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VS - Ligne de front
Atteindre l'objectif - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre. Il comprend les épisodes 1 à 5 de la minisérie, initialement parus en 2018, écrits par Ivan Brandon, dessinés et encré par Esad Ribi?, avec une mise en couleurs réalisée par Nic Klein. Il comprend également les couvertures alternatives réalisées par Dan Panosian et Jae Lee. Des dizaines d'années dans le futur, sur une planète avec un anneau, sous la supervision et la surveillance de gouvernants ayant élu domicile dans des satellites spatiaux, une bataille va commencer. Les soldats d'une faction sont campés sur leur position, ayant du mal à supporter le silence de l'attente. Non loin de là, le commando ennemi vient d'arriver. Il se compose de 6 soldats, avec pour chef un vétéran nommé Satta Flynn équipé d'un exosquelette dorsal avec quatre bras supplémentaires. Il donne l'ordre à 2 soldats de se déployer sur les flancs, et aux 3 autres de le suivre. À quelques mères en hauteur, de nombreuses caméras filment tout. Le soldat parti en vol autonome se fait descendre dès la première minute. Un autre reçoit en projectile en pleine poitrine. L'une des caméras annonce une pause pour les écrans publicitaires. En fait il s'agit d'une rediffusion que Satta Flynn regarde depuis son lit d'hôpital car il a été grièvement blessé pendant cette campagne. 86 jours après sa blessure, il peut enfin sortir de l'hôpital, avec une nouvelle jambe cybernétique à la place de celle qui a été amputée. Il sort en fauteuil roulant, mais se met debout malgré la douleur, pour le bénéfice des journalistes présents à l'entrée. Il est rapidement pris en charge par le représentant de l'entreprise qui l'emploie, et par Xem, une jeune femme qui lui est attachée. Quelques jours plus tard, Satta Flynn est de retour sur le champ de bataille. Il court pour éviter les tirs de l'ennemi, tout en progressant de l'avant. Il finit par débusquer le chef de peloton ennemi en le surprenant. Il s'engage dans un combat acharné au corps à corps. L'autre réussit à lui trancher une artère du cou. Flynn ne se rend pas pour autant, et enfonce sa propre lame dans le cou de son adversaire, le tuant. Mais il se fait lui-même poignarder dans le dos par un autre ennemi à l'agonie sur le terrain. Il se retourne dans un sursaut pour le tuer également, et s'effondre sur son cadavre. La bataille est parvenue à son terme, et les services médicaux et autres pénètrent sur le terrain pour s'occuper des blessés et enlever les cadavres. Satta Flynn n'est pas mort, mais il a échoué. La sanction est double : son entreprise n'a pas gagné la partie et va perdre des territoires de vente. Lui-même va perdre des sponsors et donc des revenus financiers. Par contre, ça ouvre la porte à de nouveaux soldats pour prendre sa place, des plus jeunes. A priori, le lecteur est attiré vers ce comics, à la fois par le dessinateur, à la fois par le scénariste. Esad Ribi? s'est fait connaître par ses pages s'apparentant à des illustrations pour des projets comme Loki (2004, scénario de Robert Rodi), Silver Surfer: Requiem (2007, scénario de Joe Michael Straczynski), Sub-Mariner: The Depths (2009, scénario de Peter Milligan), Secret Wars (2016, scénario de Jonathan Hickman). Le lecteur note toutefois que l'artiste n'a pas réalisé lui-même sa mise en couleurs. Elle a été réalisée par Nic Klein qui a déjà travaillé avec Ivan Brandon, en particulier pour la série de science-fiction Drifter. S'il l'a lue, le lecteur garde en souvenir des visuels envoûtant et une structure narrative déroutante, exigeant un bon degré d'investissement pour rassembler les pièces du puzzle du scénario, dispersées aux quatre vents des épisodes. Du coup, il peut éprouver un peu d'appréhension à se plonger dans ce nouveau récit de Brandon. D'un autre côté, il s'agit d'un récit complet en 5 épisodes, donc nécessitant moins d'effort que pour les 19 épisodes de Drifter. En outre les premières pages donnent l'impression qu'Esad Ribi? a réalisé ses planches tout seul, tellement Nic Klein a calqué sa mise en couleurs sur la méthode de Ribi?. Enfin les 12 premières pages narrent une opération militaire de terrain, tout en action. Ivan Brandon n'a quand même pas abandonné complètement sa manière de raconter une histoire, et ce n'est que progressivement que le lecteur découvre les raisons et les enjeux de ces affrontements entre professionnels. Cependant, il n'est pas compliqué de comprendre ce qui est en train de se jouer. Le récit se concentre essentiellement sur Satta Flynn, ce combattant vétéran émérite, tout entier focalisé sur son métier. La jeune Xem n'apparaît que le temps d'une page et n'est même pas une récompense pour Flynn, selon toute vraisemblance encore moins une compagne. Les seuls femmes à jouer un rôle de premier plan sont deux combattantes comme Flynn, Mama Martine et Major Devi, cette dernière étant plus jeune et plus compétente que lui. Satta Flynn embrasse donc complètement sa condition de combattant célèbre et redoutable, sans état d'âme, sans autre motivation que celle de sortir vainqueur. Sa blessure grave ne remet pas en question sa motivation. Il n'éprouve pas de peur particulière face à la mort. Seule la supériorité de Major Devi le déroute, impliquant la fin de sa supériorité, une déchéance vraisemblable à court terme. Du coup Satta Flynn n'est pas un héros parce qu'il est difficile de l'admirer du fait de son absence de questionnement, mais il n'est pas complètement antipathique parce que le lecteur ressent de l'empathie pour son obsolescence proche. Les premières pages impressionnent le lecteur commençant par deux dessins en pleine page, puis trois pages avec 3 ou 4 cases, comme une sorte de travelling avant vers le champ de bataille, en partant depuis l'espace. Le lecteur retrouve les formes tracées à grand trait d'Esad Ribi?, noyées dans des camaïeux de couleurs pastel, des brumes mangeant les détails. Il lui faut donc un peu de temps pour se rappeler que la mise en couleurs a été faite par Nic Klein et pas Ribi?. Cela devient un peu plus apparent par la suite car les formes deviennent détourées par des traits encrés, attestant que le dessinateur a un peu changé de mode de représentation. Cela l'incite d'ailleurs à représenter plus de détails, à se montrer plus concret. Cela constitue un plus pour le récit, car du coup les éléments de science-fiction sont plus palpables, plus tangibles. Le lecteur peut voir la technologie futuriste, les quelques vaisseaux, les tenues d'anticipation, les armes du futur. Les représentations ne s'inscrivent pas dans une démarche prospective d'anticipation à partir de la science d'aujourd'hui, mais elles permettent au lecteur de s'immerger dans un monde cohérent, différent du présent. L'observation des dessins lui permet de se faire une représentation des constructions de cette planète, de son degré d'avancée sur l'échelle de la civilisation, de son urbanisme, même si le scénario ne s'appesantit pas sur la vie quotidienne. Nic Klein effectue un remarquable travail de mise en couleurs, avec des teintes assez pâles, un peu blafardes. Il les utilise pour accentuer le relief des formes, et apporter des informations sur les sources d'éclairage. Il établit une teinte dominante par séquence pour lui conférer une ambiance particulière. Il nourrit les fonds de case lors des affrontements car les champs de bataille se trouvent en zones sauvages, ou dans des zones dévastées. Le lecteur pourrait craindre que ces choix graphiques rendent la lecture un peu difficile, mais en fait Esad Ribi? conçoit des personnages et des tenues avec des spécificités assez fortes pour que le lecteur sache tout de suite qui il est en train de regarder attaquer, ou où se situe l'action. Le choix de couleurs délavées peut donner l'impression que le récit manque d'éclat, mais le lecteur constate rapidement que les combats sont spectaculaires, avec des déroulements inventifs, et que certains lieux en imposent soit par des constructions gigantesques, soit par la beauté de la nature. La narration graphique emmène donc le lecteur sur une autre planète peuplée d'humanoïde, dans un futur lointain, au milieu de combats menés par des professionnels jusqu'à la mort. Ainsi immergé, le lecteur se laisse prendre par la fureur des combats, par la détermination professionnelle de Satta Flynn. Comme lui, il absorbe les informations quand il en a le temps, pour comprendre quels sont les enjeux réels de ces affrontements. Ivan Brandon ne s'est pas contenté de concevoir une intrigue, il a également travaillé sur la forme, avec l'insertion de pages de publicité, comme dans la retransmission des combats, aidé par Tom Muller, un designer. Il s'agit de produits inventés pour l'histoire, mais fonctionnant comme des échos de produits existants, telle une célèbre marque de soda. L'effet produit est de faire remarquer au lecteur que ces combats s'inscrivent dans une forme de gouvernement, un système fonctionnant sur le principe du capitalisme, où le terme guerre économique peut être pris au pied de la lettre. En soi, le propos ne s'avère pas original, mais sa mise en forme (récit de SF, dessins à la forte personnalité) en fait une fable pour adultes, débarrassée de toute naïveté. Le scénariste utilise le genre SF pour mieux faire ressortir les principes sous-jacents qui conduisent les personnages à se comporter ainsi. Il a réussi à trouver le juste équilibre entre récit au premier degré et critique du système. Au vu des créateurs de cette histoire, le lecteur peut se retrouver tiraillé entre deux a priori conflictuels, entre curiosité pour un scénario ambitieux et des dessins personnels, et appréhension pour une structure de récit trop alambiquée, et des dessins trop fades. Il se trouve qu'Ivan Brandon, Nic Klein et Esad Ribic ont combiné le meilleur de leurs particularités, pour un récit de science-fiction basé sur l'action, avec une dimension réflexive, et des dessins riches à la mise en couleurs personnelle.
Zaï Zaï Zaï Zaï
Voici un véritable bijou d'humour absurde. Je suis déjà fan de Fabcaro, il m'arrive au final assez peu de relire des BD, mais là je dois être au moins à ma 3e ou 4e lecture et je n'avais toujours rien avisé. Tout part d'un incident déclencheur : un auteur de BD (tiens tiens) oublie sa carte de fidélité en faisant ses courses. Cet oubli déclenche une chasse à l'homme délirante, une véritable traque policière qui prend des proportions surréalistes. Ce qui frappe d'emblée, c'est la manière dont Fabcaro parvient à tirer du comique de l'absurde tout en gardant une critique subtile et acerbe de notre société. À travers des situations loufoques et des dialogues à la fois minimalistes et percutants, il expose les travers de notre quotidien, nos petites lâchetés, nos hypocrisies, et la manière dont la société peut s’emballer autour de rien. Les personnages, volontairement stéréotypés, sont autant de miroirs déformants de nos comportements. Que ce soit le vigile zélé, la caissière dépassée, ou encore les journalistes avides de sensationnel, tous sont pris dans cette spirale qui ne fait que renforcer l’humour du récit. Fabcaro joue avec les clichés, les détourne, et les pousse à l’extrême, créant ainsi un univers où le ridicule devient la norme. Le dessin, d’une sobriété apparente, sert parfaitement ce propos. Le trait est simple, presque dépouillé, ce qui laisse toute la place à l’humour des situations et des dialogues. Ce minimalisme graphique, loin d’affaiblir le récit, lui donne au contraire une force supplémentaire. Chaque case, chaque expression, même réduite à l’essentiel, participe à l’effet comique. Cette simplicité renforce le décalage entre la gravité apparente de la situation et l’absurdité de ce qui est raconté. Le rythme est également une des grandes forces de cet album. Fabcaro enchaîne les gags avec une fluidité déconcertante. Chaque page apporte son lot de surprises, et le lecteur est constamment tenu en haleine, à la fois par le fil conducteur de la traque et par les digressions humoristiques qui jalonnent le récit. Loin de s’essouffler, l’histoire gagne en intensité au fil des pages, avec des rebondissements toujours plus farfelus. Et puis, il y a ce ton unique, à la fois pince-sans-rire et désinvolte, qui caractérise l’écriture de Fabcaro. L’humour de Zaï Zaï Zaï Zaï est un savant mélange de non-sens et de satire sociale. On rit, souvent aux éclats, mais on ne peut s’empêcher de réfléchir aux petites absurdités de notre propre quotidien, aux contradictions de la société de consommation, aux dérives médiatiques. En fin de compte, c’est une œuvre qui, sous ses airs légers, porte un regard sur le monde moderne. C’est une BD qui se lit d’une traite, mais qui mérite d’être relue pour en savourer toute la profondeur. Fabcaro prouve ici qu’il est un maître dans l’art de l’humour absurde, capable de transformer le moindre détail du quotidien en une aventure hilarante et pleine de sens. C’est un album à recommander sans hésitation, que l’on soit fan du genre ou non, car il touche à quelque chose d’universel dans sa manière de capter l’essence du ridicule humain. J'ai hésité entre le 4 et le 5 mais c'est pour moi un incontestable album culte de ce genre que je double d'un coup de coeur.
Le Ciel dans la tête
Voilà un album qui traite de sujets terribles (enfants soldats, misère, néocolonialisme, migrations illégales, etc.) et qui le fait très bien, tout en proposant un travail graphique très original, et franchement très beau. Nous suivons le terrible et triste parcours de Nivek, gamin pauvre qui cherche à fuir les mines où il est employé en République démocratique du Congo, qui se retrouve enfant soldat commettant une foule de crimes, puis qui traverse toute l’Afrique, pour traverser la Méditerranée, pour finir dans une prison française comme un criminel. Cette fin est « parfaite » pour boucler la boucle, puisqu’au début nous voyons des occidentaux négocier avec les chefs de milices employant Nivek un prix dérisoire pour le coltan : s’il n’y avait pas ça, il n’y aurait pas autant de migrants prenant tous les risques pour venir en Europe, où le migrant, comme Nivek, n’est présenté que comme une menace et un délinquant. Une histoire dramatique et triste donc. Mais très bien narrée. Et surtout, la lecture est rendue encore plus agréable par dessin et colorisation, que j’ai beaucoup appréciées. Un dessin qui s’écarte souvent du réalisme, pour se rapprocher d’une forme stylisée, faisant penser à de l’art naïf et populaire. Beaucoup de très belles planches en tout cas ! Une très belle œuvre, Altarriba est vraiment un auteur très intéressant (et engagé), et il est ici très bien accompagné !
Les Pistes Invisibles
Il ne faut avoir aucune idée en tête pour découvrir ce dont on ignore l'existence. - Ce tome contient une histoire complète indépendante de tout autre. Il s'agit d'une bande dessinée en couleurs publiée en 2023. Elle a intégralement été réalisée par Xavier Mussat, scénario, dessins et couleurs. Elle comprend cent-soixante-dix pages de bande dessinée. Un paragraphe en fin de tome précise la technique de dessin : Ce livre a été dessiné avec un usage strict de formes pleines au pinceau et à l'encre de Chine, sans recours au trait de contour. Les formes pleines ont été numériquement traduites en deux couches de couleurs superposées et retravaillées à la palette graphique afin d'obtenir une impression en deux passages de tons directs Pantone (bleu 2206 U et orange 1655 U). La troisième couleur et obtenue par leur superposition. Des nuages dans le ciel. Un tronc d'arbre, des racines, un petit cours d'eau. de la végétation dans un sous-bois. Une fois qu'ils l'ont attrapé, tout s'est arrêté. Même après qu'ils l'ont eu relâché, il n'a jamais pu retourner dans sa forêt. S'il y retournait, ils sauraient qu'il faudrait l'y rechercher. Les efforts d'immobilité, de silence, les stratégies de camouflage deviendraient inutiles. Pour bien disparaître, il ne fait pas être cherché. Devenir invisible, ça n'est pas disparaître, c'est se mélanger au reste. C'est participer à l'illusion du silence. Ne pas briser l‘équilibre visuel de la forêt qui donne à toute chose une présence similaire. le silence est une impression. Parce que le vent dans les feuilles, les craquements d'arbre, les bruits d'insecte, le murmure des ruisseaux, tous les sons de ce monde se manifestent à volume égal. Et alors cette orchestration, c'est comme un brouhaha en arrière-plan, inaudible parce que sans relief. Il y a dans presque toutes les forêts une légende d'homme sauvage couvert de poils, improbable vestige vivant ou chaînon manquant que de nombreuses personnes jurent avoir vu de leurs propres yeux. Plus de trois mille témoignages et aucune preuve, aucun ossement ni corps ni dent, rien d'autre que des empreintes de pas. Trois mille… Ça en fait des promeneurs, des chasseurs, des campeurs. Ils ont vu ce qu'ils voulaient voir. En vingt-cinq ans, il n'a été vu de personne. Il a vécu caché dans cette forêt, mais pas comme un homme des bois. Ils sont passés souvent très près de lui, mais dupes du silence, ils l'ignoraient. Ils traquaient autre chose : une idée déjà en tête, une représentation à laquelle il échappait. Un son plus fort que les autres. Un géant primitif aux proportions et à l'aspect si différents du décor qu'on ne saurait le manquer. Il ne faut avoir aucune idée en tête pour découvrir ce dont on ignore l'existence. Il aurait suffi qu'ils essaient de le trouver. Il entend souvent la même question : comment expliquer son imprévisible disparition ? Il n'aurait pu en aucun cas l'imaginer, la planifier. Il n'aurait pas disparu s'il en avait fabriqué l'idée dans sa tête. Trop vertigineuse. Souvent ceux qui pensent à partir ne dépassent pas l'idée fantasmée du départ. Ils réfléchissent, tentent de prévoir, d'anticiper les obstacles qu'ils se fabriquent, et ça les paralyse. Les projections, ça les décourage. Non, il faut de fil en aiguille s'en aller malgré soi, se surprendre. Assurément une bande dessinée qui sort des sentiers battus, et ce dès la couverture. L'œil du lecteur se retrouve attiré par cette étrange alliance de couleurs : cet orange très vif, quasiment fluo, et ce bleu très plat, terne. S'il ne s'en est pas rendu compte, il découvre donc que la troisième couleur est le résultat de la superposition des deux autres, et l'artiste joue également avec le blanc. L'artiste s'en tient à ces couleurs tout du long de son ouvrage, avec cet effet de contraste entre l'orange pétant et le bleu neutre, ce marron agissant comme une couleur plus foncée mais pas nette comme du noir. L'effet peut s'avérer étrange : l'orange ressort sur le marron comme si c'était du noir, alors que le bleu est atténué du fait du faible contraste avec le marron. L'artiste joue également avec le principe de superposition : celle du bleu et de l'orange pour obtenir du marron, mais aussi la superposition de l'image d'un insecte sur une forme de schéma électrique ou électronique pour contraster, et même opposer la nature irréconciliable de ces deux éléments. La page d'après, il s'agit d'un hélicoptère contre une montagne, l'esprit du lecteur établissant automatiquement le lien avec l'opposition entre l'insecte et le circuit. En page vingt-neuf, Mussat inverse le contraste, pour une séquence onirique aérienne, lorsqu'une jeune femme s'envole dans le ciel alors qu'elle tombe dans l'eau. le choix de se départir d'une approche naturaliste pour les couleurs indique au lecteur que la narration visuelle ne se limite pas à des dessins descriptifs, et qu'elle comprend une part de sensations et de vie spirituelle. A priori, l'histoire offre peu de possibilités : un individu qui quitte la société pour vivre en état de solitude pendant vingt-cinq ans. Soit il est en mode survivaliste, soit il vit de rapines modestes et pathétiques. Les premières pages posent rapidement le point de départ : un abandon de voiture non prévu dans une zone boisée sauvage, un métier dans l'électronique, la décision aussi naturelle qu'irrévocable de ne pas retourner sur ses pas. L'individu (il n'est jamais nommé) essuie quelques déboires, puis trouve un mode de vie en harmonie avec la nature, en décalage avec les clichés de l'homme des bois : il est parvenu à effacer son existence, à se rendre invisible aux autres êtres humains. En fin de tome, l'auteur indique laconiquement qu'il s'est inspiré librement de l'histoire de Christopher Thomas Knight qui a disparu vingt-sept dans les forêts du Maine, entre 1986 et 2013. Il a commis environ un millier de cambriolages dans des maisons de la région, soit environ une quarantaine par an et a survécu aux rigoureux hivers du Maine. À la découverte des premières pages, le lecteur comprend que ces dessins sont autant dans le descriptif que dans l'impression, et qu'ils donnent à voir le récit en vue subjective, par les yeux du personnage. Il apprécie le jeu sur les contrastes de couleurs de cette palette très limitée. En page neuf, il voit la silhouette de l'homme sauvage couvert de poils, cette légende, improbable vestige vivant ou chaînon manquant, c'est-à-dire une projection de ce à quoi pense le personnage. À partir de la page dix, il note l'apparition de formes purement géométriques venant se surimposer à ce qui est représenté. En page treize, il y a une forme de circuit électrique en fond de case, puis un graphe assez simple avec uniquement des points et des segments. En page seize, une silhouette humaine donne l'impression d'une peinture rupestre, en orange sur fond blanc. Page suivante, c'est un motif géométrique évoquant les nations premières. En page vingt-et-un, l'artiste effectue un rapprochement purement visuel : le plan de coupe d'un tronc d'arbre, puis la toile d'une araignée, avec des motifs très similaires. En page quarante-cinq, la représentation de type art primitif d'un serpent devient un serpent réaliste dans la case suivante. En page cinquante-et-un, le lecteur éprouve l'impression de contempler des courbes de niveau du relief montagneux, avec une randonnée et ses points de pause tracée dessus. Dans les pages quatre-vingt-dix, l'artiste joue avec les motifs des nervures d'une feuille, avec ceux formés par les tuiles d'un toit, puis avec d'une tenue camouflage. Il met ainsi à profit les possibilités de offertes par les dessins pour rapprocher des formes, ce qui rapproche, dans l'esprit du lecteur, des éléments de natures hétérogènes. Le lecteur assimile rapidement que la narration visuelle sort d'un cadre descriptif, en vue subjective, et même d'une transcription d'impression et de sensation, pour une interaction entre le descriptif, le sensoriel et le monde des idées. Dans la première page, le solitaire indique qu'il ne pourra plus retourner dans la forêt : il a donc déjà été attrapé et ramené à la vie en société. Il évoque également le fait que les recherches ont été infructueuses pendant toutes ces années parce que les personnes qui se sont mis à la recherche de l'individu qui cambriolait les chalets environnants pour commettre de petits larcins (petits mais réguliers) s'en étaient fait une idée sans rapport avec la réalité. de son côté, le lecteur, toujours en vue subjective, fait l'expérience de cet éloignement de la société des hommes également par les remarques du narrateur. Il suit le fil logique de cette vie à l'écart, et les réflexions générées par cet état insolite. On ne meurt pas si facilement. le constat de l'empreinte dévastatrice de ses déplacements. Et puis des stridulations d'insecte, un chant polyphonique de grésillements. Sifflet à roulette, roulement d'une bille dans une assiette, escadrille d'avions miniatures. Il y avait des martèlements dans chacun des sons. La répétition plus ou moins espacées de motifs uniques. Un langage sonore archaïque, rythmique, un concert cacophonique de frottements, de souffles, de percussions sans aucune coordination. La persistance rétinienne. La prise de conscience de son mode de schémas comportementaux avec les autres, après coup. L'incroyable concours de circonstances qui a été nécessaire pour la formation du système solaire et de la planète Terre telle qu'elle existe. Etc. Le lecteur ne peut pas faire autrement que d'avoir l'œil attiré par cette couverture à l'orange criard, à la graphie du titre qui commence à s'effacer, à devenir invisible. S'il le feuillète, il peut être repoussé par cette esthétique peu conventionnelle, un peu pétante. S'il commence sa lecture, il constate immédiatement que la narration visuelle dépasse la description pour embrasser plusieurs autres domaines, grâce à l'utilisation de plusieurs registres dessinés. Au fil des pages, il éprouve la sensation de faire l'expérience de cette vie en marge de la société, comme le fait le narrateur, tout en se retrouvant à se plonger dans des pensées inattendues, à effectuer des associations, des rapprochements visuels riches de sens. Une expérience de lecture peu commune.
L'Orfèvre (Lozes)
Eh bien, pour une première incursion dans la BD, Aurélien Lozes réalise un coup de maître ! C’est un album vraiment surprenant, et je remercie Jetjet de m’y avoir fait penser (encore un qui me coûte cher !). Si l’on résume l’intrigue, on peut arriver à un polar relativement classique, avec les fausses pistes qui vont bien pour égarer le lecteur et étirer le suspens (j’ai commencé côté « bouquetin » de la couverture). J’avoue avoir assez tôt repéré les personnages jouant le « mauvais rôle. Du polar classique ? Oui, mais alors déjà on serait sur du haut de gamme en matière de construction. Mais surtout, il y a beaucoup d’autres choses qui rendent cet album remarquable, qui le font clairement sortir du lot. D’abord ce dessin vraiment très joli, très chouette, d’une précision et d’une clarté impressionnantes. Lozes a donné à son polar des aspects cinématographiques, avec gros effets, il multiplie les points de vue, les contre-plongées, les plans divers. Surtout, tous ses personnages ont des corps et des comportements humains, mais des têtes d’animaux. Fait remarquable, non seulement les très nombreux personnages sont faciles à différencier, mais en plus Lozes réalise l’exploit – à moins que je me sois trompé – de n’avoir pas deux personnages de la même espèce ! Et du coup ça confirme ses aptitudes au dessin, il a du talent le bougre. Ses personnages à tête d’animaux, dans des décors historiques plus ou moins anciens m’ont fait penser, plus qu’à Blacksad, aux romans collages de Max Ernst, Une semaine de bonté en tête. Il faut dire que Lozes use d’un beau Noir et Blanc fin et pur, qui fait penser aux gravures justement utilisées par Ernst dans ses collages. J’ai parlé de décors historiques, et là, Lozes se révèle encore original. L’intrigue se déroule dans Paris. Un Paris en permanence secoué par une agitation insurrectionnelle, que les protagonistes traversent à leurs risques et périls. Surtout, cela se passe dans un espace contemporain, avec manifestations violentes, puis, au fur et à mesure que nos héros traversent Paris, durant Mai 1968, puis l’insurrection de la résistance contre l’occupant allemand fin août 1944, la semaine sanglante de la fin de la Commune, et enfin les violences de septembre 1792 en pleine terreur (ou l’inverse selon votre choix de lecture). Lozes, qui s’est documenté et connait bien Paris et son histoire agitée, a su faire en sorte qu’on ne se pose pas de questions, et cela ne nuit jamais à la fluidité et à la crédibilité de l’histoire. Incroyable mais vrai – y compris lorsque l’on attaque le « verso ». Car l’album est une sorte d’upside-down. Après avoir fini la première partie (la moitié supérieure), on retourne l’album pour prendre la suite – peu importe le sens de départ. Lozes parvient même à plusieurs reprises, lors de pleines pages ou de grandes cases, à rendre raccords les deux « étages ». Au final, on a un polar noir et violent. En plus des différentes violences révolutionnaires qui font du décor un champ de bataille permanent, Lozes use de violence dans l’intrigue fil rouge, les morts s’empilent, et il n’hésite pas à se débarrasser de certains personnages principaux. Quelques rares bémols : le papier glacé (j’aurais préféré – affaire de goût – un papier plus épais) et quelques petites questions sans réponse (ou alors j’ai raté quelques détails), même si je ne veux pas spoiler. Mais bon, ça reste des réserves mineures, car on a là un album qui mérite plus qu’un coup d’œil. Un des meilleurs albums de l’année assurément ! Un polar magnifié par des choix esthétiques et narratifs : un futur immanquable ?
L'Orfèvre (Lozes)
Du travail d'orfèvre ! Une BD qui se trouvait sur ma liste d'achat bien avant sa sortie en librairie. Difficile d'écrire un avis sans déflorer les nombreuses surprises qui vont vous surprendre. Bon, déjà une narration singulière qui est un délicieux mélange de Dessus-dessous et de Tremblez enfance Z46. En effet, la BD propose deux couvertures différentes et deux sens de lecture, mais vous ne pourrez lire que le haut des planches puisqu'il vous faudra retourner le livre pour lire le second récit en dessous. Pas d'ordre imposé dans le choix de la lecture, vous pouvez commencer par l'une ou l'autre histoire sans que cela soit gênant. Des personnages charismatiques pour un polar noir et violent, captivant et surprenant, très bien construit et aux rebondissements bien amenés. Un scénario diabolique qui m'a transporté à différentes époques pour une histoire sans fin. Diabolique ! La partie graphique est somptueuse dans un noir et blanc de toute beauté, il est réalisé au bic. Des personnages représentés avec des têtes d'animaux où l'expression des "visages" est stupéfiante de réalisme. De superbes nuances de gris, des effets miroirs époustouflants pour un résultat qui m'a laissé bouche bée. Pour une première BD, Aurelien Lozes a fait très très fort ! Un indispensable pour les aficionados de polars. Culte et gros coup de cœur.
Corps vivante
C'est la norme d'être affecté, tout le monde l'est. - Ce tome contient un témoignage d'une artiste ayant découvert tardivement son homosexualité, une bande dessinée qui se suffit à elle-même. Sa parution date de 2023. Elle a été réalisée par Julie Delporte, pour le texte et les dessins. Il s'agit d'un texte illustré, plutôt que d'une bande dessinée. Il comprend cent-quarante-sept pages de récit. Il se termine avec quatre pages de notes revenant sur les sources d'inspiration de certains dessins. L'autrice se fait la réflexion suivante : ce qui ne l'a pas tuée ne l'a pas rendue plus forte. le temps n'a pas guéri toutes ses blessures. Mais elle peut constater que, malgré tout, elle est encore vivante. Sachet de sucre avec une cuillère : la première fois qu'elle a fait l'amour avec une femme, elle n'avait pour références que des dessins et des films réalisés par des hommes. Deux femmes nues allongées et enlacées dans un lit : pour remédier à cette situation, elle a regardé deux ou trois fois de suite la scène finale de Je tu il elle, de Chantal Akerman. Deux femmes nues allongées et enlacées dans un lit : elle était fière de sa nouvelle orientation, mais elle mourait de honte qu'elle lui arrive si tard. Elle avait peur d'être une femme hétérosexuelle qui expérimente et s'enfuit aussitôt. Les lesbiennes autour d'elle semblaient se plaindre d'un tel scénario. Les deux femmes se caressent tendrement : elle a attendu longtemps avant de se lancer. Il y avait eu une première fois, maladroite, en partie parce qu'elle avait trop bu. Puis une deuxième où tout était joyeux et léger. de petite taille, d'apparence douce mais masculine, Anna ne ressemblait à aucune des lesbiennes fantasmées par les hommes. Elle disait que Julie avait l'air plutôt gay, ce qui faisait rire cette dernière. Ce jour-là, Julie était presque étonnée de se sentir normale. C'était toute sa vie d'avant qui était anormale. Des roches avec des veines de couleur : son amie Kate lui a demandé si la pénétration n'allait pas lui manquer. Julie a répondu que c'était une affaire de reproduction, non ? Luc a pensé qu'elle était bisexuelle, mais à vrai dire, elle était épuisée d'aimer les hommes. Elle voulait qu'ils soient amis rien de plus. Guillaume lui a demandé si elle avait toujours été comme ça, ou si elle avait changé. C'était une très bonne question. Presque tous les témoignages de lesbiennes tardives qu'elle avait pu entendre se résumaient par : Un jour, je suis tombée amoureuse d'une femme. Est-ce une manière de simplifier ? Un jour, Julie est tombée amoureuse d'une femme, mais son histoire ne commence pas là. Elle ne commence pas non plus avec l'apparition d'un désir physique. Les papillons dans le ventre étaient là bien avant qu'elle désire une femme. Images d'insecte dans un bocal : Elle s'en souvient, à douze ans, avec son cousin. Ils la paralysent et l'empêchent de quitter la pièce. Puis à quatorze ans, quand un garçon plus vieux qui lui répugne se colle à elle sous la table, faisant réagir son corps. C'est ce qu'on appelle un fantasme. Elle a mis du temps à comprendre le geste de Jeanne Dielman. En découvrant les premières pages, le lecteur se rend compte de la nature de l'ouvrage. Il s'agit de l'histoire personnelle de l'autrice qui a pris conscience de son homosexualité à trente-cinq ans et qui évoque son entrée dans le pays qu'on appelle Gouinistan, avec des questions sur ses relations sexuelles avec les hommes, son caractère, sa façon de se comporter, ce qui relève de sa nature intrinsèque et la part d'elle qui a été modelée par la société, soit de manière explicite (les modèles de féminité), soit ce qui est implicite ou même inexistant (l'absence de représentation de femmes lesbiennes à son époque). Cela se présente sous la forme d'une ou deux phrases par double page, avec une écriture cursive manuscrite très agréable à l’œil. En vis-à-vis dans cette double page se trouve un dessin, parfois sur la page de gauche, parfois sur celle de droite, de temps à autre sous le texte sur la même page. Pour le chapitre introductif, il s'agit de huit dessins à l'encre de Chine inspirés du film Je tu il elle (1974) réalisé par Chantal Akerman (1950-2015, réalisatrice). Dans les notes en fin de volume, Delporte précise que la même année, Barbara Hammer (1939-1919) réalisait Dyketactics, un court métrage mettant lui aussi en scène un érotisme lesbien, mais de manière plus expérimentale. Avant cette date, elle ne connait pas de scène érotique lesbienne tournée par une réalisatrice lesbienne (ni même tourné par une femme hétérosexuelle) qui ait été retenue dans l'histoire du cinéma. De fait, le lecteur s'attache plus au texte qu'aux dessins, car l'autrice raconte son histoire, et les dessins viennent au mieux présenter une mise en situation de la relation lesbienne, pour le chapitre introductif, ou souvent accoler des représentations de la nature (roches, coquillages, fleurs, végétaux) et de rares fois un objet manufacturé ou une personne. le texte est rédigé dans un français très accessible, avec des phrases courtes, sans vocabulaire spécialisé ou complexe, très agréable à lire avec sa graphie. La construction de ce témoignage se révèle simple et naturelle. Julie expose sa son parcours de vie sous l'angle de sa préférence sexuelle. Sa première expérience homosexuelle l'a amenée à s'interroger sur la normalité imprégnant la société. Une fois sa prise de conscience opérée, elle s'est demandé si elle avait toujours été comme ça, c'est-à-dire homosexuelle. Elle est passée par différentes phases : la culpabilité de ne pas avoir d'activité sexuelle, comment érotiser le corps d'une femme (et sa vulve en particulier), le fait que personne ne l'a jamais forcée mais qu'elle se forçait elle-même pour se conformer, les contraintes sociales à l'hétérosexualité et l'absence d'images positives de lesbiennes, les contraintes de la perfection des normes sociales imposées à des êtres humains qui sont intrinsèquement imparfaits (deux états irréconciliables), la question de Judith Butler (Comment vivre une vie bonne dans un monde mauvais ?), et un regard en arrière sur ses relations avec les femmes avant de se reconnaître lesbienne. L'autrice se montre honnête, réfléchie, dans une réflexion sans acrimonie, sans volonté de vengeance ou d'accusations, sans militantisme ou agressivité, avec un ou deux points d'amertume, ce qui rend la lecture aussi intéressante qu'agréable. Dans le fil des pages, le lecteur jette un coup d’œil aux dessins : agréables à l’œil, réalisés avec des crayons de couleur, parfois pastel, avec des traits de contour en couleur quand il y en a. Une fois passée l'introduction, il n'est pas toujours très sûr de ce qu'il est en train de regarder. de temps à autre, un dessin apparaît en relation direct avec le texte : un portrait de Monique Wittig en vis-à-vis d'une citation d'elle, des dessins de robe et de tissu quand Julie évoque ce qu'elle a fait de ses robes après avoir assumé sa nouvelle identité sexuelle, un facsimilé de Tofslan & Vifslan regardant leur pierre secrète en provenance d'une histoire des Moomins, de Tove Janssen (1914-2001), un appareil photographique argentique, la couverture du livre Peau (1999, À propos de sexe, de classe et de littérature) de Dorothy Allison (1949-), etc. Puis arrive la page quatre-vingt-huit dans laquelle l'autrice dit que cette forme est maintenant sa préférée, elle la voit partout, en parlant de la forme de la vulve. le lecteur comprend alors que chaque dessin porte en lui le regard sexualisé de l'artiste, une façon de regarder le monde en ayant à l'esprit le sexe féminin. Cette tournure d'esprit ne saute pas au visage du lecteur ; elle reste sous-jacente. Si son esprit fonctionne de manière plus cartésienne que poétique, il apprécie de pouvoir découvrir dans les notes, la nature de ce qui est représenté pour les dessins qui l'ont laissé perplexe : des roches photographiées sur la côte de l'île Verte dans le fleuve Saint-Laurent, des scènes du film Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles (1975) de Chantal Akerman, des agates tranchées, des algues et roches photographiées à Maria en Gaspésie, des fleurs du Jardin botanique de Montréal et un colibri venu les visiter, des lichens accrochés aux roches dans le parc régional du Poisson Blanc, l'érosion des falaises aux îles de la Madeleine, et plusieurs créatrices lesbiennes ou personnages dans des films. La lectrice ou le lecteur ressent les émotions et les interrogations de Julie Delporte, avec son point de vue qu'elle expose sans l'imposer. Il effectue le constat des références culturelles féministes ou lesbiennes : Adrienne Rich (1929-2012), Chantal Akerman (1950-2015), Lauren Beerlant (1957-2021), Annie Ernaux (1940-), Tove Janssen (1914-2001), Monique Wittig (1935-2003), Courtney Barnett (1987-), Dorothy Allison (1949-), Adèle Haenel (1989-), Judith Butler (1956-), sans se sentir exclue ou exclu. Elle ou il ressent que ces interrogations prennent comme point de départ la prise de conscience (que l'autrice qualifie de tardive) d'être lesbienne, et qu'elles s'appliquent également à chaque être humain quelle que soit sa condition. La pression de se conformer aux injonctions et normes sociales explicites ou implicites, le syndrome de l'imposteur, le besoin de se sentir normal, l'impossibilité pour l'être humain d'être parfait, l'impulsion de faire plaisir pour éviter le rejet par l'autre, la façon inconsciente de considérer le monde avec un point de vue sexualisé, l'habitude de se forcer, la démarche de consoler l'enfant qu'on a été, etc. En page cent-vingt-sept, l'autrice déclare qu'elle a voulu être une lesbienne avant d'avoir du désir pour des femmes, une sorte d'essence qui précède l'existence, pour reprendre la formule de Jean-Paul Sartre (1905-1980). Une lesbienne tardive s'interroge sur son parcours de vie, son orientation sexuelle, ses relations hétérosexuelles passées, les obstacles pour prendre conscience de ses préférences, la manière dont elle s'est forcée inconsciemment à être normale, en agrémentant chaque page d'un dessin sur la manière dont elle perçoit la nature, mais aussi les autrices ou créatrices qui lui ont permis de comprendre sa situation, son chemin. Outre le témoignage d'un cas particulier, il s'agit également d'un regard sur son environnement aussi bien naturel que mental. Un partage bienveillant d'expérience de vie.
Fantastic Four - La Fin
Chaque fin est un commencement. - Ce tome comprend une histoire complète qui s'apprécie mieux en ayant une connaissance de base des Fantastic Four. Il reprend les 6 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2007, écrits et dessinés par Alan Davis, encrés par Mark Farmer, mis en couleurs par John Kalisz. Dans un lointain futur, l'humanité connaît un âge d'or à la fois grâce à un sérum de longévité mis au point par Reed Richards et par l'instauration d'une zone de neutralité dans le système solaire garantissant l'absence d'expansion de la race humaine tant qu'elle n'aura pas atteint un degré de maturité jugé suffisant pour rejoindre le conseil intergalactique. Mais cette utopie a été chèrement acquise, en particulier après un combat terrible entre les Fantastic Four et Doctor Doom, au cours duquel Valeria et Alexia ont trouvé la mort. Quelques années ont passé. Jennifer Walters (sous sa forme de She-Hulk) rend visite à Reed Richards qui vit seul dans une station orbitale où il recherche un moyen de voyager plus vite que la lumière, avec une source d'énergie illimitée. Aux abords de Pluton, Johnny Storm (Human Torch) mène une équipe des Avengers (Thor, Vision, Iron Man, Captain Marvel et Silver Surfer) pour affronter un groupe de supercriminels composé de Enchanteress, Sandman, Psycho-Man, Wizard, Klaw et encore un ou deux autres. Ils ont la surprise de les voir se décomposer sous leurs yeux quand Nick Fury arrive en scaphandre à la tête d'une équipe du SHIELD. Sur Mars, The Thing se bat contre deux petits monstres Jacob & Daniel, ses enfants. Ces derniers gagnent à la partie de chat, et The Thing s'étale de tout son long aux pieds des inhumains qui viennent d'arriver, à savoir Gorgon, Medusa et Karnak. Alicia Masters arrivent sur ces entrefaites et ramènent un peu de calme. Ben Grimm reprend sa forme humaine. Sur Terre, au fond de l'océan Atlantique, Sue Richards se livre à des fouilles archéologiques en solitaire. Alors qu'elle est en train d'inspecter les ruines d'un palais sous-marin, elle est interrompue par l'arrivée de Namor qui lui demande ce qu'elle fait dans son royaume sans l'avoir averti. Toujours en compagnie de She-Hulk, Reed Richards reçoit un appel de Wyatt Winfoot et de sa compagne Thundra. Dans une lamaserie au Tibet, Stephen Strange observe les événements se déroulant dans la station orbitale de Richards, dans un globe magique, en compagnie de sa nouvelle apprentie. Dans les années 2000, l'éditeur Marvel décide de lancer des récits sous la bannière The End, évoquant la dernière aventure d'une partie de ses personnages. Le lecteur découvre ainsi Hulk: The end (2002) de Peter David & Dale Keown, Marvel Universe: The End (2003) de Jim Starlin & Al Milgrom, ou encore X-Men: The End (2004-2006) de Chris Claremont & Sean Chen. En 2007, c'est au tour d'Alan Davis de faire subir le même sort aux Fantastic Four. Le lecteur découvre qu'il joue le jeu : il a placé son récit dans le futur et effectivement l'équipe des Fantastic Four n'est plus, chacun s'en étant allé poursuivre sa vie de son côté, après la mort des enfants de Sue & Reed Richards. Le scénariste se montre assez cruel et original puisque la race humaine en passe d'atteindre son plein potentiel, grâce à des avancées scientifiques et médicales extraordinaires, accompagnées par une période paix sans précédent, et de croissance constructive, mais le prix à payer pour les Fantastic Four a été trop élevé. En entamant ce genre de récit, le lecteur s'attend à ce que le scénariste s'oriente soit vers une histoire évoquant la fin des temps ou le déclin d'une institution telle que les superhéros de l'histoire, ou alors un dernier tour de piste permettant de revisiter les principaux éléments constitutifs de la mythologie des personnages. Il se rend rapidement compte qu'Alan Davis a choisi la deuxième option, à partir du moment où Namor est intégré au récit. Avec l'apparition d'Uatu le gardien et des Inhumains, il en a la confirmation. Il profite alors de voir un futur potentiel dans lequel les personnages ont évolué, sortant de la stase imposée par les règles de gestion de personnages dont la propriété intellectuelle est détenue par une entreprise de média. Le scénariste joue astucieusement avec la possibilité de montrer ce que peuvent devenir certains personnages débarrassés de cette contrainte de conserver à jamais les mêmes caractéristiques, tout en en mettant en scène d'autres qui n'ont pas bougé, comme par les exemples les Inhumains, à une exception bien trouvée et assez émouvante. De la même manière, il pioche dans la riche continuité Marvel pour mettre en scène des personnages emblématiques de la série Fantastic Four, mais aussi pour réimaginer une poignée de personnages, comme la nouvelle Captain Marvel, évoquant la version Mar-vell. Ainsi le lecteur peut à la fois profiter de voir des personnages classiques dessinés par Alan Davis (Thor par exemple) et des personnages repensés. Alan Davis a commencé sa carrière de dessinateur de comics vers 1985, en travaillant sur des séries Marvel publiées au Royaume Uni, puis il a été embauché aux États-Unis où il a aussi bien travaillé pour Marvel que pour DC Comics, avant de voler de ses propres ailes et de devenir également scénariste. Il y a quelque chose d'immédiatement plaisant à l'œil dans les dessins d'Alan Davis, à la fois grâce à des contours arrondis et des angles de vue qui dramatisent les scènes d'action. D'une certaine manière, le lecteur éprouve la sensation de découvrir un croisement entre le dynamisme de Neal Adams et l'approche un peu plus plausible de John Byrne. C'est à la fois un compliment pour les dessins, mais aussi une forme de jugement réducteur comme s'ils n'avaient pas une personnalité assez affirmée, encore trop dérivative. D'un autre côté, il s'agit de comparaison assez flatteuse. Pour ces 6 épisodes, Alan Davis bénéficie de son encreur attitré Mark Farmer, qui a succédé dans ce poste à Paul Neary. La précision de l'encrage est remarquable à la fois dans sa capacité à faire ressortir tous les traits, mais aussi par la discrétion avec laquelle il sait faire varier leur épaisseur ou leur poli avec de courts traits qui apportent une texture fine, sans supplanter l'impression générale d'arrondi. Dans les trois premiers épisodes, Alan Davis s'investit pour donner à voir ce monde utopique, à commencer par le dessin en double page montrant la station orbitale de Reed Richards en vue extérieure au-dessus de la Terre, mais aussi la luxuriance de la végétation de Mars qui a été terraformée, et les ruines sous-marines. le lecteur se délecte de la visite au musée en compagnie de Ben Grimm, ou encore de la tenue du Conseil Galactique. Le lecteur prend également plaisir à regarder les différentes formes de races extraterrestres, même si elles sont toutes basées sur un modèle anthropoïde. Le dessinateur s'amuse bien à créer un monstre marin des plus impressionnants. Le lecteur ressent le plaisir que l'artiste a à créer ces personnages et ces lieux exotiques, dignes descendants de décennies de comics de superhéros et de science-fiction. Il remarque également qu'arrivé à la moitié du récit, Alan Davis s'implique plus dans la mise en scène des conflits que dans les environnements. John Kalisz effectue un gros travail de camaïeu dans les arrière-plans pour les nourrir, alors que l'artiste se concentre tout entier dans la vivacité des gestes, et dans les cadrages fortement penchés pour donner plus de force aux coups portés. Alors même qu'il note ce glissement vers une narration de plus en plus spécifique aux comics de superhéros, le lecteur ressent tout le plaisir qu'il a à retrouver les membres des Fantastic Four, et à anticiper le fait qu'ils vont à nouveau se réunir pour une nouvelle mission. Alan Davis a conçu une intrigue qui mêlent trois fils narratifs (la mission de Sue Richards, les attaques sur des satellites terriens, la réapparition de supercriminels), ce qui lui donne une certaine consistance. Mais rapidement c'est la certitude que les Fantastic Four vont enfin retrouver une forme de complétude en reformant l'équipe qui l'emporte sur le reste. Alan Davis ne joue pas sur la fibre de la nostalgie, ne se lamente pas sur la perte d'un âge d'or révolu. Sans avoir l'air de trop y toucher, il fait preuve de justesse dans la sensibilité pour montrer en quoi Reed, Susan, Johnny et Ben sont plus forts quand ils forment une famille ensemble. Il ne s'agit pas d'un retour à un état antérieur, mais plutôt de la redécouverte de la dynamique constructive qui existe au sein de ce noyau familial. Mine de rien, sous couvert d'un récit estampillé La fin, Alan Davis fait la preuve de la spécificité de cette équipe, et de sa capacité à capturer son esprit et à en faire le moteur du récit. Dans un premier temps, le lecteur apprécie surtout une forme de retour à des comics de superhéros plus tranchée et honnête. Les Fantastic Four sont là pour améliorer le sort de l'humanité et lutter contre des supercriminels. Il voit bien que l'équipe est séparée, et malgré tout Alan Davis réussit à faire exister les personnages et à mettre en lumière qu'il faut compter sur eux, même pris séparément. Il a construit son histoire en deux parties, la première dans laquelle ses dessins enchantent le lecteur avec une utopie simple et séduisante, la deuxième dans laquelle le temps du conflit est advenu. Logiquement ses dessins se concentrent sur la relation des personnages à leur environnement dans la première partie, et dans l'expression des superpouvoirs au cours des affrontements physiques dans la deuxième partie. Le lecteur peut éprouver une forme de condescendance à la découverte d'un récit à l'ancienne pour les caractères des personnages, mais dans le même temps il sent son cynisme fondre à a chaleur humaine qui se dégage du récit.
Bravo pour l'aventure - Les Aventures de Jesse Bravo
Leçons de narration - Ce tome regroupe toutes les histoires écrites, dessinées et encrées par Alex Toth (25 juin 1928 – 27 mai 2006), mettant en scène le personnage de Jesse Bravo, réalisées entre 1982 et 1984. Il se présente sous un format de bande dessinée européenne et les histoires sont en couleurs. Who is Jesse Bravo ? (1982, 4 pages) – Sous forme de dessins accolés à des textes, Alex Toth présente la vie de son personnage. Bravo for adventure (1984, 54 pages) – Dans les années 1930, Jesse Bravo (un pilote d'avion, installé à son compte) accepte des commandes de fret, ou de réalisation d'acrobaties pour Hollywood. Alors que les finances sont en chute libre, il refuse de chercher un autre pilote qui doit de l'argent à un propriétaire de casino, et il accepte de réaliser des acrobaties pour un film qui doit se tourner à Lone Pine (même s'il refuse d'y emmener la fille du réalisateur). Coming (1982, 17 pages) – À Burbank en 1937, assommé par une pale d'hélice, Jesse Bravo hallucine. Il s'imagine dans une sorte de course-poursuite sans queue ni tête, de nature psychédélique. Le premier constat qui s'impose est que le travail d'édition est irréprochable, d'une très grande qualité, avec des pages parfaitement reprographiées permettant d'apprécier chaque trait, chaque aplat de noir. L'introduction de Dean Mulaney (dans l'édition VO) permet d'apprendre (ou de se remémorer) qu'Alex Toth a connu plusieurs vies professionnelles, comme dessinateur, mais aussi dans l'animation. IDW a d'ailleurs publié 3 tomes retraçant ses carrières : Genius, animated: The cartoon art of Alex Toth, Genius, illustrated: The life and art of Alex Toth, Genius, isolated: The life and art of Alex Toth. Ladite introduction permet également d'apprécier le sens de l'expression Un artiste pour les artistes, puisque Toth a été un modèle pour des dessinateurs comme Darwin Cooke, Bruce Timm, Howard Chaykin ou Paul Pope. Un feuilletage un peu rapide ne permet pas d'appréhender les qualités d'Alex Toth qui rendent ses comics si remarquables. Malgré le grand format, le lecteur ne voit au départ qu'une apparence datée, évoquant fortement les comic-strip des journaux américain. Mullaney indique d'ailleurs qu'Alex Toth admirait des créateurs de comic-strip comme Milton Caniff (Male Call ou Terry and the Pirates) et Noel Sickles (Scorchy Smith). Le lecteur se lance donc ce tome et il remarque immédiatement des traits épurés et des cases évoquant un peu Hugo Pratt. Il est également saisi par le lettrage fait main, sans cette impression répétitive des lettrages informatiques. Ce lettrage un peu irrégulier dans l'espacement des lettres et leur forme transmet une impression organique vivante, très agréable, un peu artisanale. D'ailleurs page 8, le lecteur découvre une case constituée de mots qui se chevauchent les uns les autres, sans forme humaine ou autre. La dernière case de cette page montre un vaisseau spatial en train de s'éloigner laissant une trace composée de gros carrés arrondis dont le lecteur se demande s'ils représentent les restes d'échappement d'un moteur à énergie inconnue, ou le son du même moteur retranscrit dans un alphabet extraterrestre (ou peut-être les deux à la fois). Cela peut paraître dérisoire d'aborder les qualités graphiques d'Alex Toth par le lettrage, mais pourtant cet aspect est partie intégrante de la page, et montre que cet artiste brise le mur qui sépare le dessin, des lettres d'un mot. À plusieurs reprises, Alex Toth rapatrie les lettres de l'alphabet dans le domaine du dessin en jouant sur leur graphie (une leçon dont se souviendront Howard Chaykin, et Ken Bruzenak, son lettreur attitré). Dès ces premières pages, le lecteur peut aussi constater l'incroyable travail d'épuration que Toth effectue sur les traits et les aplats de noir. En détaillant la manière dont est dessiné l'avion en train de voler (en haut à droite de la page 5), le lecteur constate un faible nombre de traits et une grosse masse noire pour la carlingue de l'avion. En prenant du recul, il constate qu'il peut quasiment identifier le modèle de l'avion, voir la fragilité des ailes de ce biplan, imaginer les contraintes qui tiraillent les câbles qui rigidifient la structure de l'avion, etc. C'est incroyable tout ce qu'expriment ces quelques lignes ! Tout au long de ce tome, le lecteur pourra ainsi observer à loisir la façon dont Alex Toth recherche jusqu'où il peut simplifier un contour, ou l'intérieur d'une surface, sans rien perdre de sens, pour atteindre une élégance raffinée. Il ne faut pas croire que cette épuration va de pair avec une forme de vide, ni d'économie. La gestion des aplats de noir et les variations d'épaisseur des traits de contour ont aussi pour effet de ne jamais donner l'impression d'une case creuse, ou superficielle. Lorsque la narration visuelle le nécessite, Alex Toth réalise des dessins comprenant plus de détails, comme l'intérieur d'un bar, les cadrans d'une radio, ou encore la carrosserie d'une Rolls Royce. Ce qui est également saisissant à la lecture de ces pages, c'est qu'il n'y a pas de cases statiques. Sans donner l'impression de rythme effréné ou de mouvement incessant, Alex Toth compose des images toujours pleines de vie, allant d'un simple haussement de sourcil, à un bolide lancé à toute allure. Il y a là une science de la composition proprement habitée par le flux de la vie. Cette vie émane également des personnages croqués par Alex Toth. Ils disposent tous d'une morphologie et d'une physionomie distinctes, facilement mémorisables, sans qu'ils n'en deviennent des caricatures. Sans aller concevoir des tenues extravagantes, Toth prend soin que chaque costume soit adapté à la personne, à son activité, et aux conditions météorologiques. Alex Toth sait dessiner avec une rare conviction les évolutions des avions en vol, malgré l'absence de repère fixe dans le ciel pour indiquer leur position ou leur trajectoire. La reconstitution historique est des plus convaincantes. le lecteur écoutera même la chanson When the deep purple falls over garden walls de Peter DeRose, sortir d'un jukebox (cette même chanson qui inspira Ritchie Blackmore pour le nom du groupe Deep Purple). Dans l'introduction, Dean Mullaney précise qu'il s'agissait pour Alex Toth de rendre hommage aux comic-strips, avec une histoire d'aviateur proche de la parodie. À la lecture, il s'avère que Toth a bien conçu une intrigue très cohérente, avec une habileté certaine pour utiliser les conventions de ce type de récit, sans pour autant se limiter à une enfilade de clichés, ou se reposer sur des mécaniques invraisemblables. Jesse Bravo est bien le personnage principal du récit (et même le héros), mais de nombreux rebondissements surviennent sans qu'il en soit le moteur. Ce tome se termine donc avec une dernière histoire (17 pages) pendant laquelle le lecteur voit les hallucinations de Jesse Bravo, ayant perdu connaissance. C'est une leçon de narration phénoménale. Alex Toth n'est pas tenu par une intrigue, il peut donc imaginer sa narration uniquement du point de vue visuel, passant d'une case à l'autre par le biais d'associations d'idée ou d'image. le lecteur se retrouve donc devant des cases de plus en plus épurée, où l'image tire vers l'abstraction, voire devient abstraite (une simple courbe, ou ligne brisée, ou encore une petite silhouette noire sur fond blanc (cette approche évoque fortement l'épure de Gilbert Hernandez). Soit le lecteur sera rebuté par ce délire insensé, soit il se rend compte que sur cette trame conceptuelle, Alex Toth réalise un travail narratif exceptionnel. Pourtant sans intrigue, cette suite de 17 pages constitue bien une narration inventive, avec un mouvement fluide, même s'il s'agit d'une case blanche ou noire, vierge de tout trait. Prise une par une, chaque case peut sembler incongrue ou même dépourvue de sens littéral. Remise dans le flux de la narration, à côté d'une autre case, ou dans le contexte de la planche, elle participe à un récit visuellement compréhensible, et pourtant impossible à mettre en mots. A priori, le lecteur attiré par ce tome y vient surtout pour découvrir l'art d'Alex Toth. Il est comblé au-delà de toute espérance par une maestria au service de la narration, par une leçon de narration à chaque page, et il bénéficie même d'une histoire à la construction intelligente, pleine de suspense. Il est alors possible de découvrir des travaux plus anciens comme Creepy presents Alex Toth ou Zorro: The complete Alex Toth.
Stumptown
Une disparue - Ce tome est le premier d'une série d'une série de 4 à ce jour (en 2017) mettant en scène la détective privée Dex (Dexedrine) Parios. Il comprend les 4 épisodes de la minisérie, initialement parus en 2009/2010, écrits par Greg Rucka, dessinés et encrés par Matthew Southworth, avec une mise en couleurs réalisée par Lee Loughridge & Rico Renzi. L'histoire se déroule à Portland dans l'Oregon. Au temps présent, Raymond Dillon (surnommé Dill) fait ouvrir le coffre de sa voiture par Whale (une grande baraque à l'air peu amène, et peu causant). À l'intérieur se trouve Dex (Dexedrine) Parios, ligotée, mais pas bâillonnée. Elle demande à Dill s'il est encore temps de négocier. Faute de réponse, elle comprend qu'il ne sert à rien de discuter. Elle s'éloigne à reculons vers la berge de la rivière Willamette. Dill lui tire dessus à deux reprises en plein ventre. 27 heures plutôt, Dex Parios était en train de parier à une table de jeu au Casino Wispering Winds, où elle a tout perdu aux dés. Elle est écartée de la table de jeu par Hollis, l'un des employés. Il s'enquiert de la santé d'Ansel, le frère de Dex, et la conduit dans le bureau de Sue-Lynne Suppa, la propriétaire du casino. Cette dernière lui indique clairement qu'elle ne doit pas s'attendre à un crédit supplémentaire car elle doit déjà 17.616 dollars. Sue-Lynne Suppa lui explique qu'elle la charge de retrouver sa petite fille Charlotte Suppa, âgée de 18 ans et ayant disparu de son domicile depuis quatre jours sans laisser de trace, peut-être avec un garçon. Dex Parios a vite fait de comprendre qu'elle n'a pas trop le choix et qu'elle tient là la possibilité d'éponger ses dettes. Elle rentre chez elle un peu tard et se rend compte que son frère Ansel, trisomique 21, n'est pas encore couché. Elle l'envoie se coucher et descend une bière en s'allongeant sur le canapé. le lendemain, elle se rend au domicile de Charlotte Suppa et se rend compte qu'elle a emporté son shampoing, mais qu'elle n'a pas pris sa voiture. Elle appelle Tracy Hoffman, un officier de police, pour lui demander de regarder s'il n'y a pas eu des signalements d'activité à l'adresse de Charotee Suppa. Elle quitte l'appartement et s'approche de sa propre voiture. Deux individus patibulaires l'attendent : Raymond Dillon et Whale. Le premier crève la capote de sa voiture avec un couteau, le second la malmène et la plaque contre son capot. Dill lui demande où se trouve Charlotte. Après s'être assurée qu'elle ne sait rien, il fait signe à Whale de la passer à tabac. À peine est elle en train de se relever, que deux autres individus en costard s'emparent d'elle et la font monter de force dans une autre voiture. Greg Rucka jouit d'une bonne réputation en tant que scénariste de polar, acquise à la fois sur la série Batman, et sur des créations indépendantes. Il a également montré qu'il sait écrire des personnages féminins qui sortent des stéréotypes habituels des comics. le lecteur est donc plutôt tenté de lui faire confiance quand il propose une histoire complète d'une détective privée, pour une enquête sur une disparition. Il découvre une jeune femme (peut-être trente ans) qui progresse sans trop s'inquiéter des risques qu'elle prend. Elle fait preuve d'un comportement autodestructeur léger, mais bien réel. Elle ne sait pas gérer son argent, dans la mesure où elle le dépense au jeu, sans trop se soucier des conséquences. Elle se met dans des situations où elle sait qu'elle risque de prendre des coups, sans pouvoir les parer. Elle est bien sûr obstinée, et elle sait additionner deux plus deux, même si elle n'arrive pas à anticiper les coups suivants, à la fois littéralement, à la fois de manière imagée. Le lecteur constate également qu'elle sait s'y prendre pour demander des services à quelques personnes de son entourage, sans pour autant exagérer. Elle s'occupe de son frère de bonne grâce, l'aidant pour retrouver ses affaires, pour manger, pour trouver quelqu'un qui s'occupe de lui quand elle ne peut pas être présente. Dex Parios progresse son enquête de manière très pragmatique, par essais et erreurs, en posant des questions directes et basiques, sans trop se préoccuper de la réaction de ses interlocuteurs, tout en se rendant bien compte qu'elle met parfois sa vie en danger. Elle dispose d'assez de jugeotte pour se rendre compte quand les réponses ne sont pas franches, quand il s'agit d'un mensonge par omission, ou d'une réponse trompeuse. Greg Rucka déroule donc une enquête de type réaliste, avec un enjeu très local (retrouver une fugueuse), sans rien de spectaculaire, et une détective pragmatique qui ne lâche pas le morceau. Le lecteur se rend vite compte que la narration est fluide, qu'elle évite les longs dialogues artificiels, les scènes d'explication avec exposé ou soliloque. Effectivement la narration visuelle n'est pas pesante, ne s'enlise pas des enfilades de têtes en train de parler. Le lecteur y voit là l'art de conteur du scénariste qui a pensé et conçu son récit en fonction des caractéristiques de ce média. Matthew Southworth est un artiste qui avait réalisé quelques épisodes de séries de superhéros pour DC et Marvel, et qui signe là son travail le plus conséquent. En première approche les dessins de Matthew Southworth évoquent un croisement entre ceux de Michael Gaydos et de Sean Phillips. Le lecteur détecte leur influence dans sa manière d'utiliser des aplats de noir aux contours irréguliers, pas bien lissés, ce qui rend compte à la fois du côté rugueux de la réalité, et de la difficulté de la percevoir de façon nette. Cette façon de dessiner n'est pas synonyme d'à peu près. de séquence en séquence, le lecteur peut apprécier la capacité de l'artiste à représenter les différents endroits. Ça commence donc avec une berge de la rivière Willamette, avec les herbes folles, un canard hébété en train d'observer la scène, les branches d'arbre en ombre chinoise, la silhouette du tablier du pont en haut dans le lointain, et l'eau noire. le lecteur peut ensuite observer l'affluence autour des tables du casino, l'ameublement du bureau de Sue-Lynne Suppa, celui de la grande pièce de l'appartement de Dex Parios, la façade de celui de Charlotte Suppa, l'aménagement luxueux de la villa d'Hector Marenco, avec vue sur le fleuve, etc. Chaque scène se déroule dans un endroit bien décrit, avec suffisamment de particularités pour être unique, et pour être plausible. En outre les cases comprennent des arrière-plans à plus de 80% ce qui assure un bon niveau d'immersion du lecteur. Matthew Southworth utilise la même approche réaliste pour les personnages. Ils disposent de morphologies normales, sans exagération anatomique, sans mise en avant de leurs attributs sexuels. Les différents mouvements s'inscrivent également dans un registre ordinaire, sans exagération, des postures normales d'adulte. Même si dans un premier temps, le lecteur peut trouver que les visages sont un peu rêches, pas peaufinés, il se rend compte que comme Dex Parios, il guette les réactions sur les visages. Il se demande ce que peut penser tel ou tel personnage pendant un dialogue, s'il cache quelque chose, s'il calcule chacune de ses réponses. Il éprouve facilement de l'empathie quand il voit apparaître une émotion non feinte sur un visage. Chaque prise de vue est adaptée à la nature de la séquence, variant les plans sur les environnements, sur les visages, ou sur les actions de personnages, apportant de la variété de la lecture, avec des cadrages larges ou resserrés, comme si le lecteur ajustait sa vision pour regarder ce qui importe le plus. Après une première impression un peu rêche, l'opinion du lecteur sur les dessins évolue pour en apprécier le naturel et le pragmatisme, au point que la narration visuelle devient une évidence et s'efface pour laisser le premier plan à l'intrigue. Greg Rucka a concocté une enquête, sur une disparition d'une jeune femme, peut-être une fugue, peut-être un enlèvement. Dès que Dex Parios commence à s'intéresser à son affaire (simplement en se rendant à l'appartement de Charlotte Suppa), elle déclenche une série de réactions imprévues. Il y a des individus qui la tabassent, visiblement des gros bras employés par quelqu'un, habitués à intimider les civils par la force mais pas des professionnels. Au contraire, les suivants à s'en prendre à Dex Parios ont des méthodes plus professionnelles. Elle se retrouve vite devant un individu au compte en banque bien garni et l'influence importante, avec une fille au comportement étrange. le naturalisme des dessins de Matthew Southworth évite que les réactions des uns et des autres ne basculent dans la comédie de situation avec des mauvais acteurs. Le naturalisme de l'écriture de Greg Rucka évite que l'histoire ne bascule dans le thriller aux grosses ficelles, ou dans le polar d'action avec des personnages aux capacités physiques extraordinaires. de même, il évite de faire jouer le rôle d'otage à Ansel, ou de faire jouer le rôle de deus ex machina à l'officier Tracy Hoffman qui ne dispose pas d'informations toutes prêtes pour son amie. Le scénariste sait rendre la progression de l'enquête crédible et plausible. le lecteur découvre les indices en même temps que Dex Parios et sert les dents quand elle encaisse des coups. Les motifs se dévoilent progressivement et ils sont directement issus du milieu dans lequel se déroule le récit. Greg Rucka applique à la lettre les règles du polar pour faire apparaître les caractéristiques d'un milieu. Il le fait en creux, laissant le soin au lecteur de prendre du recul pour constater ce que décrit le récit, essentiellement les conditions de vie de Dex Parios, avec leurs particularités qui en font une personne à part entière, s'incarnant de page en page. Cette première enquête de Dex Parios est une vraie réussite, un polar réaliste. le lecteur ressent rapidement la fluidité et le naturel de la narration visuelle et des situations, utilisant les conventions du polar, sans jamais tomber dans les clichés ou les stéréotypes. En refermant ce tome, il lui semble avoir vécu aux côtés de Dex Parios, l'ayant admirée pour sa ténacité, son opiniâtreté, sa capacité à commettre des erreurs et à toujours se relever. Il lui tarde de la retrouver pour une nouvelle enquête.