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Très tiraillé entre 3 et 4... Voilà une BD qui se situe exactement à 3,5/5 à mon échelle. J'ai d'abord eu une énorme coup de cœur pour le dessin de Jean-Denis Pendanx. Il est vraiment somptueux et restitue à merveille la beauté, la pureté et la grandeur de la forêt. Il nous fait comprendre à merveille la fascination de Geoffroy Delorme pour les chevreuils et leur habitat naturel. Aidés par le sens narratif toujours aigu de Vincent Zabus, on entre donc peu à peu dans l'esprit de Geoffroy, et on se plaît à s'immiscer avec lui dans cette vie au beau milieu des bois, pas si solitaire. J'ai beaucoup aimé le fait qu'à la suite de Geoffroy Delorme, la bande dessinée ne revendique aucun discours. Il n'est question d'aucun militantisme ou d'aucune dimension politique quelle qu'elle soit. Non, c'est l'expérience de vie de Geoffroy, son dégoût des humains et son incapacité à s'adapter aux normes du monde dans lequel il vit qui le pousse vers la forêt. Sans esprit de conquête ni même de survivalisme à proprement parler, il nous raconte comment il a découvert peu à peu la beauté mais aussi la dureté de la vie en forêt pour un être humain. Son récit prend souvent des airs documentaires quand il nous explique les meilleures manières de s'adapter à la vie au milieu des bois ou quand il décrit le mode de vie des chevreuils. Je n'aurais pas pensé être si intéressé par le sujet, et Zabus sait rendre cette histoire souvent captivante. Malgré tout, ce qui m'empêche de monter à 4 étoiles, c'est tout de même cette absence de récit à proprement parler. On est davantage sur une bande dessinée à caractère informatif et documentaire que sur une histoire avec un début, un milieu, une fin... une narration, quoi. Le récit n'évolue que très peu, et il manque un semblant de climax ou d'émotion. J'aurais aimé partager les sentiments et les émotions que traverse Geoffroy, notamment quand il voit ses amis chevreuils mourir sous ses yeux. Mais la froideur de la narration nous en empêche, à moins que ce ne soit le côté très éclectique du récit, qui enchaîne plus des scénettes (avec un certain fil directeur, certes) qu'il ne raconte une histoire à proprement parler. Dans l'ensemble, cette froideur de ton sert plus le récit qu'elle ne le dessert, mais je trouve que L'Homme-chevreuil manque alors d'une dimension qui aurait rendu l'histoire plus attachante ou émouvante. Cela ne m'a pas empêché de m'intéresser de très près à cette histoire d'autant plus étonnante qu'elle est vraie. J'ai tout de même appris beaucoup de choses et tiré beaucoup d'enseignements de cette histoire. Et encore une fois, le dessin est si beau qu'il justifie à lui seul la lecture de la bande dessinée.

04/04/2026 (modifier)

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Plus je relis cette saga, plus je me rends compte à quel point elle est incroyable ! Alain Ayroles étant à mon sens un des plus grands (voire LE plus grand) auteur de bandes dessinées vivant à l'heure actuelle, il peut sembler évident de dire que cette saga est à son tour une réussite, après les bijoux qu'étaient De Cape et de Crocs et Garulfo. À l'image de cette dernière, d'ailleurs, c'est à nouveau avec Maïorana qu'Ayroles s'allie pour nous proposer une plongée, non plus cette fois dans l'Europe baroque ou dans le conte médiéval, mais dans l'Angleterre du XIXe, à la manière des meilleurs romans gothiques. La présence des auteurs de Garulfo est donc la garantie du soin extrême apporté à chacun des trois tomes de cette captivante trilogie. Au niveau du dessin, je trouve qu'on constate une nette amélioration de Maïorana par rapport à ses débuts, déjà sensible dans les tomes finaux de Garulfo, mais qui s'épanouit ici pour nous offrir des images somptueuses. Il aime rendre son trait parfois un peu flou, ce qui pourrait en rebuter certains, mais colle ici parfaitement à l'ambiance gothique recherchée, et la rigueur du dessin est toujours présente, ce qui nous offre une plongée très immersive dans l'Angleterre victorienne. Plongée d'autant plus immersive que le scénario d'Ayroles, lui, j'ose le dire, confine au génie. Un génie qu'on ne sentira pas forcément dès la première lecture, en tous cas qu'on ne sentira pas forcément jusqu'à la fin du tome 3. Pour moi, cette saga est à lire au moins deux fois (mais en fait, beaucoup plus) : la première fois, évidemment, en ne sachant à peu près rien de ce qu'on va découvrir, et la deuxième fois, en connaissant tous les tenants et les aboutissants de l'intrigue. Je vous le garantis, vous n'aurez pas l'impression de lire plusieurs fois la même bande dessinée. Le génie d'Alain Ayroles, c'est de reprendre une histoire traditionnelle de vampire, mais pas à la sauce moderne, plutôt en l'inscrivant dans la dialectique du roman victorien avec une ambiance qui croise des influences telles que Dickens, Stevenson ou Wilde. De ces auteurs, Ayroles récupère deux éléments qui font de sa bande dessinée un élément à part : le talent pour les dialogues, et une satire sociale forte sans être trop appuyée. Du côté des dialogues, on reconnaît évidemment la patte de l'auteur de De Cape et de Crocs et son aisance hallucinante à pasticher les plus grands auteurs. Ici, il s'en donne à cœur joie pour pasticher Oscar Wilde avec un talent indéniable, ce qui rend la lecture savoureuse. Mais la satire sociale est elle aussi très présente, tout en restant à sa place, et c'est là, surtout, qu'Ayroles donne tout son sens au récit. L'histoire de vampires qu'il met en place n'a rien de gratuit. D'habitude peu friand de ce genre de récit, j'en raffole ici, le thème vampirique jouant un fort rôle métaphorique. En effet, le thème du vampire permet de faire réfléchir sur la vraie nature de l'homme à une époque où celui-ci découvre les moyens de satisfaire ses passions envers le pouvoir et l'argent, mais aussi à une époque où la raison est censée prendre le pas sur toute forme de croyance. Le parallèle avec la colonisation est magnifiquement mis en scène (Drake, le colonisateur qui s'abaisse à boire du sang comme les indigènes auxquels il s'assimile peu à peu, ou encore cette magnifique rime riche entre vampire et empire) Dès lors, quelle place les vampires peuvent-ils, doivent-ils occuper au sein de la société ? Et déjà, les vampires sont-ils vraiment ceux que l'on croit ? À l'heure de la colonisation et de la surexploitation des ressources, les vampires n'ont-ils pas un visage différent de celui qu'on leur attribue ? Ayroles et Maïorana se livrent donc à un fascinant jeu de cache-cache, où la mythologie vampirique met en avant de forts thèmes de réflexion qui sous-tendent un beau discours s'étalant sur trois tomes, et se terminant en apothéose. Bref, plus je la relis, plus je découvre combien D peut prétendre à la perfection. C'est une proposition brillante de la part de ses auteurs, tant sur le plan visuel, très soigné, que sur le plan narratif, l'aventure ayant un grand nombre de lectures sous-jacentes dont on n'aura jamais vraiment fini de faire le tour. À l'image des deux autres grandes sagas de son auteur, D fait donc figure de trilogie incontournable dans le monde de la bande dessinée contemporaine. Et nous apporte la preuve que, quoiqu'il touche, Alain Ayroles le transforme systématiquement en or...

19/02/2019 (MAJ le 04/04/2026) (modifier)

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J'avais beaucoup d'espoir après l'excellent Birdking des mêmes auteurs. Mais l'espoir s'est envolé au fil de ma lecture. Je vais commencer par le dessin de Crom qui me séduit toujours autant avec son style (tendance manga) reconnaissable au premier coup d'œil. Caricatural, dynamique et expressif. Des couleurs en adéquation avec l'univers fantasy. Une mise en page plutôt classique. Du bon boulot. L'histoire se laisse lire mais ça manque cruellement d'originalité et les 112 pages se lisent en 30 mn à peine. Des personnages pas forcément attachants, des rebondissements qui ne surprennent pas et un univers violent déjà vu des centaines de fois. Du sanglant qui reste soft grâce au dessin. Déçu ! Je n'y reviendrai pas. Note réelle : 2,5. Merci à la partie graphique.

04/04/2026 (modifier)

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La solitude est une maladie de naissance. Alors autant s’y habituer depuis le début ! - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre. Sa première édition date de 2025. Il a été réalisé par Zidrou (Benoît Drousie) pour le scénario et par Lucy Mazel pour les dessins et les couleurs. Il comporte cent deux pages de bande dessinée. En avril 2015, la foule d’une manifestation avance tranquillement dans les rues avec des banderoles, en scandant : Veryon démission ! Parmi eux, Virgile Dujardin et Solène tiennent chacun le montant d’une banderole avec le slogan : Vivre vieux, vivre mieux ! Tout à trac, elle annonce à son compagnon qu’elle le quitte. Elle ajoute qu’elle va refaire sa vie avec un autre homme, ça fait bientôt deux ans qu’ils se connaissent. Virgile a peine à y croire, elle va bientôt avoir soixante ans. Elle rétorque que raison de plus : pour refaire sa vie, il faut d’abord la défaire, on ne marche pas avec deux paires de souliers aux pieds. Il lui demande bêtement ce que vont dire les gens. La voisine, la boulangère, ses collègues au boulot, les gens quoi !?! Elle pense qu’ils diront des choses méchantes, des choses gentilles, ils diront ce que les gens disent quand ils ne comprennent rien à la vie. Il lui demande : Et les filles ? Elle lui annonce que Camille et Manon sont déjà au courant depuis longtemps. Il lui demande comment il s’appelle ; elle lui répond Étienne. Elle termine en indiquant qu’elle viendra le lendemain à la Raquette pour y chercher ses affaires, et en lui demandant de tâcher d’être heureux. En octobre 2021, Virgile est allongé immobile dans un lit d’hôpital, contemplant les dalles du faux plafond, un animal en peluche dans le creux de son bras droit. Il se demande Pourquoi il faut que sa cervelle lui balance toujours le même souvenir pourrave ? Ça valait bien la peine de garder intacts ses neurotransmetteurs ! Comme s’il avait passé la totalité de sa chienne de vie à la verticale dans cette fichue manif à se faire largueur par la femme de sa vie !?! Que lui importe, de toute façon, sa carte Vermeil !?! D’ici à ce qu’il remonte dans un train, il en aura coulé du glucose dans ses perfusions ! Pourquoi faut-il que les bonbons de la jeunesse deviennent les caries de la vieillesse ? Son esprit le ramène à la manifestation alors qu’il est resté seul avec la banderole : il s’en veut de sa question idiote sur ce que vont dire les gens. Il l’a vue s’éloigner, remontant la foule des manifestants à contre-courant, comme un poisson qu’on a remis dans l’eau, elle nage. Comme un poisson un peu étourdi au début, qui n’y croit pas vraiment, qui n’y croit pas encore, elle nageait… Des choses méchantes ? Des choses gentilles ? Lui non plus, tout à coup, il ne comprenait plus rien à la vie. Le 24 août 2006, Pluton a cessé – officiellement – d’être une planète de notre système solaire. Ainsi en avaient décidé les 2.500 experts de l’UAI, l’Union Astronomique Internationale, réunie à Prague pour statuer du sort de ce petit objet constitué de roche, de glace et de méthane : Pluton. Désormais Pluton n’était plus qu’un vulgaire corps céleste situé à six milliards de kilomètres du soleil… Le 1er avril 2015, il cessait - officieusement du moins – d’être le mari de Solène. Ainsi en avait décidé la principale intéressée, réunie avec elle-même, pour statuer du sort de ce petit être constitué d’os, de sang et de sentiments : lui. Un grand gaillard d’environ soixante ans, allongé impuissant dans son lit d’hôpital, Pas hémi-, pas para-, pas quadri-, tétraplégique ! Comme quoi, pour un handicap comme pour un appel téléphonique international, c’est le préfixe qui fait toute la différence ! Voilà comment il explique sa situation. Virgile Dujardin a la répartie facile, et l’humour taquin. Le lecteur sent bien que le scénariste place des bons mots avec précision, et il les savoure quoi qu’il en soit. Qu’il s’agisse d’un vraie-fausse maxime populaire : On ne marche pas avec deux paires de souliers aux pieds. D’une réflexion de vieux sage : Pourquoi faut-il que les bonbons de notre jeunesse deviennent les caries de notre vieillesse ? D’une pure invention dans le registre absurde, par exemple Comme l’a si bien dit le grand philosophe Virgilus Magnus : Les cerises ne tombent jamais loin du poirier. Les rapports entre les membres de la famille de Virgile et entre ses amis s’avèrent touchants, sonnent justes dans leur mise en scène, même s’il est possible de voir les dispositifs narratifs propres à la bande dessinée. Le lecteur ressent la vitalité de Cécile, encore jeune enfant, tout comme l’amertume des regrets chez certains, et la bienveillance honnête de tous. L’expérience de lecture va s’avérer très différente si le lecteur capte la nature du carton d’invitation de la page quinze. Le scénariste utilise avec une grande habileté le réordonnancement temporel pour parvenir à cet effet d’incertitude. Cela fonctionne d’autant mieux que ce même dispositif est également utilisé pour différer certaines informations et ainsi générer une forme de suspense, en particulier sur les circonstances qui ont conduit à rendre Virgile tétraplégique. Si la signification du carton d’invitation lui a échappé à la première lecture, il peut refeuilleter le volume avec la connaissance du dénouement, en ayant une boîte de mouchoirs à proximité. Zidrou crée des personnages immédiatement sympathiques et touchants, même Virgile malgré son caractère un peu abrasif ou la tante Camille et sa personnalité un peu triste. Le lecteur n’arrive même pas à en vouloir à Solène d’avoir quitté son mari : elle l’a fait de manière naturelle, sans acrimonie ou agressivité, choisissant de mener une autre vie qui lui semble plus lui convenir. Il note également comment l’auteur utilise de petites touches discrètes pour faire ressortir la différence d’âge entre les trois filles de Manon : Céline la plus jeune et ses réactions spontanées, Éline plus réservée, Victoire déjà fortement investie dans la pratique du basket, et s’en servant comme une forme d’outil de médiation pour interagir avec les autres. Le lecteur est tout autant touché par la sollicitude de l’infirmière Soumaya, par la gentille attention de la voisine Mme Yifrine, par l’amitié de longue date entre Virgile et P’tit Louis. Houlà ! L’histoire d’une personne tétraplégique dans sa chambre d’hôpital ?!? Pas sûr que ce soit visuellement très intéressant… Tout commence par une manifestation dans les rues d’Aurillac, ce qui ouvre l’espace. Le contraste est parfait avec les deux cases en pages sept qui constitue un plan fixe sur les dalles de faux-plafond et les deux tubes au néon, puis les deux autres cases en dessous, également un plan fixe, comme si Virgile était regardé par lesdites dalles. Le lecteur peut faire confiance au scénariste pour structurer son récit en prenant en compte la dimension visuelle de la bande dessinée, en intégrant des moments variés comme cette réflexion sur Pluton avec une case représentant les différentes orbites des planètes du système solaire, un voyage en voiture pour se rendre à l’hôpital, des courses dans un supermarché, la scène de sauvetage du chaton dans l’arbre, un voyage en train, etc. La variété est bien assurée. Pour les scènes de chambre d’hôpital, l’artiste conçoit des plans de prise de vue qui montrent aussi bien la situation statique du handicapé, que les mouvements des visiteurs autour de lui, ou les tâches du personnel soignant, y compris la toilette. Le lecteur ressent les ambiances de chaque séquence, prenant progressivement conscience de l’emploi d’une palette de couleurs spécifique, en fonction des lieux, en particulier le choix inattendu, peut-être même audacieux d’un rose soutenu pour la chambre d’hôpital… et ça fonctionne très bien. L’artiste apporte une vraie personnalité à chaque protagoniste, des airs de familles entre certains individus, des comportements normaux et banals, avec parfois l’émotion qui prend le dessus, que ce soient les regrets, la tristesse, ou parfois l’exaspération (Manon avec son ex-mari Julien). Elle a le sens de l’accessoire ou de l’aménagement juste, que ce soit le matériel médical, les cadeaux apportés par les visiteurs, la magnifique terrasse donnant sur la piscine de Julien et son épouse. Elle reproduit parfaitement l’effet de la chute de Will E. Coyote à la poursuite de Bip Bip. Elle exagère discrètement les traits de visage, pour souligner la personnalité de chacun, les rendant d’autant plus humains. Le lecteur se dit que le récit aurait eu un effet très différent s’il avait été illustré par un autre dessinateur. Coincé dans son lit d’hôpital, privé de mobilité, assisté pour tous les gestes du quotidien qui sont réalisés par le personnel soignant, Virgile Dujardin se retourne sur sa vie, ce qu’il a fait ou accomplit, se confrontant à une version jeune de lui-même qui ne le ménage pas. Cette façon de penser se retrouve également dans des pages consacrées au parcours de vie d’un autre personnage : une illustration en pleine page, et des cartouches de texte synthétisant une vie, pour Soumaya (petite ado junkie devenue infirmière), pour Jefferson Walts (joueur de basket qui n’a jamais connu la gloire), P’tit Louis (autre joueur de basket, veuf sans enfant, acceptant que : La solitude est une maladie de naissance, alors autant s’habituer depuis le début), Camille Dujardin (fille de Virgile, professeure et célibataire), Solène (l’ex épouse de Virgile), et même Qadar (le chaton coincé dans l’arbre). Cet état d’esprit tourné vers le bilan exhale surtout de la bienveillance, un regard sur des trajectoires de vie banales et ordinaires, sans jugement de valeur, pétrie d’une sensation de regret plus ou moins vive, à la pensée de ce qui aurait pu être, sans pour autant invalider ce qui a été vécu. Une sensation très poignante, indicatrice d’une acceptation qui n’a pas pu être conduite à son terme. Une image de couverture qui laisse planer le doute sur la nature du récit. Le lecteur tombe tout de suite sous le charme des dessins, des partis pris de couleur, de la normalité des personnages et de leur gentillesse profonde, de la réalité des environnements dans lesquels ils évoluent, de la chambre d’hôpital à l’(ex-planète) Pluton (!), de la sollicitude évidente dans leurs attitudes. Il se laisse gagner par une forme bien particulière de nostalgie, celle très proche des regrets quand il s’agit de se retourner, de constater à quoi on a consacré sa vie, et de tout ce qu’on n’a pas fait, abandonné au profit d’autre chose, ou par manque d’occasion. Poignant. Enfin, cette bande dessinée aborde une question essentielle dans toute société, polémique propice à la confrontation idéologique, avec douceur et avec un avis qui coule de source au regard du récit. À réfléchir.

04/04/2026 (modifier)

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Je voulais aider à réhabiliter ce manga que je trouve sous-coté. Pour moi, il s’agit d’une des meilleures œuvres du genre zombie. Le dessin est bon, et l’action est souvent proposée avec un découpage proche du cinéma. Les zombies sont dérangeants (et parfois drôles) par leurs côtés uniques, qu’on ne retrouve pas dans beaucoup d’œuvres du style (pas de spoil). Le personnage principal a ce côté attachant : c’est monsieur Tout-le-monde. Il est couard, égoïste, de mauvaise foi, mais parfois héroïque. On s’identifie plus à lui, à l’opposé des personnages d’autres œuvres du genre, qui sont souvent courageux de manière surhumaine. Le début du manga est toujours génial à lire, avec cette partie de calme avant la tempête dans la vie du personnage principal, qui est mangaka. L’auteur en profite pour bien se défouler sur les côtés tordus de ce métier. J’apprécie particulièrement une chose que je pense que l’artiste a voulu montrer dans ce manga : comment se passerait une invasion zombie dans une société où tout le monde est excessivement poli et bien élevé ? Cette série imagine cela assez bien, ce qui donne des scènes assez amusantes. Seul petit couac éventuel : la fin, qui peut diviser selon votre personnalité, j’imagine. 16,5/20

03/04/2026 (modifier)

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Bon, ça se laisse lire, mais jamais je ne me suis senti réellement emporté par l’histoire. Et je ne me suis pas non plus totalement attaché aux personnages, malgré certaines fêlures qui leur donnent un peu de consistance. La faute déjà à un dessin – lisible – qui n’est pas vraiment ma came. Et la colorisation, tranchée et froide, accentue cet aspect un peu « artificiel » et « mou » ressenti (mais pour tout ça c’est sans doute affaire de goût). Les mésaventures de ces trois copains (deux filles et un garçon), qui cherchent à « percer » avec leur petit groupe de rock, à coup de reprises, et de petits cachetons dans les clubs et bars du coin où ils vivotent, restent souvent conventionnelles. Si tour à tour ils montrent leur faiblesse (prendre son indépendance vis-à-vis d’une mère – riche - ; accepter ou pas de quitter le groupe contre une carrière plus prometteuse avec un autre groupe ; lâcheté du troisième qui n’ose pas dire que la seule chanson que ses deux collègues ont aimée a été volée à un type bizarre rencontré dans un bar, etc.), rien n’est réellement développé, précisé, et le happy end final pour le trio émousse les quelques aspérités rencontrées. Seul le type dépressif, reprenant les chansons de Sinatra, aurait eu le pouvoir de dynamiser/dynamiter l’intrigue, mais cet aspect est sous-exploité. Une histoire qui m’a laissé sur ma faim. Note réelle 2,5/5.

03/04/2026 (modifier)

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Dufaux nous propose ici une série Fantasy des plus classiques, qui lorgne pas mal sur Thorgal (plusieurs noms de personnages sont assez « thorgaliens », et Hildegirrd est une sorte de Kriss de Valnor en version blonde). Les amateurs du genre et de cette série y trouveront sans doute leur compte (même si elle est moins longue et ambitieuse). Le dessin d’Aouamri (qui vient d’ailleurs récemment de participer à un tome de la collection Thorgal Saga) est agréable (c’est même le point fort de la série !). Un trait assez gras, mais puissant, un style qui convient bien à ce type de récit d’aventure testostéronnée, jouant sur les mythes nordiques – et sur l’imagerie fantasy déjà développée ailleurs. Dufaux joue le classique dans sa narration, et use moins qu’ailleurs – ce qui me convient – d’un fantastique trop souvent inutile. Je regrette juste des commentaires off parfois un peu trop présents, voire inutiles. A part Thorgal, l’autre influence serait certains personnages de comics avec ces corps bodybuildés (voir les premières planches du troisième tome, prétextes à montrer ces corps musculeux). En introduction, Dufaux précise qu’il avait au départ en tête un diptyque, voire plusieurs diptyques, s’inspirant de différentes légendes nordiques. Au final la fin ouverte ménage un possible retour avec une suite ou d’autres histoires plus ou moins liées à celle-ci. Mais surtout ce diptyque est devenu une trilogie. Et ça se sent quand même un peu dans les deux derniers tomes, qui s’étirent un peu trop parfois (le deuxième tome est un peu « mou », un peu trop verbeux par exemple). Une lecture d’emprunt.

03/04/2026 (modifier)

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Frankenwood est un album qui se distingue par l'originalité de son scénario, à la fois hommage à l'âge d'or d'Hollywood et polar étrange, caustique et décalé. On y croise Humphrey Bogart, Marylin Monroe, Clark Gable, Laurel et Hardy, Alfred Hitchcock, et même quelques figures plus récentes comme Bardot ou Nicholson. Tous ces personnages sont ramenés à la vie dans un univers artificiel et coupé du monde, où leur mémoire se brouille et leur image est exploitée par des producteurs invisibles et sans scrupules. Le récit joue avec des accents de Frankenstein, de résurrections et de mémoire défaillante, créant un mélange ni vraiment sérieux ni vraiment loufoque. Le dessinateur Igor Kordey se fait visiblement plaisir à représenter ces visages célèbres. Quelques portraits sont frappants, parfois avec des accents graphiques rappelant Richard Corben, mais la qualité reste inégale : certains visages changent selon l'angle de vue et deviennent moins reconnaissables. Cela dit, la galerie de stars et l'ambiance rétro hollywoodienne donnent beaucoup de charme à l'album, et les décors et cadrages sont travaillés avec soin. Côté scénario, l'histoire est intrigante et souvent amusante, notamment lorsqu'on relève tous ces clins d'œil aux films et aux acteurs, mais elle manque de cohérence interne. Plusieurs éléments ne tiennent pas vraiment la route et l'intrigue ne mène nulle part de façon satisfaisante : la fin s'éternise et se cherche, laissant le sentiment d'un hommage appuyé et un peu embrouillé plutôt que d'une intrigue solide de bout en bout. On retient surtout le plaisir de voir ces figures mythiques évoluer dans un univers fantasmé et caustique, ainsi que la réflexion ouverte sur l'exploitation de l'image des stars, leur immortalité artificielle et la manière dont Hollywood broie ses icônes, avec un écho indirect à la problématique moderne de l'IA dans le cinéma. Frankenwood est un one-shot original et audacieux, visuellement plaisant et truffé de références cinématographiques, mais dont le scénario, surprenant par moments, reste surtout un prétexte pour explorer ce monde étrange et décalé plutôt qu'une intrigue rigoureuse. J'en suis ressorti amusé et intrigué, mais sans réelle sensation de conclusion ou de tension narrative complète.

03/04/2026 (modifier)

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Dans la vallée du Beuvron, en pleine campagne bourguignonne, un jeune homme un peu paumé et incapable de trouver un travail se met en tête de dénicher un trésor en se lançant dans la détection de métaux, quitte à s’aventurer sur des terrains sensibles. D’autant que, de son côté, un historien en colère est bien décidé à combattre les chasseurs de trésors qui pillent le patrimoine historique français. Avec cet album, Bruno Duhamel propose une lecture agréable, portée avant tout par son talent graphique. Son dessin est soigné, lisible, avec des personnages expressifs et une galerie de trognes bien campées. Les décors sont aussi son point fort et participent largement au charme de l’ensemble, notamment les paysages ruraux et les arbres, particulièrement réussis, qui donnent une belle identité visuelle à l’album. L’ambiance générale, douce et un peu nostalgique, s’inscrit dans une tradition franco-belge assez classique, qui rend la lecture fluide et accessible. Le cadre rural et la galerie de personnages secondaires, entre voisins, famille et figures locales, apportent une certaine densité humaine, avec une observation plutôt juste de ces petites vies et de leurs aspirations modestes. Il y a aussi, en toile de fond, une volonté d’ancrer le récit dans un cadre réaliste, notamment à travers les aspects légaux et historiques liés à la détection de métaux. Cela dit, si l’ensemble se lit sans déplaisir, le scénario reste assez discret, pour ne pas dire anecdotique. Le récit avance tranquillement, sans véritable tension marquante, en enchaînant des situations du quotidien et des péripéties sans grand impact. Même la scène dramatique qui vient ponctuer l'histoire peu avant la fin tombe un peu à plat, car elle arrive de manière assez abrupte et ne permet pas vraiment de ressentir le choc vécu par celui qui en est témoin. J’ai eu le sentiment d’une histoire qui se laisse suivre mais qui peine à vraiment marquer, avec une trajectoire narrative assez balisée et peu de moments réellement forts. On notera d'ailleurs que l'éditeur propose deux couvertures alternatives pour cet album, miroir l'une de l'autre, ma préférence allant à celle avec le personnage de Léo en haut. Et justement, en comparaison, cette couverture, que je trouve très belle, fait preuve de bien plus d'intensité que le récit qu'elle accompagne. Il en ressort une BD sympathique, bien réalisée et visuellement très plaisante, mais dont l’intrigue reste un peu trop légère. Une lecture confortable, portée par son ambiance rurale et son dessin, qui fonctionne sur le moment sans forcément laisser une impression durable.

03/04/2026 (modifier)

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Enfin un album sur ce crime capital touchant des millions de locaux par la fautes d'étrangers comme nous : sacrifier des hommes aux bêtes. Les habitants sont expulsés au nom de la nature intacte quand c'est avec leur symbiose que l'écologie des lieux est ce qu'elle est. Autre ironie : le cas le plus étudié, l'Ethiopie, nous montre un pays non colonisé d'Afrique tombant dans le colonialisme vert ! C'est que par lui, on s'attire les financement d'organismes très puissants comme le WWF, du prestige, et un prétexte pour mettre au pas des populations rebelles, quand elles le sont comme dans le cas éthiopien. Merci à Pol d'avoir signalé cet album que j'ai acheté quoiqu'en ce moment je dégage plus que je n'acquière ! Mais j'ai deux objections à ses objections… Voyons voir ! Peu importe que le lecteur puisse se perdre entre tous les personnages d'ailleurs simplifiés face à la réalité : il y en a moins qui prennent les actions de plusieurs comme dit le livre… Vu que la BD ne prend une forme d'enquête que pour appâter le lecteur et qu'on ne mettra aucun des criminels sous les verrous ! Ce qui compte est de voir que se recasent d'anciens colons spécialistes auto-proclamés en écologie, et les violences qu'ils commettent sur le terrain avec l'aval des autorités tant nationales qu'internationales. Peu importe qu'on ne voie pas la beauté de la nature africaine… Cette beauté, elle est si présente à notre esprit, elle pollue si bien notre cœur que j'ai pu dénoncer les crimes écologistes à des gens qui ne voulaient rien entendre ou même les justifiaient… Ici, ni les humains et l'environnement ne sont pas présenté de façon idéalisante, on voit des puissants imposant leur vision du monde aux populations d'abord enfermées dans des règles de restriction d'usage de leurs propres terres puis expulsées et leurs impuissantes tentatives de résistance. C'est âpre. Et on nous rappelle aussi que la nature et la culture sont âpres, sans effet esthétisant comme à la télé, entre sélection des plus beaux moments et endroits, musiques et commentaires sacralisant la nature. L'envers du décor et la nature sans fard forment un choc que j'espère salutaire.

03/04/2026 (modifier)

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