Les derniers avis (114886 avis)

C'est le deuxième titre de cette collection que je lis, et c'est à nouveau un coup de cœur ! Coup de cœur parce que c'est très intelligemment fait. Au départ, Les Ondines est une collection qui s'adresse à un public jeune. Faut-il croire que je suis toujours jeune ? Allez, je le crois :) ! En tout cas, cette histoire vraiment très singulière m'a captivé, notamment par la manière dont le sujet est traité. Les aventures de la petite Euy (qu'a oeil bleu et qu'a oeil noir, et qu'a vraiment sucroyable) se déroulent à la Préhistoire, mais une Préhistoire fantasmée, imaginée, tout ça à la fois, mais en même temps crédible ! Le truc qui constitue en grande partie l'originalité de la chose, c'est le langage. Les différentes tribus rencontrées parlent toutes une langue différente. Léon Maret le transcrit en déformant les mots qui toutefois restent familiers, au sens de similaires au français. Ca pourrait vite devenir lourdingue a priori, mais dans les faits, la lecture reste très fluide. Pas une seconde je n'ai buté dans ma compréhension. A la toutefinfin, on trouvera un petiot cahier pédagogo qui synthérésume les points dévelaborés au courlong de la storie : domesticatif des zanimos (canibots et chevalous), linguouées parlabrées... C'est très chouetos, bien fait et pas chiantifiant. Oui, l'univers ici développé m'a complètement charmé. Je le redis, il est très original, rappelant notamment celui qu'a élaboré Nicolas Puzenat dans sa série Mégafauna. Ajoutons à cela une bonne dose d'humour, des personnages tout à fait attachants, un dessin qui me plait beaucoup par sa sobriété (exception faite des pattes des animaux en mouvements si l'on veut chipolaté), ainsi qu'une mise en couleur convaincante, et on obtient oui : un coup de cœur gros comme ça qui à mon sens reste susceptible de séduire un très large public !

22/04/2026 (modifier)

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Un trait juste, ça ne s’efface pas ! - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre. Son édition originale date de 1986. Il a été réalisé par Edmond Baudoin pour le scénario et les dessins. Il comprend quarante-trois pages de bande dessinée. Avec six autres récits, il a été réédité dans le recueil Les Sentiers cimentés, paru en 2006. Il s’ouvre avec un court paragraphe de l’auteur en guise d’introduction. Il écrit qu’on ne lui demande plus s’il aime toujours dessiner, ou quels sont ses projets, ou même seulement comment il va. Mais combien il vend d’albums ? Il vit sûrement une époque fantastique, mais il estime qu’il a dû rater une marche quelque part. Quelque part dans une zone désertique en Algérie, sous un fort soleil. Un garçon s’approche d’une voiture en plein milieu d’une route déserte. Le soleil est déjà haut dans le ciel il doit faire chaud dans la voiture noire. C’était le printemps 1962 en Algérie. Simon Zoladz douze ans. Son père est instituteur à Kenchella, il y est venu il y a quinze ans. Mais l’Algérie c’est fini, il a demandé sa mutation sur le continent, il est nommé à Saorge ; Leïla, elle est originaire de haute Kabylie. Alain François, responsable local de l’OAS, trente-deux ans, deux balles dans le ventre, le FLN, ou l’amant de sa femme… Il n’a plus la force que de faire AAAAAA, et d’appeler la mort. Les mouches lui tiennent compagnie en faisant bzzzzz ! Le garçon se tient devant la vitre du conducteur et ce dernier lui déclare qu’il veut mourir, et lui demande de lui donner le revolver sur la banquette arrière car il ne peut pas l’attraper. Simon court vers les maisons en criant : Au secours ! Il revient avec trois hommes adultes armés : Alain François est mort. Le soleil est encore plus haut dans le ciel, il doit faire encore plus chaud dans la voiture noire. Les mouches, elles, vivaient encore. Le trois mars 1970, Simon commence son journal intime : Mon père est mort il y a trois jours. On l’enterre aujourd’hui. Toute sa vie il a tenu un journal. Je vais essayer de tenir celui-ci. Aujourd’hui je suis allé à l’enterrement du mec le plus chouette que j’ai jamais rencontré. Ce matin ma mère m’a donné un cahier. C’est le début d’un roman que voulait écrire mon père. La première phrase c’est : Monsieur Antoine Zoladz est dans son genre ce qu’on pourrait appeler un pauvre type. Antoine, c’était le prénom de mon père. Et son roman s’est arrêté à la fin de la première page. Quatre mars. J’ai essayé de peindre mais j’ai pas le moral. Cinq mars. Encore rien foutu. Si ça continue je vais arrêter ce journal. En juillet 68 dans la vallée des Merveilles, le drapeau rouge c’est parce qu’on y croyait encore un peu. Deux mois plus tôt sur cette photo, quelque part à droite. Jeudi six mars. Passé la journée avec Marc. Je sais pas comment il fait, mais après un moment avec lui je suis toujours bien. Ce soir je vois Sofie. Trois novembre 1980. J’expose galerie Passage. Complètement dans le système le mec… Et vive le marché de l’art. Et vive le commerce. Après Un flip coca ! (1984) à la structure narrative un peu expérimentale, le lecteur se demande comment l’auteur va développer son œuvre suivante. Tout commence avec une séquence traditionnelle : pendant trois pages, des cases dont la plupart se présente avec une bordure, disposées en bande, avec de courts phylactères et des observations du narrateur omniscient dans des cartouches, des dessins réalisés à la plume, racontant la mort d’un individu dans sa voiture pour une raison prêtant à discussion. Le lecteur tourne la page et il constate un changement de mode de narration. Un journal intime écrit en lettres d’écolier pendant cinq pages, sans majuscule, des dessins plus durs dans leur apparence, des extraits d’articles de journaux, des portraits esquissés comme réalisés par l’auteur du journal, des jeux sur la graphie de l’écriture comme réalisé par un étudiant en école d’art. Des phrases qui s’approchent du flux de pensée, plutôt que d’une construction littéraire. Certaines petites illustrations qui peuvent faire penser à une affiche de propagande, à des dessins de recherche, à des croquis machinaux pour passer le temps, à la reproduction de la couverture d’un magazine de mode. Le lecteur s’accroche aux morceaux de texte. Il commence par bien saisir l’état d’esprit de Simon, son amitié avec Marc, la rencontre avec Joss. Elle, la riche héritière qui a viré sa cuti, lui, le jeune avocat du peuple qui va la défendre. C’est un super scénario pour un dessineux de B.D. Faudra qu’il en parle à François. Puis, à partir de la planche neuf, la bande dessinée revient dans un mode narratif traditionnel pour le restant : des cases disposées en bande, avec toujours la personnalité graphique inimitable d’Edmond Baudoin. Le récit semble basculer dans un genre littéraire bien précis : le polar. Deux amis, un cadavre, l’un des deux est responsable du décès, et il s’agit selon toute vraisemblance d’un meurtre, pas vraiment prémédité… Enfin, le coupable a agi sur l’impulsion du moment, et en même temps le sort de la victime était courue d’avance. Le lecteur est conforté dans sa sensation par quelques remarques en passant, qui semble tirées d’un roman noir. Un commentaire du narrateur omniscient : Il faisait froid dans la chambre, tout était en ordre, si ce n’est la lumière allumée et Joss seule dans le lit, bien couverte, détendue et morte. Ou encore une pensée de Simon : Seule, dans la chambre froide. Il y a à la fois ce froid détachement face au crime, et cette façon de jouer avec le langage : chambre froide au sens littéral, et chambre froide où la viande est conservée. Cette sensation de polar est renforcée par le traitement graphique : des personnages avec des gueules, ce qui fait ressortir l’étrangeté fascinante et parfois monstrueuse de l’altérité, des passions intenses qui affleurent sur le visage, effrayantes pour autrui car sans filtre. Ou en planche treize un contraste poussé entre des zones noires (pour la nuit) et des taches de blanc, rapprochant la composition de l’abstraction. En effet, les deux personnages se retrouvent en cavale. Ils décident de fuir pour échapper à la police (qui ne sera jamais représentée dans ces pages), en tentant de franchir un col dans la montagne sauvage pour gagner l’Italie. Le polar passe alors en mode huis clos dans un grand espace ouvert sauvage, entre deux hommes unis par une amitié indéfectible, et confrontés à un effort physique intense, à une randonnée à risque dans la neige, à leurs pensées négatives. En planche vingt-huit et vingt-neuf, le lecteur se rend compte que l’artiste inverse le rapport de noir et de blanc, les cases devenant vierge avec des taches noires et des effets minimalistes, certains éléments visuels n’acquérant du sens qu’en relation avec ce qui est montré dans la case précédente ou la suivante. Le contraste est total entre la sensation d’enfermement de l’urbanisme, et les grands espaces ouverts. En outre, l’artiste s’attache à inclure la faune : un aigle qui chasse au-dessus de la maison en montagne, une page consacrée au vol d’un groupe de corneilles (littéralement des petites taches noires sur le blanc de la case, et un trait irrégulier pour la crête de la chaîne de montagnes), des silhouettes de chamois (en ombre chinoise) sous une tempête de neige, autant d’instants magnifiques, faisant ressortir le contraste entre la fragilité de l’homme dans cet environnement sauvage et la parfaite intégration des animaux. Cette variante de la course-poursuite (plus une fuite dans les faits) impulse une dynamique au récit, et le lecteur se laisse prendre à l’intrigue, se demandant si les deux amis s’en sortiront, à quel prix, dans quel état. S’il connaît un peu l’œuvre de l’auteur, il détecte également des éléments de nature autobiographiques, et toujours son regard personnel sur l’humanité et ses faiblesses. Se retrouver à marcher avec Marc & Simon dans la neige, dans les montagnes proches de Nice procure des sensations authentiques. D’ailleurs, la commune de Saorge existe vraiment, dans le département des Alpes-Maritimes, en région Provence-Alpes-Côte d'Azur. En outre, le lecteur a la surprise de retrouver le petit garçon avec un doigt porté à sa bouche qui apparaît dans Passe le temps (1982). De plus, Jeanne vient s’enquérir de Marc dans la maison de montagne, cette dame étant un deux personnages principaux de La Peau du lézard (1983) avec François. Ces deux occurrences laissent à penser qu’à l’époque l’auteur pouvait être tenté de créer une continuité interne sous la forme d’éléments récurrents ténus. Dans ce récit réside également celui d’une amitié d’une force peu commune. Le lecteur peut être tenté d’y voir un hommage transposé à partir des liens avec son frère Piero. Il aborde également la souffrance que peut être l’existence pour certaines personnes, au travers du personnage de Joss. Simon la compare à ces enfants que l’on met sous cloche aseptique dès la naissance parce qu’ils n’ont aucune protection contre l’extérieur. Il ajoute qu’elle ne supportait pas l’odeur d’excrément qui fait le quotidien. Marc renchérit en disant qu’elle a appris que les actions directes, ou indirectes ne détruisent pas la misère du monde. Il ne lui restait plus qu’à convaincre un d’eux de pratiquer un avortement qui aurait dû se faire il y a vingt-quatre ans. Le lecteur retrouve une forme d’expression très roman noir, et en même temps une empathie presque insupportable à la souffrance d’autrui. Cette bande dessinée appartient aux œuvres de l’auteur qui relèvent plus de la fiction que de l’autobiographie, qui traduisent son amour pour le roman noir. Une fois passées les deux premières séquences un peu déroutantes (un décès dont l’incidence ne sera évoquée qu’au travers du comportement d’un personnage) et son journal intime à la forme très libre et chargée de tâtonnement artistique, le lecteur plonge dans un polar avec un vrai crime, une narration visuelle très personnelle. Comme tout bon polar, celui-ci sonde une facette de la société, et fait apparaître la personnalité profonde de ses deux principaux personnages, avec une sensibilité humaniste unique et sincère. Émouvant.

22/04/2026 (modifier)

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J'ai terminé aujourd'hui la lecture du deuxième tome. J'ai aimé les dessins, comme c'est souvent le cas avec Manara. Mais je n'arrive pas à laisser tomber le roman et même le film. Ce sont trois objets différents et j'aime beaucoup les avoir chez moi. Je me suis beaucoup amusé avec le témoignage de J. J. Annaud à la fin de l'œuvre! Pourtant, le sentiment d'un manque ne m'abandonne pas: U. Eco était un grand écrivain ( théoricien de la BD et philosophe aussi) et il y a un peu de perte en toutes ces adaptations... P. S. Je vais lire le roman, encore une fois, et j'aime bien plus les dessins de Manara en noir et blanc. -------------------------------------------------------------- Après une relecture des albums et une considération réfléchie, je pense que j'ai été injuste. Le premier tome est plus abouti au niveau du dessin, mais l'adaptation de Manara a sa valeur et mérite une meilleure place dans ma bibliothèque mentale. Je ne sais pas si Eco aurait approuvé Marlon Brando dans le rôle de William...

20/02/2026 (MAJ le 21/04/2026) (modifier)

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J’ai lu les tomes 1 et 3, et je pense que ça va me suffire. En effet, par-delà quelques petits changements de lieux et de bestioles, c’est quand même assez répétitif ! Très vite lu, et pas toujours captivant ! Je me demande d’ailleurs à qui s’adresse cette série. Classée en Ados/adultes, j’ai quand même l’impression que c’est du tout public qui vise avant tout un jeune lectorat, si j’en crois les petits questionnaires – vraiment riquiqui – qui clôturent chaque chapitre, pour présenter – de façon ultra succincte – une ou deux espèces animales croisées par Gon dans le chapitre précédemment lu. Le point fort de la série, c’est le dessin de Tanaka. Son trait réaliste, en Noir et Blanc, est vraiment très chouette, expressif, précis, et agréable. Mais pour ce qui est des histoires elles-mêmes, ça m’a laissé sur ma faim. Le fait qu’on n’ait aucune explication sur la présence de ce bébé T-rex au milieu d’une faune contemporaine passe encore, mais ensuite, une fois acquise cette idée, ça se répète, et je ne sais pas comment on peut lire 7 albums entiers sur le même format !? Il y a quand même quelques passages qui m’ont davantage plu. D’abord toujours grâce au dessin, et la mimique de Gon donne des passages amusants, lorsqu’il essaye de copier ce qu’il voit (sans contrôler sa force) : voir ce que donne le barrage qu’il construit en copiant les castor… De même, j’ai trouvé amusant le récit où il rend dingue – c’est le cas de le dire – un dingo. Mais voilà, l’auteur s’est fait plaisir, il balade son T-rex dans tous les coins de la planète, celui-ci croisant donc des animaux très variés, s’incrustant partout, comme un gamin gaffeur, avec une force énorme (et sa grosse bouille est souvent drôle à voir). Mais ce plaisir ne se renouvèle pas assez selon moi.

21/04/2026 (modifier)

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Floyd Gottfredson a repris les strips quotidiens de Mickey, à la suite d'Ub Iwerks. C'est lui qui a fixé l'image du Mickey classique que nous avons tous aujourd'hui, ainsi que celle de Minnie, Dingo et de nombreux autres personnages. Mais les histoires sont très limitées par les standards et les préjugés de l'époque. Voyez l'épisode des gitans ! Plus tard, et au fil des décennies, surtout dans les années 50 et 60, il a construit, avec l'aide de plusieurs scénaristes, une œuvre plus personnelle, en même temps universelle, et avec quelques personnages mémorables.

21/04/2026 (modifier)

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Comme souvent, les avis de Cassidy sont enlevés, tranchés, et douloureusement drôles. Et je dois dire que la plupart des critiques qu’il pointe sont bien vues. En effet, l’intrigue est des plus légères, le dessin n’est pas exempt de défauts, et surtout l’énorme différence en termes d’architecture et d’avancée culturelle entre Bretons et Pictes (qui semblent ici vivre assez près les uns des autres, sans toutefois connaitre l’existence des autres ?) est hautement improbable. Je serai toutefois au final un peu moins dur que lui pour évaluer cette série, dont je n’ai lu que le premier album (une histoire indépendante). Malgré ses défauts, le dessin n’est pas si désagréable que ça (je regrette quand même les visages un peu trop joufflus de nombre de personnages). Quant à l’histoire, certes elle est minimaliste et joue sur l’entraide entre un jeune Picte (Kilt donc) et un jeune Breton pour lutter contre une grande laie. Mais cette histoire s’adresse uniquement à de très jeunes lecteurs (l’adulte peut difficilement passer outre les défauts pointés par Cassidy), et ceux-ci peuvent y trouver leur compte, oubliant les côtés folkloriques de l’ancrage historique et géographique (vue l’architecture du gigantesque château breton, on imagine être au moins au XIIIème, voire XIVème siècle, c’est-à-dire à une époque où l’Écosse est largement christianisée -et j’ai du mal à croire à une laie magique à la fois aux yeux de Bretons christianisés et de Pictes semble-t-il encore païens), et la résolution bien trop facile des antagonismes. L’album ne fait qu’une trentaine de pages, et c’est dommage. Une dizaine de pages supplémentaires auraient sans doute permis de mieux étoffer l’intrigue, et de développer un cadre plus acceptable. Note réelle (à l’aune du jeune lectorat visé) 2,5/5.

21/04/2026 (modifier)

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J’ai lu cet ensemble dans la récente réédition qui, il faut le dire, est sans doute un must pour les amateurs de l’auteure. En effet, outre les trois albums repris, sont regroupés aussi plusieurs analyses (de l’auteure elle-même, et d’autres spécialistes de son œuvre). Il est aussi probable que dessin, et surtout colorisation, aient été un minimum revus par rapport aux albums originaux. C’est en particulier le cas je pense sur les histoires courtes de « 1996 again », dont le rendu se rapproche un peu de certains auteurs plus « tardifs », comme Burns ou Mezzo. J’ai bien aimé ce dessin. Car, même si ce trait classique est très bon sur tous les albums, j’aime moins les couleurs grisâtres, voire ternes de nombres de pages de Montellier. « 1996 again » garde pas mal trace des collaborations de l’auteur à des publications très engagées à gauche (voire anarchistes). Mais le propos est souvent obscur et peu avenant, froid, passe mal (surtout que la plupart des récits sont vraiment très très courts). « Wonder city » me plait moins esthétiquement – même si la bichromie n’est pas inintéressante. C’est une histoire d’amour dans un univers qui s’y prête assez peu, un univers dystopique et anxiogène, que j’aurais aimé voir plus développé (voir mon avis sur cet album). « Shelter Market » est plus surprenant. On y retrouve là encore pas mal d’idées engagées, quelque chose de très politique (certaines planches m’ont fait penser au tableau « Invading new markets » d’Andy Singer, on y retrouve la sculpture « Supermarket Lady » de Duane Hanson). C’est un album qui a été fortement remanié et prolongé (en plusieurs étapes) depuis sa création au début des années 1980. On y retrouve mélangés plusieurs thèmes, comme les conséquences de la Guerre froide, la vulgarité de la société de consommation, etc. La vision est caustique, mais assez pessimiste. Un témoignage d’une auteure et d’une époque, mais certains passages et messages des récits de Montellier n’ont pas perdu de leur force et de leur pertinence.

21/04/2026 (modifier)

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Ce qui me fascine le plus dans cette œuvre, c’est la manière dont elle interroge la monstruosité. Le titre Monstres laisse penser au départ que le monstre sera cette créature née d’expérimentations, mais on comprend très vite que les véritables monstres sont humains. Ce sont la violence, la cruauté, les traumatismes transmis de génération en génération qui façonnent les êtres et les détruisent. Toute la force du récit réside dans cette réflexion bouleversante : le monstre n’est pas celui que l’on croit. Quand on sait que cette histoire devait à l’origine être un récit autour de Hulk, on mesure encore davantage la grandeur du résultat final. Barry Windsor-Smith s’est affranchi de ce cadre pour créer une œuvre profondément personnelle, intime et universelle à la fois. On sent que chaque page est habitée, pensée, vécue. Il ne raconte pas seulement une histoire, il dissèque l’âme humaine. Graphiquement, c’est tout simplement époustouflant. Chaque planche est d’une richesse folle, chaque regard, chaque expression porte une intensité émotionnelle incroyable. Les dessins ne sont pas seulement magnifiques : ils servent le récit avec une justesse remarquable. Barry Windsor-Smith parvient à transmettre la douleur, la peur, la tendresse et l’horreur avec une maîtrise rare. Certaines pages coupent littéralement le souffle. Mais au-delà de la virtuosité graphique, c’est l’émotion qui m’a bouleversé. J’ai trouvé cette histoire d’une humanité incroyable, d’une tristesse immense, mais aussi d’une sensibilité bouleversante. C’est une œuvre dure, parfois insoutenable, mais profondément sincère. Elle m’a touché par sa puissance émotionnelle, par sa manière de montrer les blessures intimes et les cicatrices invisibles laissées par la violence. Peu de bandes dessinées m’ont remué à ce point. J’aime Monstres parce que c’est une œuvre totale : brillante, douloureuse, magistrale. Elle m’a impressionné par sa beauté formelle, mais surtout elle m’a profondément ému. C’est le genre de lecture qui vous secoue, qui vous habite longtemps après avoir refermé le livre. Pour moi, c’est bien plus qu’une grande bande dessinée : c’est une œuvre majeure, puissante, poignante, inoubliable.

21/04/2026 (modifier)

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Voici un projet véritablement original : à travers les péripéties liées à la circulation du squelette de Descartes, évoquer la pensée cartésienne du philosophe et les avancées des sciences durant les quelques siècles qui suivirent, et tout cela au sein d'une intrigue à la lisière du documentaire et de l'enquête policière, une intrigue certes exigeante, mais tout à fait accessible pour le grand public. Les exubérances du projet trouvent une déclinaison intéressante visuellement, avec certaines mises en page fort intrigantes et légitimes, un usage de la couleur rare, mais lui aussi intéressant. Ces grandes qualités nommées, force est néanmoins de constater que la lecture est davantage stimulante que plaisante. Le formalisme visuel aurait pu être plus fréquent, l'humour davantage présent en appuyant plus finement sur le rocambolesque des péripéties, le récit avancer avec davantage de fluidité, en générant davantage de tension dans ses aspects "policiers". Une bonne BD très originale, mais qui enthousiasme modérément. Une autrice à suivre.

21/04/2026 (modifier)

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J'ai acheté directement les deux premiers tomes de cette série parce la scénariste de la série est aussi l'autrice d'Iruma à l'école des démons, mon shonen en cours de publication préféré depuis un bon moment et aussi parce que j'aime bien les histoires de sorcières. Alors on est dans un monde où seules les femmes peuvent faire de la magie et affronter des monstres dangereux...et puis notre héros réussi à vaincre un monstre alors qu'il est un garçon ! Les amateurs de shonen vont tout de suite reconnaitre quelques clichés du genre (le héros super-for qui fait des trucs qui n'est pas censé être capable de faire et en plus sa personnalité de sauvageon est un peu similaire au Songoku des débuts de Dragon Ball), mais la trame est assez prenante pour que cela ne me dérange pas trop. Le scénario est un peu plus formaté que celui d'Iruma, sans doute du au fait qu'Ichi est publiée dans Shonen Jump le plus gros magazine au Japon et donc plus conformiste, mais reste agréable à lire. Les personnages sont attachants, les combats bien chorégraphiés et l'humour fonctionne bien. Le dessin est vraiment superbe, il y a souvent des détails sans que cela surcharge les cases. J'aime bien aussi le design des personnages que je trouve classe. En tout cas, un shonen que je vais suivre pour le moment en espérant que le scénario ne va pas finir inutilement étiré.

21/04/2026 (modifier)

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