie de le suivre. Il se souvient de sa chute dans la rivière depuis un pont métallique de Gotham. En reprenant une bouffée d'air, il avait aperçu la silhouette de ses parents sur la rive, avant de reglisser sous la surface de l'eau. Batman reprend un instant conscience dans la ruelle : devant lui se tient John Constantine, menteur professionnel. Ayant reperdu connaissance, Bruce Wayne se souvient d'un moment de son enfance, quand il était sur un jeu d'enfant, un plateau circulaire en train de tourner. Il avait appelé ses parents pour attirer leur attention. Son esprit d'enfant avait remarqué le regard que son père jetait à une autre femme, sans en saisir le sens. Il avait également remarqué une femme aux cheveux filasse sales, habillée gothique, se tenant derrière un arbre, dans le dos de sa mère. L'Enchanteresse lui avait parlé dans son esprit, lui indiquant qu'elle est à la fois le désir et la peur du désir, lui demandant s'il serait à elle. le jeune Bruce avait chuté du manège. Batman se réveille sur un lit dans un petit appartement. John Constantine est dans la pièce d'à côté en train de regarder les nouvelles à la télé : les informations rapportent la mort de Joker dont le corps a été retrouvé sur la berge de la rivière de Gotham. Invisible aux yeux de Batman, se tient Deadman (un spectre) juste aux cotés de John Constantine. Batman file à l'anglaise, Constantine ne s'en rendant compte qu'après avoir fini sa phrase. Batman se jette entre les buildings, et il se laisse tomber en chute libre le long d'une façade, tout en se souvenant d'un moment avec son père et une femme en robe verte, sur un pont métallique de Gotham. Difficile de résister à une promesse aussi alléchante : le scénariste de 100 Bullets (avec Eduardo Risso) et l'artiste de Suiciders. En fonction de ses goûts, le lecteur a plus ou moins apprécié leur précédente collaboration à Gotham : Joker (2008). Il garde par contre un excellent souvenir de Batman: Noel (2011) réalisé par Bermejo tout seul. Il s'agit du premier projet original publié par la branche Black Label de DC Comics, un label spécialisé dans des histoires plus adultes des superhéros de l'éditeur. La présentation est soignée avec une jaquette de type papier calque, et un format carré sortant de l'ordinaire. le lecteur ouvre le tome au hasard et est immédiatement impressionné par la qualité des dessins : hyper-réalistes, quasi photographiques, avec une mise en couleurs extraordinaire, combinant une approche naturaliste avec une approche impressionniste. le lecteur sait que, quel que soient ses a priori, il a déjà succombé à la séduction de ces planches. Il peut effectivement éprouver un moment de recul en voyant une voix désincarnée se lancer dans un soliloque peu clair et emphatique. Il peut s'inquiéter de voir intervenir John Constantine, signalant que le récit baigne dans le surnaturel. Il peut se crisper en voyant Enchanteresse traitée comme une gothique, et Deadman comme un spectre, c'est-à-dire que les auteurs effectuent une forme de transposition de ces personnages costumés de l'univers partagé DC pour les rendre plus réalistes, plus plausibles dans un univers réel. D'ailleurs c'est exactement ce que Bermejo et Azzarello font subir à deux autres personnages dans un club de magie. Par contre, ils n'essayent même pas avec la dernière créature horrifique à intervenir dans le récit. Dans le même temps, cette hypothèse d'une velléité de tout ramener au réel vole en éclat dès la première scène. Batman est couché sur une civière et son corps dégage une telle présence que le récit s'inscrit d'office dans le registre superhéros, ce qui ne se produisait pas pour le récit Joker. Lee Bermejo réalise des planches d'une minutie hallucinante. Il a repris le postulat du récit Noël : Bruce Wayne a réalisé son costume de Batman à partir d'éléments du commerce. le lecteur peut les identifier en regardant le personnage. Il voit les coutures renforcées, les bottes de combat, la ceinture à sacoche, la protection ventrale en kevlar, les gants bien rembourrés, les protections aux épaules. du début jusqu'à la fin, l'artiste soigne ses planches avec le même niveau d'investissement, attestant qu'il a disposé du temps nécessaire pour fignoler chaque page. Tout du long, le lecteur obsessionnel peut contempler à loisir les décors, les tenues vestimentaires jusqu'aux boutons des habits, les façades des bâtiments, la texture de la peau des êtres humains comme des animaux, la texture de la pierre dans la grotte ou des pierres taillées de l'église, les sculptures sur les bancs de l'église, les gargouilles, le cuir des banquettes du bar, etc. C'est une qualité tactile qui en devient sensuelle. Tout du long également, le lecteur baigne dans une ambiance unique, réaliste avec un soupçon d'onirisme grâce à une mise en couleurs sophistiquée et palpable. Il suffit de regarder Batman perché sur un câble d'un pont à hauban pour être bouche bée devant la manière dont chaque détail ressort, alors que tout baigne dans une lumière bleu acier / gris. Il est possible de distinguer les buildings en arrière-plan, tous les câbles partant du hauban, le courant du fleuve, la rive au pied des buildings, la file de circulation en contrebas avec les voitures de police, les 4 policiers, le commissaire Gordon, un témoin en train d'être interrogé, les draps sur les corps, et Batman des petits éperons sur ses gants, jusqu'aux boucles sur ses bottes. Chaque case de chaque page bénéficie de ce degré finition, de cette clarté à la lecture, de cette mise en couleurs. du coup, le lecteur se retrouve au départ pris entre 2 niveaux un peu contradictoire. D'un côté, la narration visuelle l'incite à se placer dans un mode réaliste, où tout ce qui est montré est à prendre au premier degré, comme une description authentique. À partir de ce point de vue, il recommence à se crisper un peu à la vue des personnages habituels de l'univers Batman traités comme de simples individus plus ou moins détraqués, ce qui les appauvrit. En outre ce point de vue réaliste ne fait pas toujours sens. de ce point de vue, l'apparition d'Enchanteresse donne l'impression d'un film de série de Z, John Constantine est une collection de clichés ambulante, et Deadman reste un personnage de comics de superhéros, sans aucun espoir de ne jamais pouvoir lui donner un sens dans un environnement réel. Tous les éléments surnaturels deviennent kitchs et ridicules. Du coup, le lecteur se dit qu'il ne doit pas être dans le bon mode de lecture. Il revient à son impression première : aussi réalistes que soient les dessins, ils ne parviennent pas à faire croire à l'existence de Batman comme personne réelle. Il reste un fantasme urbain, un alpha-mâle à la résistance impossible, aux capacités trop viriles, à l'apparence trop kitch. du coup, il repasse en mode superhéros dans sa lecture, avec e degré de suspension consentie d'incrédulité qui va avec. L'histoire passe beaucoup mieux ainsi, même si les dessins deviennent presque trop précieux pour un simple récit de superhéros. Comme à son habitude, Brian Azzarrelo ne se gêne pas pour employer un langage fleuri, pour inclure une scène de sexe entre Batman et une ennemie, ni pour augmenter la dose superhéros au-delà de Deadman. Comme à son habitude il joue avec les clichés du polar et ses conventions, les utilisant au premier degré. Comme le récit se déroule en dehors de la continuité, il en ajoute aussi une couche avec les coucheries de papa Wayne. Mais en cours de route, ces éléments hétéroclites finissent par s'agréger dans une narration cohérente, en phase également avec les choix graphiques. Cette plongée de Batman dans un monde plus sombre que d'habitude, très tangible, avec John Constantine sur les talons, en croisant des gugusses aux pouvoirs impossible devient une quête, une expression métaphorique d'autre chose. Ce monde de cauchemar à la logique étrange est tellement incarné que le héros ne peut pas s'en échapper, qu'il doit toujours avancer et se confronter à ses souvenirs et à des vérités, dans une quête spirituelle. En poussant Batman dans ses derniers retranchements réalistes, Brian Azzarello et Lee Bermejo confrontent le personnage à l'absurdité d'un type qui s'habille en chauve-souris pour lutter contre le crime de rue. Ils contentent le lecteur de superhéros en incluant des personnages aux pouvoirs tellement impossibles que le récit rebascule dans le registre superhéros. Dans le même temps, l'enquête de Batman prend une dimension de métaphore, rappelant que quand il est bien maîtrisé le genre superhéros peut s'avérer aussi riche que n'importe quel autre genre littéraire, et servir de support à n'importe quel type de récit. L'éditeur DC Comics est spécialisé dans le genre superhéros. Quand il publie ce récit, le lecteur part avec le présupposé que l'objectif est de proposer un récit de Batman le plus réaliste possible, surtout avec un scénariste maître du polar urbain, et un dessinateur maître de la représentation hyperréaliste, un peu inquiet d'une perte de saveur de personnages plus grands que nature. Le début donne l'impression que cette volonté de réalisme est incompatible avec le concept d'un individu qui s'habille en chauve-souris. Petit à petit, l'évidence se fait : Azzarello & Bermejo ne renient rien des conventions de superhéros, et au contraire les utilisent avec leur touche personnelle, pour un récit qui est avant tout un récit de superhéros, mais aussi un polar urbain agissant comme le révélateur de la psyché du héros. Remarque : pour cette édition complète, les responsables éditoriaux ont pris le parti de faire disparaître dans les ombres, le sexe de Bruce Wayne, nu après être sorti de la Batmobile dans la Batcave.

09/07/2024 (modifier)

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Un album qui marquera à coup sûr 2024. Des auteurs, je ne connaissais que Savoia … Alors que je ramenais ma fraise, j’ai eu l’air d’un ignare devant mon bibliothécaire, il m’apprend donc que Petit pays est d’abord un roman d’un rappeur/écrivain et qu’il a même déjà fait l’objet d’une adaptation au cinéma. Je découvre donc ce récit via le médium BD, et bah franchement je le conseille à tout le monde. C’est assez magistral dans le rendu, j’ai été complètement happé de la première à la dernière case. Le style du dessinateur a encore évolué de belle manière, tout est parfait pour nous immerger : trait, couleurs, narration… L’histoire est très dure et remplie d’horreurs. Gaël Faye, alors enfant, nous relate sa vie pendant le conflit Rwandais. De l’insouciance à la perte de l’innocence, à travers ses yeux d’enfant et ses questionnements, nous assistons à cette aberration qui chamboulera à jamais sa vie. Ses parents m’ont beaucoup touché. Un témoignage rare et utile, parfaitement construit. Remarquable.

09/07/2024 (modifier)

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Surpris des notes moyennes. Moi, je me suis régalé à la lecture des 2 albums concoctés par fabcaro et erré. Mission remplie : faire rire, c'est réussi. Dessin cartoonesque, gags absurdes car décalé entre la transposition de notre période et celle du western. Bd humoristique bien au dessus des albums Solos de fabcaro pour lequel je n'accroche vraiment pas ( open bar, ....). Le même régal qu'avec z comme Diego des mêmes auteurs. Bd bien meilleure que certaines qui ont pourtant un succès que je ne comprends pas du tout, tant c'est plat, ennuyeux, je pense à riad satouf ( cahiers d'esther, arabe du futur, jamais réussi à finir un album !) ou silex and thé city, mon dieu, horrible à lire) Alors, si vous voulez passer du bon temps avec une BD qui vous fait rire, n'hésitez pas !!

09/07/2024 (modifier)

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